Exclusivo: Esto es Sonorama

(Mañana, el gran diseñador argentino mexicano Jorge Alderete presenta su nuevo libro "Sonorama", y como es amigo de la casa le hemos pedido que lo presente aquí. Por eso, en exclusiva para Visualmente, el Dr. Alderete nos cuenta todo sobre este libro, en primera persona. "Es un texto bastante personal, y no lo he publicado (salvo en el libro por supuesto", sostiene.) Es solo ro ck´n´roll ... Dr. Alderete Los setenta La música siempre estuvo a mi lado, quizás igual que el dibujo. Nunca estudié música, pero tampoco dibujo; bueno, no más de algunas clases que siempre abandonaba. Cuando pienso en la música, mis primeros recuerdos son en la Patagonia, escuchando de prestado aquélla que era de mis viejos. Me acuerdo en especial de los Wawanco, en formato magazine (así se conoce al 8 track en Argentina) y, si la memoria no me engaña, en el estéreo del auto. Cuando pienso en rock, mi primer recuerdo es en casa de mi tío Chiche, escuchando Creedence Clearwater Revival –aunque en ese momento no sabía ni siquiera el nombre de la banda. Bastante más tarde logré atar cabos entre el aspecto de mi tío y su música: me acuerdo de su chaleco de jean, el bolsillo izquierdo desgastado con la forma de la cajetilla de cigarrillos, bigotes a la Frank Zappa y manejando un Torino turquesa en el que no podíamos subir ni yo, ni mí hermano, ni mis primos, sin pasar por un estricto control de limpieza. Los ochenta Más adelante pude decidir qué música quería escuchar. Empecé la secundaria y regresaba de la escuela todos los días en autobús; y justo en la parada del “bondi” había una tienda de discos –que por supuesto no existe mas. Si regresaba a casa caminando y ahorraba el dinero del autobús, en una semana más o menos podía comprar un cassette. Mis primeros cassettes. En ese momento lo mío era el “rock nacional”, algo así como el “rock en tu idioma” de México, pero casi exclusivamente limitado a bandas de Argentina. Y así fue como escuche por primera vez a Clap, Sumo, Virus, Los Violadores, Los Encargados, La Sobrecarga, Todos Tus Muertos, Don Cornelio, Los Fabulosos Cadillacs, Los Estómagos, Casanovas y un largo etcétera. Siempre en cassette, salvo un disco de vinil, el Invasión 88, un mítico acoplado que reunía a las primeras bandas de punk de Argentina, con portada del historietista Mosquil. Una joya. Al mismo tiempo empecé a ir a mis primeros recitales, que en Neuquén y en esa época no eran muchos. Recuerdo a bandas neuquinas como La Sedición, Corona de Espinas, Los Monjes del Lamento, Samuel Koch y sus Bacilos… entre el punk y el dark. Y nació Le Freak, la banda que formamos con algunos amigos de la escuela y con la que “tocamos” escasas dos o tres veces…La interpretación musical no era lo mío. Los noventa En 1990 me fui a estudiar Diseño en Comunicación Visual a la ciudad de La Plata, en Buenos Aires. Si bien cualquiera de mis ilustraciones tienen fondo musical nunca había hecho nada directamente relacionado a la música hasta este momento. El trabajo: hacer un mini cómic con adaptaciones de las letras de una banda local. La banda: los Peligrosos Gorriones, que se volverían un grupo importante dentro del nuevo movimiento en el underground argentino: el rock sónico. Y pasarían a ser la banda de sonido durante todos mis años de universidad. Al segundo año de estar en la carrera me invitaron a dar clases en la Cátedra de Dibujo. El titular de la misma era Rocambole, autor de todas las portadas de Los Redonditos de Ricota, una leyenda; y si bien la parte gráfica de su trabajo nunca me inspiró mucho, sí la forma en que lo encaraba, como un miembro más de la banda. Estudié la carrera con el sueño de poder hacer alguna vez el arte de un disco, y eso no sucedió hasta que llegué a México, en 1998. Recién llegado conocí a Lost Acapulco y al Alicia. Nacho, Güili, el Reverendo y el Warpig ensayaban muy cerca de donde vivía en esa época, y estaban grabando su primer disco cuando nos conocimos; desde entonces no deje de trabajar con ellos, ni de ir al Alicia. En 1998 salió el primer álbum de Lost Acapulco, el primer CD que yo diseñara, y también hice mi primer cartel de rock. Recuerdo que en la disquera no quisieron hacer mas carteles para el lanzamiento de los discos: no servían de nada, decían… ni bien los pegaban en las calles la gente los arrancaba para llevárselos… El resto de la historia, casi 20 años de trabajo, lo tienes en tus manos… (si querés conocer lo primero que hizo el Dr. Alderete, dentro del mundo musical, ese primer comic de los Peligrosos Gorriones, entrá ya en Chillart.
Más participaciones del Dr. Alderete en VisualMente, a continuación:
1. Su libro, acá.
2. Su visión del Mundial, acá.
3. La charla en el Living, acá.

Exclusivo: Te presentamos Por Amor a las Tetas

Ya sabíamos de la campaña publicitaria que ya tenía bastante exposición en las redes. Algunos hablaban de su origen sureño, mientras otros directamente la viralizaban sin decir nada. Cuando hace unas semanas estuvimos en Chile, haciendo un taller de creatividad para estudiantes universitarios, nos soprendimos con la creatividad que intentaba salir de las mentes transandinas. Fue en un punto, de la bajada de línea teórico, donde nos centramos con particular atención. ¿Cómo hacer publicidad de bien público? Para nosotros se puede hacer cualquier cosa menos lo que se suele hacer: dar golpes bajos. Y hoy te presentamos a Mariano Perez B. y Gonzalo Baeza, Directores Creativos en la agencia chilena Lowe Porta. Ellos dos son los responsables de Por Amor a las Tetas. "El aporte, nuestro, es la idea, la implementación, el guión, la gráfica... lo único que no hicimos fue lo que no sabemos hacer: Producir el spot y la web. Las ideas detrás de todo son nuestras". 1. Empecemos por el principio. Quién les encarga la campaña? Con que brief? Para ser sinceros, esto lo pensamos hace un año alrededor de esta misma época hablando de otra cosa, de "cómo romper el molde, cómo buscar soluciones nuevas para los mismos problemas de siempre". En esa conversación alguien dijo "Es como hacer una campaña contra el cáncer de mamas, pero para hombres; estarían por la cruzada, no?". En ese momento no teníamos el tiempo suficiente como para armar y presentarle esa idea a fundaciones, gobierno, o quien fuera. Finalmente nos quedamos con las ganas de hacer algo por el estilo y lo hicimos este año. Se la ofrecimos a un par de fundaciones pero como ya tenían resueltas sus propias campañas nos agradecieron el esfuerzo y quedó en eso. Luego nosotros decidimos salir igual con la campaña bajo el url "PorAmorALasTetas"- El resto es lo que ya sabemos. 2. Es interesante el cambio de eje en una campaña de este tipo. Por qué se dirige en forma exclusiva hacia el público masculino? Principalmente porque todo el resto está cubierto. La campaña es una campaña que complementa los esfuerzos del gobierno y otras instituciones por combatir el cáncer de Mamas durante el mes de Octubre. Ya hicieron la campaña "Que tenía que hacerse", la que no molesta a nadie e informa muy bien. Nosotros estábamos por hacer algo nuevo, y hacerle la campaña a los hombres en "edad de merecer" es una forma real de decir que el Cáncer no es sólo problema de las mujeres, es nuestro también, y el de sus familias. Si hay algo que nosotros podamos hacer por prevenir el cáncer, deberíamos estar haciéndolo. 3. Cuando uno ve este tipo de campañas duda de la exposición que podría llegar a tener, ya que la ve como la típica que se hace para un concurso. Sí y no. Sí, cuando uno lo hace pensando en el concurso, pero esto está pensado para que "pase algo". En el sitio hay un instructivo para hombres que explica cómo es que se debe examinar las tetas de las mujeres, para prevenir... Ese link se está viendo... no tenemos cómo saber si los hombres lo están haciendo o no, pero vale la pena el intento. Si luego esa idea gana algo en alguna parte, bien, pero nosotros como agencia nos gusta hacer. Más por las cosas interesantes que puedan pasar... Lo que hacemos es para las personas, no nos gusta hacer piezas que finalmente sólo ven los publicistas. No tiene sentido. Cuál ha sido la reacción de la mujer chilena, tanto en los testeos previos como posteriores en el aire? No hay aire ni testeos. Esto lo subimos a internet y tratamos de empujarlo un poco con nuestros propios recursos, no hay tele. Y prendió. Hasta ahora lleva casi un millón de visitas en todo el mundo, y creemos que seguirá subiendo. Las reacciones han sido variadas. Claro, hay mujeres que la encuentran ofensiva, hay personas que opinan que es una forma demasiado superficial de tomar el tema, pero para nuestra suerte son más las que lo ven como nosotros. No tenemos por qué hablar de muerte, ni de cáncer, ni de nada trágico ni tan solemne para evitar algo que es grave. Lo pongo así: A un niño le puedes decir que estudie porque es importante para su futuro, pero el niño no tiene cómo vincularse con ese sentimiento, el futuro no existe. También se le puede decir que estudie para que se gane como premio un Playstation. Las dos cumplen el mismo objetivo, y la segunda es más entretenida. Olvídense de la enfermedad, chequéen a sus mujeres porque es rico hacerlo. 4. El diario monárquico ABC de España se molestó con la campaña. Sostuvo que era de mal gusto y lasciva. Pensaron en este tipo de reacciones cuando estaban creando? Sí y no. Cuánto podía molestar, o cuántos se podían adherir a esto es algo que no se sabe hasta que se hace. Si hay hombres revisando a sus mujeres, el enojo o crítica de algunos la verdad es que pasan a un segundo plano. 5. En el sitio (va el link), cómo funciona el apartado Salva un par? Eso está como una herramienta de viralización que al final no funcionó mucho. Uno se conecta con el perfil de facebook y ahí uno puede contactar a una o más mujeres de tu lista para ofrecerles un examen, o incentivarlas a que se lo hagan. Eso luego sale en los perfiles de facebook de quien lo envía y de quien lo recibe, así le dábamos vitrina a la iniciativa. 6. También en el sitio nos llamó la atención como los recursos infográficos utilizados para explicar el examen (Cómo examinar) se alejan notáblemente, tanto en la gráfica como en el texto, de lo que suelen ser los que aparecen en ese tipo de explicaciones. Sí, el nuestro es más sexy, y con humor, pero es tan fidedigno como cualquier otro. Es para prevenir pensando en cosas "ricas", no en enfermedad. No hay para qué.

Último momento: Se viene Lucha Libro

Hace 10 años se le ocurrió a un creativo publicitario peruano organizar un evento de lucha. Lo original de semejante propuesta que hace pie en la estética de lucha libre mexicana, pone en movimiento otras partes del cuerpo. Es que Lucha Libro propone una pelea literaria entre dos personas enmascaradas hasta ganar la aprobación del público, reunido en el lugar.
Los participantes tienen que contar en cinco minutos una historia en la que deben incluir tres elementos elegidos por la organización.
El concurso se llama Lucha Libro: Campeonato de Improvisación Literaria, y su creador, el publicista peruano Christopher Vásquez, nos contará, en exclusiva para Chillart, los secretos más ocultos de la contienda de las letras.

Exclusivo: El artista español Fernando Vicente nos habla de Venús

Ilustra periódicamente las páginas de Babelia, el suplemento literario de El País de España. El artista español Fernando Vicente también colabora en las revistas Gentleman y Cosmopolitan. Pero su relación con los medios escritos no es nueva. Los comienzos de este artista cuasi-autodidacta se ubican cerca de los ochentas y la revista Madriz, editada por el Ayuntamiento de la ciudad, es una prueba de su formación comiquera. Pero Vicente hoy retoma el vértigo de meterse con el cuerpo femenino en su nueva obra Venus.
En unos días formará parte de una exposición coral en Estados Unidos, que en cierta forma nos remite a aquella serie. Hablamos, en exclusiva para Chillart, con él sobre su nueva serie profundamente femenina.

Exclusivo: Te presentamos a Nina Boesch

La alemana Nina Boesch se graduó en el prestigioso RISD (Rhode Island School of Design) en 2006, con honores. Su trabajo ha sido honrado por el Art Directors Club, el Type Directors Club, Adobe y AIGA. Pero se ha hecho famosa casi por casualidad. Hace 11 años, Boesch llega a Estados Unidos por un programa de intercambio. Tenía poco dinero y quería hacerle un regalo a la familia que pensaba hospedarla en New Jersey. Lo único que tenía en sus bolsillos eran los MetroCards utilizados. Así que les hizo un mapa de los Estados Unidos con los recortes de esas tarjetas de cartón. Si querés ver esa técnica en detalle, entrá ahora a Chillartpara ver la cara freak del cómico norteamericano Conan O'Brien. A continuación, en exclusiva para Visualmente, Nina Boesch nos cuenta qué hizo con las 35.000 tarjetas de subte que ha cortado hasta ahora.
1. How did the idea of making collages with NY Metro cards?
When I first came to the U.S. from Germany I kept my MetroCards after every ride. After about a year, I had collected so many cards that I felt like I needed to find a purpose for them. I also needed a gift for my host-family and was on a very limited budget. So I simply cut up my MetroCards, sorted the little pieces by colors and create a collage of a U.S. map, which I framed and gave to my host-family as a present. They loved the idea and motivated me to create more collages like that.

2. How is the process of working for one of the works, for example, Woody Allen?
First, I create a pencil drawing of the motif I would like to turn into a collage. A very rough outline drawing... nothing too detailed. As a base I use all kinds of surfaces: canvas, canvas board, paper, wood, acetate, etc. And then I start glueing the small pieces of cut-up MetroCards onto the pencil drawing. The process feels like a combination of painting and doing a jigsaw puzzle, because I fill in the pencil outline with colors I think may look good. Oh, and I pre-cut all my MetroCards before I even start a collage. I keep the small pieces in buckets separated by color.

3. What is the image that you liked best and why?
I create a larger-than-life pigeon at 40x30 inches. I don't like pigeons in real-life but as a collage made from MetroCards they are very iconic... very New York, you know?

4. What is the image that you did not like and was completed and why?
I created a collage of a friend's mother once. I felt a tremendous amount of pressure getting the portrait right. My friend's mother had passed away a year before, so it was very important to me to depict her the way she really was – kind, lovely, beautiful. In the end, I liked the portrait a lot and my friend loved it, too, but the process of creating the collage was too much pressure.


5. How comes the cover of The New York Times and how long it took to make it?
Unless I am creating custom artworks for people, my collages all relate to the city. All my motives have a hint of "New York" in them: Woody Allen, Audrey Hepburn, the Brooklyn Bridge, the Pigeon, the Guggenheim Museum, etc. Even an eye-chart collage I created a while ago spells out the five boroughs or New York. Sometimes you need to look twice to see New York in the collages, but you will. Obviously the New York Times is a very iconic part of the city. It is a globally recognized paper, so why not make it out of MetroCards? It is only 11.5 x 15.5. inches in size but it took me about 20 hours to create it. Cutting out the black font from the magnetic strip of the MetroCards was very time-consuming.


6. Some of his works are typographical, something not very common in artists. Why you are encouraged to work on fonts?
I studied graphic design at RISD (Rhode Island School of Design) and my favorite courses were always the typography classes. It is difficult to get the fonts just right and to make them work in the overall design. To cut out custom letters from magnetic strips of MetroCards is of course a tedious kind of work, but I enjoy it. The collage-technique is much more forgiving than a printed typographic design. In my collages, letters can have uneven edges – it makes the design more interesting instead of less appealing.

Exclusivo: A 20 años del disco El Amor Después del Amor

Se cumplen 20 años de un disco emblemático del rock argentino. Es que la placa del músico Fito Paéz, El Amor Después del Amor, se ha convertido en un clásico moderno no sólo por su factura musical, sino por su estética en la presentación del mismo.
Hace 20 años, El Norbi tenía una sección especializada en tipografía, creatividad publicitaria y demás cuestiones visuales, en el diario Página 12 de Buenos Aires. Ese fue el antecedente en papel de este blog.
La primera nota que él escribió en esa sección (que se llamaba Diseño) fue al responsable del arte de tapa del disco de Paéz, el diseñador argentino Sergio Pérez Fernández, y se publicó el martes 6 de octubre de 1992.
Hoy, cuando Paéz inicia una gira latina para volver a presentar el disco, queremos recordar esa nota que le hicimos a Pérez Fernández, cuando El Norbi no era El Norbi sino Norberto Baruch Bertocchi.

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Religión electrónica
La Santa Inquisición del Diseño quiere condenar a la hoguera a los seguidores de las computadoras. Un experto opina que las tipografías en la máquina no son brujería.
A veces resulta difícil definir qué es el diseño gráfico como cuál es el status profesional de sus cultores. Pero que nadie imagine que los diseñadores se han sentado en su tablero a esperar la definición correcta. Existen tantas como la mismísima variedad de lápices que se puede conseguir en el mercado. Tal vez la más abarcadora sea la ofrecida por la Presidente de la Asociación de Diseñadores Gráficos. "Un diseñador es una persona que tiene una especie de religión, que es el Diseño. Y el Diseño es dónde vivís y cómo vivís", sostiene Angela Vasallo. Esta es una megadefinición acerca de un punto de conflicto que, hoy por hoy, todavía no ha sido resuelto.
Si el Diseño está ahí, tan adentro, y tan propio como un acto de profunda espiritualidad, es comprensible que ciertos artilugios telemáticos sean, en principio, resistidos. El diseño no se salva de los embates de la ideología de la posmodernidad: el computacionismo. Los "ordenadores" se han clavado con su aguijón, en forma de mouse en los tableros, y la discusión es un hecho. Mientras que la revista especializada Tipográfica editorializaba sobre el avance del "lápiz electrónico", uno de los profesionales del diseño se convierte en el primer pastor de la iglesia electrónica. "Cuando uno tiene detrás veinte años de tablero, los prejuicios del diseñador aumentan en progresión geométrica ante la computadora", se confiesa Sergio Pérez Fernández, autor de las dos últimas tapas del rosarino Fito Paéz.

Dejando de lado el lugar común de ser hijo de un famoso plástico rioplatense, Pérez Fernández es conocido como un ferviente defensor de las máquinas aplicadas al arte, que no tiene ningún empacho en comunicar la buena nueva de la fe electrónica. "Me costó mucho incorporar la computación a mi vida. Lo hice hace poco y para mi fue un shock; tuve un período de tres meses, que todos pasamos, donde uno se cuestiona, se dice quién me mandó, se desespera porque no conoce los programas, y, para colmo de males, no tiene tiempo para los cursos". La inserción de la maquinaria ha creado una nueva profesión dentro del diseño: el operador. Pero para Sergio Pérez Fernández no es lo mismo, y sin querer mete el mouse en la llaga. Es común dentro del debate sobre la inclusión de la computadora que los que están en contra traten de relativizar semejante tecnología, ya que sostienen, es sólo una herramienta, y nada tiene que ver con la creatividad. Y Pérez Fernández, como representante de la nueva religión electrónica, levanta el guante y arremete contra esta argumentación. "Desde que empecé a usar la máquina cambió mi vida, y cambió mi diseño. O sea que una de las cosas más importantes que ha ocurrido en el mundo del diseño desde la aparición de estas computadoras, y que no todos se dan cuenta, es que no solamente cambió la parte estructural dentro del sistema del diseño, sino que cambió la estética". Ni el monje franciscano Guglielmo da Baskerville se hubiese imaginado semejante discusión en el seno de la iglesia posmoderna. Pero el paralelismo con lo sucedido en la abadía domninica hace presumir la presencia del diablo que ha metido la cola (o un cable). Y para que no queden dudas de semejante burla, aquí también existe un libro maldito que nadie quiere leer.
El formato es distinto al de la Poética de Aristóteles, ya que no tiene tapas, y sus hojas son luces en una pantalla. Porque la tipografía no deja de ser un destello en el monitor de un diseñador, y eso no está del todo bien, afirman algunos. Sergio Pérez Fernández respeta esa manera de pensar, pero no cree que la expansión y la condensación de las tipografías dentrode la máquina sean artilugios del demonio. "Para mí, en la tipografía, como en cualquier otro elemento gráfico, lo importante es cómo se lo utiliza. Si el resultado es un todo armónico, no importa qué hiciste para lograrlo".
Por eso, cuando tuvo que decidir, junto a Fito Paéz, la tipografía para su última obra (El Amor Después del Amor) no tuvo empacho en utilizar la creada por Giambattista Bodoni, en 1763.

Exclusivo: Todo lo que querías saber de The Haunted Legs y nadie te quiso contar

Dice que viene de una familia de artistas de circo, que nació en 1984 y que perdió una pierna. Su historia es tan misteriosa como su última creación. En las redes sociales no se ha parado de mostrar las viñetas diarias de un par de piernas bastante misteriosas. Lo cierto es que el norteamericano Brian Jubtankarious Cook viene dibujando sin pausa una historia que las tiene como protagonistas absolutas hasta el 31 de julio. Hoy, Visualmente te ofrece en exclusiva el reportaje que le hicimos ayer a Cook, con detalles únicos de la tira, que nadie sabía hasta ahora. Once preguntas y sus correspondientes respuestas en castellano, y los primeros bocetos de The Haunted Legs. Si querés conocer los primeros bocetos entrá ya en Chillart.. Alucinante.

1. Cómo nace la idea de The Haunted Legs?
La idea de "Las Piernas Embrujadas" se me ocurrió de la nada. Como no tenía ningún papel en ese momento, lo garabateé más o menos en una pizarra de borrado en seco y luego le tomé una foto con mi iPhone. Yo había visto un montón de historias de fantasmas sin cabezas que flotaban alrededor de las personas, pero nunca había oído hablar de una historia que se haya centrado en las piernas, que habían sido cortadas.

2. Quién se supone que está detrás (o, mejor dicho, por encima) de esas piernas?
No tengo intenciones de revelar a quién pertenecen esas piernas. Bueno, por lo menos en el corto plazo. Hasta ahora nunca he dibujado ese cuerpo mutilado.

3. Cómo es el proceso creativo para crear cada caricatura diaria?
Por lo general dedico algo de tiempo en la mañana para hacer un par de garabatos. Puedo llegar a hacer media docena de bocetos que pueden o no terminar en viñetas reales. Suelo seleccionar las más prometedoras y redibujar hasta lograr un poco más de detalle. Guardo un lápiz conmigo en todo momento, porque he aprendido que no puedo saber, a ciencia cierta, cuando una buena idea va a estallar en mi cabeza. Mi estudio está tapado con los dibujos de las piernas cortadas que he hecho hasta en la parte posterior de los recibos y varias servilletas.

4. Qué nunca le van a pasar a esas piernas? ¿Por qué?
Usted sólo tendrá que esperar para averiguarlo!


5. Cuál ha sido la historia (o día) que más te ha gustado? ¿Por qué?
Uno de mis favoritos ha sido el día 15 (el museo de arte). Pero he descubierto que todo el mundo parece tener un favorito diferente. Eso es bueno!


6. Y cuál ha sido la historia (o día) que menos te ha gustado? ¿Por qué?
Yo diría que uno de los que menos me ha gustado ha sido el día 21, cuando las piernas embrujadas parecen demasiado cortas en el parque de diversiones. Lo siento por ellas.

7. A quiénes reconocés como tus maestros o simplemente influencias artísticas?
Mis influencias artísticas? Yo soy un gran fan de los dibujos animados y cómics. Algunos de mis artistas favoritos absolutos que incluyen: Chuck Jones, Carl Barks, Don Rosa, Edward Gorey, Tim Burton, NC Wyeth y Chris Sanders. También amo cualquier dibujo animado clásico de los años 50 y 60.

8. Cómo solés trabajar técnicamente hablando? Dibujás primero a lápiz y después vectorizás en Illustrator?
Las ilustraciones de las piernas son, básicamente, hechas en forma tradicional. Boceto a mano. Yo a menudo publico algunos de esos bocetos en mi Instagram (@ chengui). Luego escanéo cada dibujo y si definitivamente ajusto los niveles en el Photoshop, así como añado el texto. Para la cubierta de color he seguido el mismo proceso y luego lo he llevado al Photoshop para pintarlo.

9. Cuánto tardás en hacer las historias de The Haunted Legs?
La casi mayoría de ellas han sido hechas de una sóla vez. Después de resolver todos los problemas en el boceto, el dibujo final es bastante fácil de hacer. Sólo hay un par que mucho no me gustaban y que me obligaron a replantearlas.


10. Tendrá un final feliz la historia de las piernas embrujada?
Estoy trabajando en este preciso momento en el final. En el momento en que vos leas esto ya será un hecho! Mi objetivo con este proyecto fue el reto que me creaba algo todos los días, por lo que nunca entró en mi cabeza armar un plan general. Ahora que el proyecto está empezando a concluir estoy pensando en llevarlo a una conclusión satisfactoria. Vas a tener que leer por ti mismo para responder a esta pregunta!


11. Qué sucede después de que el proyecto llegue a su fin, el 31 de julio?
Las piernas ya han recibido comentarios tan positivos que voy a estar un poco triste cuando el proyecto termine. No estoy seguro de lo que sucederá. Mi objetivo original era dar color a todas las páginas y armar un libro. I've also thought about doing a small "encore" story. I'd think it's safe to say that you haven't seen the end of The Haunted Legs yet! Stay tuned to www.briancook.net/hauntedlegs for updates!

Exclusivo: Leandro Zanoni nos presenta (y nos regala) su libro sobre Steve Jobs

(La ilustración de Jobs pertenece a Augusto Costhanzo, quien disertó en nuestras Terceras Jornadas Universitarias sobre Diseño de Información)
Él es un amigo de la casa y hoy quiere mostrarnos su última creación. Leandro Zanoni fue uno de nuestros ilustres disertantes en nuestras Octavas Jornadas Universitarias sobre Diseño de Información, de noviembre pasado. Allí nos adelantó un poco en lo que estaba trabajando y hoy charlamos con él.
1. Cómo nace el libro “La gran manzana. Las 10 claves del éxito de Apple”?
Nace cuando Jobs muere, paradojicamente. Pero en realidad siempre
había tenido a Apple en la mira, su historia, la de Jobs, sus
productos... sobre todo a partir del regreso de Jobs en 1997, cuando
arremete salvando a Apple con una increíble sucesión de grandes
productos como el tridente iPod, iPhone y iPad. La manzana, sus
fanáticos, su diseño y el aura de especial y exclusivo que siempre
tuvo Apple me llamaba mucho la atención así que me puse a investigarlo
más a fondo. Le conté la idea a Sudamericana -con quien ya veníamos
hablando para otro libro- y les gustó. Ellos editaron la biografía
famosa de Jobs, que vendió muy bien. Así que creo que caí en el
momento justo con la idea justa.
2. Cómo llegás a definir esas 10 claves?
Tuve que elegir 10 y fue muy fácil, porque caen solas: su diseño,
la historia, Jobs como persona y mito, la gente que hizo y hace Apple
(poco conocida porque toda la atención siempre se la llevó Jobs).
También sus productos y una clave fundamental: su comunicación. Ese
capítulo me encantó hacerlo porque me puse a analizar su publicidad,
su construcción de marca. Hablé con publicistas, gente que sabe mucho
y en el libro explican por qué la marca Apple es lo que es. Por
último, las tiendas. Una idea de Jobs para que sus productos salieran
de esas casas de electrónica donde al vendedor no le interesa más que
vender cualquier cosa, sin saber demasiado y al lado de otros
productos horribles de otras marcas. Sin embargo, cuento que al
principio, tanto en Apple como en los medios, la idea de Jobs no les
gustaba y la aceptaron sin ganas. Hoy son más de 350 tiendas en el
mundo y son un éxito en ventas y en la difusión de la cultura de la
marca.

3. Cuál creés vos que hubiese sido la clave número 11?
Dejé algunas claves afuera, pero sin dudas que una sería la cultura
interna de la empresa. Sus empleados, su edificio, cómo es trabajar en
Apple, anécdotas, etc. Me hubiese gustado darle más espacio al
capítulo de la gente que hizo y hace Apple. Son todos genios que
aportaron grandes ideas y tienen un talento descomunal. Sin embargo,
fueron eclipsados por Jobs y porque los obligan a tener un perfil
bajo, no dar entrevistas, etc. Veremos que ocurre ahora sin Jobs,
porque deberán levantar su perfil.
Ahora te podés bajar el pdf del libro.
"Es la primera vez que Sudamericana permite este tipo de acción
promocional, ya que recién en julio saldrá en el formato papel tradicional", agrega Zanoni. "Pueden bajarlo en diferentes formatos para leerlo en PC o Mac (PDF), iPad, iPhone, Kindle, etc. Que lo disfruten y puedan darle un espacio en sus medios, twitter, facebook, sitios, etc.
Para bajar el libro.

Exclusivo: Las primeras imágenes de la nueva película de Diego Torres que hizo El Trapa

Él había sido el protagonista indiscutido de nuestras Sextas Jornadas Universitarias sobre Diseño de Información que hicimos en el 2009. Hoy la realidad de Fabián Trapanese pasa por lo fotográfico, su amor eterno. Mañana se estrena "Extraños en la noche" con el cantante argentino Diego Torres y El Trapa es el responsable de las fotos fijas de la película argentina.
1. No todos saben lo que es foto fija en cine. Cómo lo definirías vos?
A ver, formalmente, la fotos fijas son las fotos que se hacen durante el rodaje, para luego promocionar la película. O sea, las fotos que luego veremos en las críticas de los diarios y revistas; las que componen los kits de prensa que van a los festivales; las gacetillas de prensa, etc. A veces -sólo a veces- se utilizan fotos fijas para el afiche de la película, pero no ocurre siempre -y no tiene nada que ver con la calidad de las fotos fijas, sino con el diseño de la comunicación-. Así la definiría yo. Es un trabajo fascinante que, por las salvajes reglas del mercado y hasta de la tecnología, a veces hoy no se le dá el valor que se merece en la industria del cine.



2. Contame un poco sobre éstas fotos. Cómo es la película que querés contar desde tus imágenes?
Buena pregunta, que tiene varias respuestas no sé si tan buenas. Por un lado, yo tengo la responsabilidad de contar en fotos -fijas-, lo que la película transmite en movimiento. Ser fiel a la luz elegida de cada escena, reflejar el acting de los personajes, los climas, hasta la música te diría, etc. Por eso, lo mejor que le pueden decir a un fotógrafo de cine es "viendo las fotos siento que estoy viendo la película", porque significa que uno hizo bien su trabajo.
Ahora, lo que cuento en estas fotos es otra cosa. Estas no son fotos fijas, sino fotos que hago para mí, con mi punto de vista personal de lo que estoy viendo, que tampoco es necesariamente fiel a lo que ocurre frente a la cámara de cine (que de hecho, suele estar ubicada en otro lugar, en otro ángulo y enfocando otra cosa) Por empezar, el 98% de las fotos mías que ves en blanco y negro... "las hago" en blanco y negro.
Y ese es un tema para largo... que intentaré sintetizar: "las reglas y los grandes genios" de la fotografía digital dicen que las fotos hay que hacerlas siempre en color(y en Raw, pero ese es otro tema) y luego, en Photoshop, pasarlas a blanco y negro. Y a mí me parece que eso es, de alguna manera, es traicionar a la esencia misma del blanco y negro. Para hacer reales fotos en blanco y negro hay que ver en blanco y negro. Y punto. Es un tema que da para largo y que moriré siéndole fiel.
Por eso las fotos que ves acá fueron hechas en blanco y negro... porque "las ví" en blanco y negro. Y por eso, quien vaya a ver la película se encontrará con otro clima, colores... y ni un fotograma monocromático.




3. Cuál es la que más te gusta? Por qué?
La del gordo mirando de costado me parece terrible. Es un extra aburrido de estar ahí desde las 7 de la mañana -y que seguro se levantó a las cinco- alguien que sabe que seguramente ni aparecerá en la película... pero en el fondo, película tras película, guarda la ilusión de verse ahí.
Como dijo un amigo: si las copas fuesen vasos de whisky, sería mucho mejor aún.
El primer plano de Diego Torres a contraluz me gusta desde lo técnico, ya que no es una foto muy simple, y desde su seriedad, que contrasta con su rol en la película y hasta con él mismo como persona.
Me gusta también la de Laura Conforte dando vueltas al caño, por el movimiento, por ese touch erótico potenciado por el blanco y negro. También me gustan mucho las de las piernas de Alexia Moyano, unas fotos que, ahí tenés, en color dirían algo muy diferente.

4. Cómo trabajaste en la fotografía del hombre mirando la nada, mientras que Diego Torres aparece como sugerido atrás?
Obviamente, es un momento previo a la toma. La cámara de cine estaba ubicada en otro lugar, encuadrando otra cosa.
De hecho, creo que yo estaba a 90 grados de ella, mientras los nobles técnicos iban de acá para allá.
Ni siquiera Diego iba a estar ahí luego, en toma. Yo ya venía mirando al tipo "mirando la nada", esperando el momento justo para hacer la foto. Y aparece Diego por atrás... y así y todo, decidí no cambiar el foco.
Porque el protagonista, por una vez en su vida, era el perdedor. El tipo sentado con dos copas delante, pero solo, solo y triste. Un tipo que, en la vida real, tenía a Diego Torres a medio metro y a cien kilómetros a la vez.... y para él nada de esto parecía tener un significado especial.
Bueno, convengamos que ahora, contándolo así, suena mejor aún, pero eso es más o menos lo que creo haber visto... en blanco y negro. En color es otro precio, más accesible.

Exclusivo: Esto es Mongolia

1. Cómo se les ocurrió hacer Mongolia? Y cómo nace el nombre?
Mongolia es la revista que nos hubiera gustado encontrar en los kioscos.
Como nadie se animaba, decidimos hacerla nosotros. A esto se sumó la
crisis de los medios de comunicación, que hizo que muchos de nosotros que
trabajábamos como redactores, directores de arte o ilustradores, nos
quedásemos en el paro, nos dejasen de encargar trabajos, tuviéramos
retrasos en los pagos en las colaboraciones, etc. En este aspecto,
Mongolia es una forma de autoempleo que además nos permite decir aquellas
cosas que los demás medios silencian.
Respecto al nombre, nos decidimos por Mongolia porque en una de las muchas
reuniones mantenidas para su creación, alguien apuntó que el voto de
Mongolia había sido decisivo para que España ingresase en la ONU. Pensamos
que si ellos nos habían metido en esto, ellos serían los que nos sacarían
de esta penosa situación económica y social en la que nos encontramos.
Además, el pueblo mongol es todo un ejemplo de resistencia que ha sabido
mantener sus tradiciones y cultura a pesar de las continuas invasiones de
los diferentes pueblos de su entorno.

2. Barcelona, una revista terriblemente irónica de aquí, se reivindica
como una solución europea para los problemas argentinos. Ustedes, qué
dirían de Mongolia?
Como te comentábamos en la respuesta anterior, el pueblo mongol es un
ejemplo de resistencia ante las adversidades. Por ello, Mongolia, además
de un homenaje a su heroicidad, espera ser el refugio de aquellos que en
este momento lo están pasando mal. El medio a través del cual canalizar su
indignación y exorcizar sus preocupaciones. Como nosotros decimos,
"Mongolia: en cada kiosco, una trinchera".

3. La ironía en prensa no siempre es entendida y muchas veces se pretende
censurar. Cómo es este fenómeno en España, cuando existen temas un poco
sensibles de tratar como el rey?
La censura en los medios de comunicación españoles suele ser en la mayoría
de los casos autocensura. En nuestro país, cuando un medio decide no
tratar determinados temas lo más normal es que esa decisión responda a que
intereses económicos de los grupos empresariales aconsejan no tocar
determinados temas.
Nosotros, al ser independientes, no tenemos ese tipo de limitaciones.
Podemos tratar todos aquellos temas que consideremos sin ninguna
limitación, lo que no impide que en un momento dado, algunas de nuestras
informaciones puedan herir sensibilidades e incluso provocar una demanda
judicial. No es nuestra intención pasarnos el día en los tribunales porque
tenemos cosas mejores que hacer, pero sabemos que puede suceder y estamos
preparados para ello.

4. Vos hablás de "democratizar el humor". Qué significa esto?
Mongolia no es una revista elitista sino una publicación que busca llegar
al mayor número de lectores posibles. Por esa razón, en Mongolia tienen
cabida todos los tipos de humor, desde el absurdo, al blanco, el político,
pasando por el humor marrón. Además, un mismo chiste tiene diferentes
niveles de lectura, lo que permite que si bien algunos lectores alcanzarán
a entender más matices que otros, el chiste funciona y es comprensible por
la práctica totalidad de personas que se acerquen a él.

5. Además de las noticias falsas, Mongolia tiene una sección de noticias
verdaderas. Por qué?
Mongolia tiene dos partes claramente separadas. Una es la parte satírica,
que más o menos ocupa tres cuartas partes de la publicación, y la otra la
parte de noticias reales.
Como te decíamos más arriba, esto responde a que además de humor, creemos
que la sociedad demanda informaciones veraces y contrastadas de aquellas
cosas que no suelen aparecer en los demás medios de comunicación.
Por otra parte, esta fórmula no la hemos inventado nosotros. Existen
varias publicaciones en Francia, Chile y otros países que también manejan
esta fórmula.

6. En Visualmente vemos el fenómeno de suicidio de los medios impresos,
que no se animan a la ironía ni al humor. Ustedes cómo ven el tema de los
medios serios?
Antiguamente era común que las revistas de información política incluyesen
en sus páginas, entremedias de sesudos artículos o entrevistas, viñetas de
humor para relajar la lectura. En los últimos tiempos, los responsable de
los medios de comunicación han debido pensar que el humor no es lo
suficientemente digno para aparecer junto a información seria. En nuestra
opinión es totalmente lo contrario. El humor puede ser un medio óptimo
para transmitir mensajes críticos de una forma sintética, clara y además
divertida. Información, seriedad e inteligencia no están reñidas con el
humor; muy al contrario, tal vez sean los ingredientes que conforman
muchas de las tiras o las viñetas de humor los diarios.

7. "No somos de izquierdas ni de derechas, repetimos: no somos de
derechas". ¿Con qué tema no harían humor?
Creemos que se puede hacer humor con cualquier cosa. El humor cumple muy distintas funciones en la comunicación: hay chistes que critican, hay chistes que denuncian, hay chistes que sirven de exorcismo ante temas, dramas o terrores que nos superan, y hay chistes que son simplemente chistes. Un chiste no es tan importante por lo que cuenta como por el contexto en el que está y a quién va dirigido. Se puede hacer chistes sobre todos los temas existentes y los no existentes también. Ultimamente hay una manía absurda de culpar a los humoristas cuando abordan temas sensibles, como si el humorista fuera responsable del tema en sí, y no solo alguien que, simplemente, como ciudadano, se hace eco de los temas que afectan a su sociedad. Estamos demonizando al humor, cuando un chiste no es el que mata, ni el que roba, ni el que te deja sin casa o sin trabajo. O en todo caso deja sin casa y sin trabajo al mismo humorista, mientras que el causante o responsable del drama del que el humorista se está riendo, suele quedar impune por vericuetos legales a los que el humorista no puede atenerse.

(Esta es la contratapa del primer número, donde la gente de Mongolia le propone a sus lectores que intervengan visualmente a Camps, un político español que mintió, perteneció a una trama corrupta de favores con el poder, y después de todo, la Justicia lo absolvió. Pueden mandar la imagen intervenida al mail de la revista: revistamongolia@revistamongolia.com)
8. Cómo definen al lector de Mongolia?
Aún no tenemos datos de cuál es realmente el perfil del lector de Mongolia
pero creemos que puede ser una persona de 20 a 70 años con una visión
crítica de la realidad y que no se resigna ante los recortes sociales que
estamos experimentando en los últimos tiempos. En definitiva, y con esto
enlazamos con la primera pregunta que nos hacías, creemos que el lector de
Mongolia es en gran parte como nosotros y, en este sentido, nuestra
intención es tratarlos con el mismo respeto con el que nos gustaría ser
tratados.