Exclusivo: Te presentamos a Pahito

Pahito es un diseñador rosarino cuyo verdadero nombre es Pablo Cialoni. Alguna vez este canalla se hizo llamar Molde para Queso, pero esa es otra historia. Hoy sus dibujos irrumpen en las redes de la mano de una larga legión de superhéroes pixelados. Como nadie le preguntó sobre todo esto, en Visualmente decidimos cambiar la historia. Con ustedes, el Señor Pahito.
1. Vos trabajás con un programa de dibujo vectorial o hacés bocetos previos en lápiz?
El 90% de mis dibujos los hago a lápiz, birome o lo que tenga a mano. Después scaneo y los trabajo en illustrator, flash o photoshop.
Muchas veces tengo que hacer dibujos rápidos que no requieren mucho detalle; y esos los hago directamente con el mouse o con una tableta Genius que tengo hace ya unos años.

2. Cómo nacen los superhéroes pixelados?
Los superhéroes pixelados, o Pixel Heroes, como los llamo yo; nacen de un día en el que estaba aburrido, dibujando con pixeles. Primero dibujé un jugador de fútbol con una camiseta de Rosario Central; después un jugador de basket, y tercero a Batman. Eso me gustó, entonces seguí con Wolverine, Superman, Spiderman hasta que me di cuenta que tenía muchos personajes hechos y quería hacer algo con ellos.

3. Cuánto tiempo te llevó hacer, por ejemplo, a Flash? Cómo trabajaste?
Flash fue uno de los que menos tiempo me llevó. Y fue un caso particular, porque fue el primero en el que se me presentó una pequeña dificultad, que era la del logo en el pecho. Al llegar a una resolución con solo tres pixeles para representar el logo, me alegré por el resultado, y eso ayudó a resolver otros problemas que presentaban otros personajes.


4. Cuál fue el más complicado de lograr? Por qué?
Creo que el más complicado fue Darth Vader, ya que la mayoría de sus tonos son oscuros, y yo trabajé con una paleta acotada de colores. Solo cuatro semitonos de negro a blanco.
Otros complicados fueron Ant Man, Harley Quinn y Nightcrawler.

5. Dónde encontrás la inspiración para hacer estas obras?
Basicamente en los comics. Los amo. Amo no solo a los personajes de comics que leo, sino tambien que disfruto de ver cualquier viñeta sin saber a que comic pertenece.
Obviamente que las películas y series de televisión influyen en la creación de personajes o para tomar algo de ellas.



6. Cuál creés vos que está mejor logrado de los superhéroes? Por qué?
No puedo elegir uno, pero si tres. Superman, Robin y Batman. Creo que estos tres, aparte de ser iconos reconocibles para casi cualquier persona. Muestran con los pocos recursos que presenta la cantidad de pixeles usados, la personalidad de cada personaje. O al menos la manera en que me gusta representarlos.


7. Cuáles son tus influencias? Cuáles fueron tus maestros?
Creo que salvando los miles y millones de kilómetros de distancia en cuestión a estilo, Joe Madureira es un dibujante que siempre traté de imitar. Otro es Roberto Fontanarrosa, de quien aparte de disfrutar de su humor, siempre me pareció muy interesante la manera en que resolvía algunos dibujos. Un maestro con todas las letras.
Otros nombre que puedo nombrar son Tomer Hanuka, Denis Zilber y DXTR.

Lo Mejor 2011: Exclusivo, te presentamos a la Reina de la Plastilina, la escultora inglesa Karen Caldicott

Ella ha encontrado una forma muy personal para trabajar en los medios. Sus visiones sobre famosos políticos y estrellas de la música le han dado una personalidad muy distintiva a publicaciones como la New York Times Magazine yThe Morning News. En mayo pasado, en un reportaje exclusivo de Visualmente, la escultora inglesa Karen Caldicott nos contó, con lujo de detalle, cómo hace para lograr que un pedazo de plastilina se parezca a Mick Jagger, entre otras cosas.



Ella es la Reina de la Plastilina. Esta inglesa de Leicester hoy vive en las afueras de Nueva York y ha cambiado la concepción visual de publicaciones tan tradicionales como The New York Times, que sólo publicaban ilustraciones.
1. What techniques and what materials do you use?
I use pasticine, it's a modeling clay, the type that's used in clay animation, or for instance for a bust that will be cast in to a bronze. It's non hardening so art directors can easily get me to change things, and they usually do! (Para ver paso a paso, cómo trabaja Caldicott, entrá en Chillart)

2. How was it working for McCafe? What parts do you like best?
McDonalds ...
I've never eaten a Mc.burger, I'm vegetarian. And also I'm a tea drinking English lady, coffee of any kind makes me sickly.
However I was thrilled when I received a phone call from the Vienna office of DDB saying that my clay work was just what they were looking for, for an upcoming print campaign.
The entire process was extremely hard work, the art director knew exactly what he was looking for, but conveying that to an artist is often, I think, a trial and error kind of thing. We did both get to a point when we were sick of each other, but the end result is something that everybody seemed to be happy with.
I love seeing the McDonalds logo next to my odd looking characters! I think it was amazing that the art director managed to get the client to approve this project, because it really is a little out there!

3. How does a profession not known for having many women in it?
It is such an isolated profession for the most part, that in truth I'm not aware of being surrounded by so many males.
The fact that one does work alone is some thing I absolutely love... right now I'm based in the wilds of rural upstate New York,
not another illustrator or art director in sight!
However I do stay in touch with what my peers are up to, that’s what Facebook is for!

4. What is the feminine traits that you put to work?
I'm kind of a tomboy... if you can call a married, middle aged women that?
Feminine.... at a push, it's perhaps the attention to fine detail that I enjoy.

5. How do you choose the characters that will work?
I love old men or fat people, big, bad and ugly ... lovely!
Pretty, young, and sweet, I'm not so enthralled.
However, usually I don't have a choice. I'm asked to make a certain character and I'm always happy with the problems that any face gives me.


6. What are your artistic influences?
I'm not so much influenced by illustration trends or styles. I do post images on my blog from artists that interest me. http://littleclaybits.blogspot.com/
I don't go to enough shows, but when I do I'm usually impressed and inspired with what is being made these days.

7. Where did the inspiration for Michael Jackson make a very formal, almost British?
I think that for so long he was very strange and scary looking, his face was really quite unreal. I decided to make his attire somewhat understated to balance the weirdness of his face. He was an excellent subject for me.

8. How long does it take you to do one of these works as, for example, Jack Black?
It varies, some times it can be a day, but more often there's a struggle some where in the process, so it can be 24hrs
to a week, or longer....
Jack Black was part of the New York Magazine series. Back in 2006 I was asked to make a head a week for the magazines listings pages. This character would be seen in 6 or 7 different poses, enjoying different aspects of NY: restaurants, galleries, night life, etc.
A week was quite a tight deadline to both get a likeness and change the expression and clothes for each additional pose.
It was great fun. A huge big thanks to the amazingly talented Creative director, Luke Haymen, for the best assignment I’ve had to date.

9. How would you describe your style?
Well, what I’m not is a caricature artist. I like the idea that when you come across one of my pieces, be it on line or in print, you’re not exactly sure what you’re looking at. At their best, I hope for a little bit of unease, If the viewer asks, "what am I looking at here?" then I think I’ve done my job.

Lo Mejor x 7: Toda la historia de la prensa española

Seguimos festejando los 7 años de Visualmente. Por eso volvemos con la reconstrucción de la gran historia visual de los diarios españoles que viene haciendo el profesor Pedro Pérez Cuadrado, en exclusiva para Visualmente. Y este año te vamos a presentar algo que ya está preparando.
Vos sabés que él es uno de los teóricos más poderosos de la prensa española, que junto con Laura González Díez, nos han dejado varias piezas alucinantes. Después de La homogeneización tipográfica de los diarios, del Especial sobre el periódico ABC, y las Cabeceras, cabezales y rótulos de los diarios españoles, Pérez Cuadrado nos ofrece, en exclusiva, "Apuntes para una historia de la prensa española en color".
Antes de que puedas acceder a esos capítulos publicados, acá tenés un reportaje que le hicimos Pérez Cuadrado, donde habla de todo lo que vendrá.
Te recordamos los capítulos, exclusivos para VisualMente:
1. A favor y en contra
2. Lo que escribieron otros
3. El Siglo XVIII
4. La primera revista española en color: Cartas Españolas
5. La moda, pionera en el código cromático: Correo de las Damas
6. Las revistas satíricas: La Flaca
7. Las revistas taurinas: La Lidia
8. Las revistas ilustradas: La Ilustración Española y Americana
9. Las revistas ilustradas: Blanco y Negro
10. Los Lunes de El Imparcial, el primer diario
11. La Correspondencia de España

Lo Mejor 2011: Exclusivo, la alucinante Isabel Samaras estuvo en Visualmente

La artista norteamericana Isabel Samaras charló con nosotros, en un reportaje exclusivo de Visualmente, en julio del año pasado. Su particular visión ha sido publicada en Juxtapoz Magazine, Metropolitan Magazine, en el diario The San Francisco Examiner, Axcess Magazine y en la International Tattoo Art Magazine. Si bien las pinturas de Isabel Samaras están realizadas con la técnica clásica del óleo, su iconografía con fuertes referencias al terror y mitología de las series que El Norbi veía cuando era chico, la hacen más cercanas a una especie de arte pop 2.0.
Por ejemplo, Homero y Morticia Adams son referencia obligada en sus versiones bíblicas, mientras que el Capitán Kirk mira con mucho amor a su primer oficial, el vulcano Spock, Batman le parte la boca a Robin. Nada ni nadie puede contener a esta bella genio de San Francisco.

1. What techniques and what materials do you use?
I paint in oil on wooden panels. I used to paint on tin (old tin lunchboxes and TV trays), and I got so accustomed to the smooth surface that I find canvas very bumpy now -- I like frictionless, sleek wood. And oil paint is lovely because it moves around on the wood in this really gushy, slippery way and it smells sexy and dangerous.

2. How was it working for Secrets of the Batcave?
I've had a long running obsession with Batman and even as a kid I used to imagine my own "episodes" of the TV show, what I wanted to have happen but never did. That's the beauty of being an artist -- being able to create these visions that you have in your head and share them with other people. (Most gratifying of all is finding out I'm not the only one who had these thoughts.)

3. How does a profession not known for having many women in it?
When I first started out there were very few women "lowbrow" painters, it felt like a "boy's club" and the same small group of us would always turn up at shows or be shoved into "women of lowbrow" exhibitions. But that's really changed tremendously over the last ten years -- at least within the Pop Surrealism/Lowbrow art scene. There are plenty of really talented, top notch women painters kicking serious art ass out here now.

4. What is the feminine traits that you put to work?
I don't think of my work as feminine at all -- in fact, I'd like to think that someone looking at my paintings for the first time wouldn't know if it was done by a man or a woman. I don't feel like I'm painting from a particularly feminine perspective -- I think of myself as a bit of an obsessive and kind of a geek, and I like to wear my heart on my sleeve and just pour out whatever I'm thinking about at the time onto my surfaces. I've always been captivated by issues of love and acceptance, so I often paint "stories" about monsters (the ultimate social rejects) , superheroes (people constrained by their "personas") and fairy tales (stories that were supposed to teach but were kinda warped). The cravings, fascinations and passions I paint about aren't particular to women -- I think it's a common theme for all humans. (And sometimes in my art -- animals!)

5. How do you choose the characters that will work?
I think they choose me. Unless I have a commission where someone has asked for a specific character in a painting, I just try to leave the door in my head open so ideas can walk in and rummage around. Sometimes I've got three or four different ideas and they have to fight it out to see who wins, sort of an artistic "survival of the fittest." (If I still think it's funny or interesting a week later, I'll usually sketch it out.)

6. What are your artistic influences?
I'm a walking sponge, taking in as much as possible all the time -- old classic horror movies, comic books, the TV shows of my childhood, music music music, stories and fairy tales and fables, all the forms and twists of love (good, bad and in between), dark chocolate, Old Master paintings of the Baroque and Renaissance, Flemish Masters, Ingres (one of my favorite painters of all time), a dash of pin-up and porn, and the natural world and all it's little denizens but most especially birds for some reason. I also really like fake teeth and glass eyes.

7. How was it working for The Birth of Ginger?
That was one of those ideas I'd been carrying around for a while and just never had time to paint, so when I finally got to work on it I had so much fun! There's often a picture in my mind of what I'm trying to do and the goal is to get the finished painting as close to that mental image as possible -- and it can be a real struggle sometimes. Every once in a while there's a "crisis of faith" where I don't feel like I'm capable, like I might not be up to the challenges I've set out for myself. But that one came out exactly the way I'd envisioned it, so it was just pure pleasure from start to finish. (And the idea just seemed like a natural because of Ginger's status as kind of screen goddess and the nautical/shipwreck theme of "Gilligan's Island" -- so of course she should step into Boticelli's "Birth of Venus"!)

8. How long does it take you to do one of these works as, for example, In The Garden?
I think the quickest I've ever painted anything was a very small piece and it took a week, but I didn't sleep much, and the longest I've ever spent on a painting is probably three months. "In The Garden" was a while ago so I can't remember for sure, but if I were guessing I'd say it probably took about a month. (Gomez's chest hair and all those leaves!)

(Una especie de autoretrato, como si fuera Caperucita)
9. How would you describe your style?
Old Master meets Pop Culture? (A friend once dubbed me "GIrl Master" which I thought was pretty funny.) If I had to put more words to it, I'd say I paint in a fairly meticulous style that involves a lot of layers and details, heavily influenced by art from 17th and 18th century, but usually with a humorous and/or erotic twist. I often feel like I'm looking inside a cartoon superhero or a bird or Goldilocks, and seeing something within them that maybe never had a chance to come out before, some secret wish or yearning. So my job is to make that desire a reality and then share it with everyone.

Mi México Querido, por Carlos Gámez Kindelan

Resulta difícil resumir en unas pocas líneas tanto bueno que me traje para España desde México. Como Ponente en la VII Cumbre Mundial de Diseño me encontré con una organización magistral, sobresaliente en todos los sentidos. Me sentí unido al grupo humano y profesional destacado para el evento desde que entré por la puerta del Hotel en Paseo de la Reforma. Todo un colmo de atenciones que me hicieron sentir en un lugar nuevo pero no extraño. Nunca antes tuve la suerte de visitar México. Por España, los medios de comunicación suelen enfocarse en los mitos de la violencia y el narcotráfico del país. Estuve una varios días en México DF y no sentí ni un segundo cualquier falta de seguridad en las calles y lugares que visité (caminando por el Paseo de la Reforma o de visita a las pirámides de Teotihuacán. Fuera de las horas dedicadas a la Cumbre me sentía muy en sintonía con la ciudad y sus gentes, con toda la Historia cultural a pie de calle y su singular gastronomía. México D.F. es una gran museo y una gran urbe a la vez. Difícil de contemplar en pocos días.

Durante el desarrollo de la Cumbre charlaba a menudo con distintos ponentes y nos repetíamos una y otra vez el alto grado y calidad tanto del cartel de profesionales internacionales presentes, de 14 países diferentes nada menos, como de la excelencia a nivel organizativo. Llevo 14 años acudiendo a eventos profesionales en este ámbito (Diseño periodístico e infografía), en varios países y puedo asegurar que la VII Cumbre de Diseño en Prensa de México D.F. ha puesto el listón muy alto. Algo que agradecemos todos los profesionales y que merece un reconocimiento especial por el grandísimo esfuerzo llevado a cabo por Don Willy Gómez Hill, Don Flavio Toledo y el resto del equipo humano destinado para la ocasión.

Me llevo para España muy gratos recuerdos, fotografías, nuevos y queridos amigos y el placer de compartir con los mejores profesionales a nivel mundial del Diseño Periodístico y la Infografía. Espero y guardo con ilusión el poder participar y apoyar a la próxima Cumbre Mundial de Diseño en Prensa en 2012. Desde Madrid les mando toda mi confianza y ayuda en cualquier aspecto para que México D.F. vuelva a ser una año más el foco internacional del diseño periodístico de más alto nivel.