Hace un rato, el diario O Globo de Brasil acaba de publicar una infografía sobre los goles que se le atribuyen a Romario y que llegarían a 1.000. Más allá de las discusiones, el gráfico merece un espacio en VisualMente. A continuación, la explicación del director de arte del diario, Leo Tavejnhansky.
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Ya estamos completando el segundo quinteto del diseño yanqui. Pero para cerrar la primera tanda de poderosos profesionales era necesario un gran estallido de creatividad (algo muy escaso en los diarios del norte y del sur). Con la ayuda del Photoshop, muchos se creen artistas editoriales con derecho a subirse a la portada de algún suplemento. Ese es un mal que azota a Buenos Aires, pero no exclusivamente. El gran Martin Gee, del San José Mercury News, nos va a demostrar lo explosivo que puede llegar a ser cuándo a un filtro se le suma una idea.
1) Perspective es mi sección preferida. La gente se sorprende cuando me escucha decir eso. Es la sección donde siempre quise trabajar desde que trabajo en prensa. Desde que iba a la escuela en San Jose, leía las noticias de los diarios que estaban en los portales de las casas. Adoraba las ilustraciones de Doug Griswold, en el Mercury de cada domingo. Cuando viví en Los Angeles, amé ver las ilustraciones de Matt Mahurin en Los Angeles Times. En Mercury, siento que no hay limitaciones. Es un ambiente muy abierto y de colaboración. Apenas necesito empujar a Michael Tribble o mandar un recordatorio a Jonathon Berlín para ir “balística”. Mi única limitación en Perspective es respetar el estilo. No puedo ni debo ser divertido. En cierta forma, como somos un “smaller paper” debemos hacer todas nuestras ilustraciones. Aquí funciona el HÁGALO USTED MISMO. No necesitamos un presupuesto para ilustradores freelance. Hay mucho talento aquí. Por ejemplo, intenté hacer un caricatura del Rey Jong-Il y me salió mal. El infógrafo Rob Hernandez me salvó el día con el dictador sonriente. El domingo pasado, Doug tenía una ilustración para una historia sobre los soldados que volvían a casa con lesiones del cerebro y desórdenes neurológicos. Soy tan afortunado de estar rodeado de esta gente.
2) En VisualMente damos la prioridad a la explicación de los artistas de sus conceptos visuales. Podrías tú para contarnos cómo estaba el proceso creativo de A Father's Story y Hunting The Hunter.
2.1) Stephen Wright, nuestro vice presidente y editor de los editoriales, escribió una columna de gran alcance sobre su hijo que era enviado a Iraq. Él está contra la guerra pero apoya la decisión de su hijo. Centenares de lectores mandaron sus opinión al diario. Mi primera reacción no era utilizar una foto de Iraq o a un soldado que dejaba a su familia. Cuando leí las cartas, encontré el concepto y armé una imagen tipográfica con esos deseos de llorar y de enojo al mismo tiempo. Sé que es cliche esto de hacer una bandera americana. Apenas las palabras dejaron de ser tales para pasar a ser una representación visual. Éstas son las palabras y las voces de norteamérica. Incluso trabajar en esto me hizo que deseara gritar. He estado contra esta guerra y el presidente Bush desde un principio. Leer estas historias sobre hijos e hijas que mueren por ninguna razón rompe mi corazón. Estos son los momentos por los que me gusta trabajar en un periódico. Esto es lo que se supone que tiene que ser. Éste es nuestro llamado. Esto es lo qué está sucediendo. Esto es lo importante. Ésta son las noticias. No me preocupo por quién es el padre del bebé de Ana-Nicole Smith. Quizás puedo desilucionar. De todas formas, era como el trabajo con una gran foto. Apenas tienes que caminar detrás y dejarlo que hagan todo el trabajo. En este caso, eran las palabras.
2.2) El arte para “Shooter” era horrible. Usualmente, prefiero hacer una foto-ilustración basado en el arte del presskit. Esta página con la reseña de película era una edición especial. ¡El crítico de la película vio realmente la película antes de que comenzara la ilustración! Eso NUNCA sucede. Tenemos que diseñar generalmente una página y una ilustración genéricas antes de que el crítico vea la película. Es maravillosa poder leer la historia. Los tiros en la cabeza, la sangre y el cerebro de un francotirador, fascinó a nuestro crítico. La lectura de eso era la inspiración perfecta. Me inspiré con Sylvia Ulloa, que iba a diseñar la página. A los retículos les gusta el logo Enemigo Público. Práctica de tiro al blanco. Un rifle de francotirador. Balas. Una bala que pasa a través de un naipe. Una nube de la sangre en el final de “Se7en”. Tratamos de sacar todas nuestras ideas para trabajar con la libre-asociación. “¿Qué pasa si hacemos esto?”, “¿qué si hacemos eso?” ¡“Oh wait! Esto estaría cool!” Después de nuestra sesión de brainstorm, yo decidí crear una blanco de papel. Hice una investigación en las imágenes disponibles de Google e hice un clipping path de una trayectoria de disparo de un stock de fotos.
En semanas anteriores, había utilizado la salpicadura de la sangre para una cubierta de la película “Zodiac”. No me gusta usar la misma cosa (por lo menos dejo pasar algunos meses). Para “300” era muy grande y severa. Yo buscaba que éste fuera sutil como la precisión de un francotirador. Muy cuidadoso con un silenciador. A single shot. Con los pedazos construidos en Illustrador, los traje al Photoshop y le agregué los colores y las texturas. Quería que los colores fueran algo neutro y utilizarar el rojo como el color del punto. Era vertiginoso cuando dibujé la bala y punteé la línea. Era como la fabricación de un diagrama estéril de un acto extremadamente violento. Era como hacer cirugía. La “entrada blanca” en la ilustración fue inspirada por fotografía de alta velocidad de una bala que pasaba a través de un naipe. El título original era "Going great guns". Entonces nada tenía que el humor de la ilustración con ese título. Amé cómo la palabra “caza” (hunt) fue repetida. Busqué acentuar eso al romper las palabras en la sílaba para dar al título un poco ritmo. No he sido bastante adventurero con mi tipografía últimamente. La línea punteada resolvió otra vez la lectura. Cuando miras fijamente la pantalla, sientes que apenas sucede. Las cosas caen, a veces, en su lugar. Es realmente grande integrar todo. Entonces, la pequeña sorpresa es la gota de sangre. I really really love my job.
3) En 300 usás una ilustración muy conceptual, con un trabajo fuerte sobre la textura...
3) Yeah, con “300” yo buscaba algo grande, grande, GRANDE! Quizás era demasiado grande, pero la película lo justifica. Ahora, viéndolo de nuevo, odio el tratamiento que le dí y creo que el título podría haberlo puesto encima. Distinto de “tirador”, consigo el título casi a última hora mientras que la ilustración ya estaba terminada 2 días antes. ¿La textura no es común? Es una elección personal. No es igual para todos. Cada uno necesita encontrar sus el propia “cosa” . Amo usar texturas en mi trabajo. Me inspiré en una técnica desarrollada por Thom Ang, quien trabajaba con cintas de embalar sobre sus pinturas. El utilizar esa técnica me hizo abrir la mente para intentar nuevas cosas, tales como pintar sobre los collages. Sobreponiendo una textura sobre una foto, de la misma manera harías un esmalte en una pintura. Esta locura hace que uno ensaye las mismas ideas con diversas herramientas. Dave McKean, mi artista preferido de siempre, ha ejercido también una influencia enorme. El es un hombre de renacimiento moderno que puede hacerlo todo.
Amo hacer cosas sucias y ásperas. Esa es una de las razones por las que House of Blues me empleó. Justo el mes pasado, me fui en bicicleta todo un fin de semana y tomé fotos de las texturas copadas que encontré en mi camino. Iría detras de las marcas de la bici, detrás de centros de compras y de áreas industriales de la ciudad. En dos fines de semana tiré más de 600 fotos. Las paredes y los pisos sucios me consiguen excitar. Necesito agregar textura a mi arte de vector. Debo utilizar quizás más "live trace" o trabajar lo vectorial en el Photoshop. Las texturas hacen mis cosas más verdaderas. It's all about layers.
4) Tu trabajo en la sección AE MOVIES parece muy libremente. ¿Qué es esta página y cómo es trabajar en ella?
4) Es la sección de cine en nuestro periódico del viernes. Esta lleno de críticas y de anuncios para el fin de semana. Está muy libre. La libertad es asombrosa. Las secciones de cine de algunos periódicos fuerzan a sus diseñadores a utilizar solamente el arte de los presskit. ¿Por qué? Eso es tan burdo y aburrido. Todos lo están utilizando ya. Todo se ha visto. ¿Por qué no dar al lector y a la película algo nuevo? ¡Las películas son diversión! ¡Tengamos diversión! Demostrarla sin demostrarla. ¡Pero si debes utilizar arte del folleto, tienes un problema con él! Hacer todo que deseaste hacerle a una foto, pero nunca pudiste.
Amo el trabajo de Jeff Neumann. Su “V for Vendetta” fue poderosa. ¿Quién no ama las películas?
(El concepto visual pertenece a Jeff Naumann)
5) A vos te gusta experimentar con tipografías cómo si fueran parte de un recurso visual y estético. Esta experimentación no es muy común en la prensa norteamericana. ¿Por qué?
5) Seré honesto, he tomado solamente la clase más baja de tipografía de la división. Cuando estaba en escuela, era una especie de autodidacta y obsesionada con la tipografía después de tener en mis manos la edición #11 de RayGun. He madurado quizas desde mis días de “lectura” de RayGun. No creo que la cosa pase por las fonts, sino lo que hacés con ellas. El lema de mi profesor era “el contraste es el significado de la vida”. Cambiar el tamaño, los cuerpos, los colores, etc.
Mirando Newseum y la NPD pensé cómo se pueden hacer cosas horrendas con tipografía. No tienen kerning. Veo fuentes como Comic Sans (NdeV: una de las tipografías más odiadas, según Tipográficamente), Lithos, Tekton o la temida Hobo. Amaría diseñar una página con la Hobo sólo como parte de una ironía absoluta.
Vengo de la generación de David Carson. Amo la tipografía experimental. Amo el usar de todos los tipos de fuentes. Apenas puedo aceptar ver la misma repetición de una letra. Por ejemplo, siempre que vea una tipografía “grunge”, trato de comprobar si se justifica su uso. Todavía amo lo que él está haciendo, pero eso no es más para mí.
Adoro todo tipo de letra clásica. Pero también quiero experimentar con tipografía hecha a mano. Será sinceramente extraordinario.
Estoy decidido a diseñar una publicación sólo con Helvetica, con margen derecho irregular.
Cuando yo fui pasante, pataleaba y chillaba porque sólo podía utilizar 2 tipos de letra. Pero ahora lo prefiero. En el Merc, nosotros utilizamos la Miller y la Griffith. Todos necesitan un buen serif y un sans serif decentes, con buen peso. Eso es cómo uno puede probar realmente su creatividad.
Si querés leer los anteriores reportajes, entrá aquí.
6) ¿Crees que el diseñador de la prensa debe tener una formación periodística o el periodista debe tener una formación más visual?
6) Esto es una pregunta dura. Diría ambos, con grados que varían. Cada uno en la redacción debe entender y estar enterado de lo que hace cada uno. ¿Estamos todos en el mismo equipo y en el mismo barco? ¿Tenemos las mismas metas? Los diseñadores son periodistas también. Pero no todo periodista es visual. Personalmente, soy artista primero y periodista después. Ser artista es quién soy y pongo todo mi empeño en ello. Es lo que vivo y respiro. Lo que hago en el trabajo es arte con una meta periodística y amo mi trabajo. El Merc entiende cuáles son tus fuerzas y tus desafíos.
Coincido con lo que me dijo, alguna vez, Bonita Burton. Cualquier persona puede ser periodista, pero no cualquiera puede ser artista.
Puedes aprender ideales, valores y el ética periodística. Los bloggers son periodistas también. Pero, ¿puede la creatividad ser enseñada? Cualquier persona puede entender la comunicación visual. Pero, ¿sabrá cómo hacerlo? Seguro, hay escuelas de arte y clases a tomar para aprender técnicas. Hay maneras de inspirarse. ¿Puedes enseñar a alguien a tener pasión y a conducir? ¿Cada uno ve el mundo diferentemente? Quizás esto depende de cómo uno está armado interiormente. Algunos fotógrafos tienen ese “ojo” y visión. Cuando era chico, me golpeé la cabeza con una silla grande del metal. Eso podía explicar quizá algunas cosas.
Pienso que cada uno tiene “el artista” en ellas. Las necesidades justas de salir. Cada uno necesita la inspiración. Mis profesores me ayudaron a abrirme los ojos. Creo que cada uno PUEDE dibujar. Alguna gente dibuja mejor que otras. Es todo relativo. Ashley Dinges dice que dibujo bien. Después veré a Doug Griswold y adoraré su trabajo. Necesitamos aprender, crecer y mejorar constantemente. Seguro, muchos de ellos tienen un talento natural. Toma lo que conseguiste y construye sobre eso.
7) ¿Querés agregar algo más a esta entrevista?
7) Quisiera agradecerte por tu interés en mi trabajo y la oportunidad compartir mis pensamientos. Espero que los periódicos no los mueran, aunque a veces se lo merezcan. Espero que no sea demasiado tarde. Amo lo impreso, pero no creo que pueda durar mucho más tiempo. Creo que los periódicos deberían aceptar que la edición de papel se terminará pronto.
La parte más importante de periódicos son las “noticias.” Nosotros necesitamos ser las organizaciones que generen las noticias.
Todos deseamos contar historias y compartir la información. Tenemos que hacerlo de cualquier forma. Aunque ahora con la cuestión ambiental, el papel puede parecer algo contradictorio. Los periódicos se quedaron en el camino con la transición a Internet , aunque todavía están a tiempo.
Podemos contar grandes historias. Apenas los medios están cambiando. Necesitamos cambiar y evolucionar inmediatamente. El aferrarse a la tradición nos va a matar. No soy un especialista en negocios, pero se muy bien que si uno resta y resta, termina en cero. El modelo de negocio está todo mal. ¿Cómo puede hacer usted un mejor producto, para conseguir más lectores y anunciantes con menos personas? La visión es demasiado miope y sólo pensada para dar ganancias. También me preocupa que a la gente no se la cuida con respecto a las noticias ni el mundo ya. La gente debe ser algo ignorante, ya que sólo le interesa los chismes sobre las celebridades y las compras. Es una predisposición nacional que se necesita cambiar. Quizás los periódicos podrían venderse a sí mismo mejor. Parece ser que está mal ser listo y estar informado.
Perdón, si sueno tan pesimista y negativo. ¡Soy realmente una persona feliz, de verdad!
(La foto es de Desirée Martín/AFP)
Hace dos semanas te mostrábamos un poderoso análisis sobre el discurso fotoperiodístico de la prensa francesa. Lo había hecho el redactor jefe de Fotografía de El Mundo, Angel Casaña, en el blog especializado que mantiene el diario español. Decíamos que era tan bueno como breve su apreciación sobre el mundo de las instantáneas de prensa. Con una ironía que superaría a varias firmas del mercado nacional, el fotógrafo arremete contra las variadas reacciones que se tiene en la península sobre el fenómeno de sus balseros.
"Ahora hay muchas maneras de fotografiar esa tragedia. Desde la arena, con turistas dando agua a los recien llegados; desde una embarcación, ilustrando la llegada de cayucos con más de doscientas personas a bordo; desde puerto, con la Guardia Civil y Salvamento Marítimo escoltando algún barco cargado de inmigrantes; o desde tierra, en algún centro de detención". Luego de su prolija disección sobre sus colegas, Casaña se mete con el lector, en una faena propia de un valiente torero. "Seguro que has pasado por alto muchas de esas fotos a diario, tanto como los números que las acompañan. Cifras que hablan del número de arribados en una semana o de gentes esperando al otro lado a que llegue su turno".
Enseguida nos da una clase sobre una de las ramas de la fotografía que es tan esquiva a propios y a extraños. El retrato aplicado al fotoperiodismo puede ser la negación del periodismo visual si se la usa como recurso. La prensa moderna está llena de recursos que suelen ser abusados por los profesionales para tapar la existencia molesta de algún agujero conceptual. Y este recurso es número puesto. Pero Casaña escribe sobre un caso donde sólo se podía hablar de retrato.
"Por eso nos fijaremos en esta otra forma de mirar a una realidad tan dolorosa. A través del rostro de uno de los cientos de hombres que ha llegado a las Canarias esta semana. Los ojos son un elemento fundamental en la fotografía. Su presencia puede cautivar al lector, su ausencia generar expectativa. Los ojos son el eje de muchas de las imágenes más importantes de la historia. Su poder transmisor, su capacidad comunicadora, su ubicación como eje en la estructura de una fotografía... Hoy estamos ante una de esas fotos".
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(Joven mujer que había quedado varada en el aeropuerto de Barajas, Madrid, y que todavía no sabía cómo volvería a Buenos Aires (Asunto Air Madrid-Southern Winds. Foto: El Norbi)
(Ilustración de El Norbi)
El director de arte del San Jose Mercury News, Martin Gee, cierra nuestro primer acercamiento al Diseño de Información de EE.UU.
Antes de contarte sobre el segundo Visual Team, acá tienenlos anteriores reportajes:
1) Josh Bohling, del The Virginian-Pilot, aquí.
2) Kristin Lenz, del Hartford Courant, aquí.
3) Vince Chiaramonte, del The Buffalo News, aquí.
4) Daniel Marsula, del Pittsburg Post-Gazette, aquí.
Hoy empezamos con Tipográficamente y no podíamos empezar tranqui. La primera entrega de este monumental especial con 100 profesionales y 100 tipografías se merecía un lujo. Fue uno de los primeros que creyó en nuestras Jornadas Universitarias sobre Diseño de Información. Estuvo en todos los eventos, sin chapear. En el auditorio de la Universidad de Palermo o en el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA). En la Universidad Austral era uno más entre los estudiantes que se preparaban para el workshop. Miguel De Lorenzi era director de arte del diario La Voz del Interior de Córdoba en aquel momento.
(Por Miguel de Lorenzi, diseñador y gurú argentino) Si se le pregunta a alguien que comida le gusta más, nadie responderá
milanesa, a secas, por ejemplo. Dirá milanesa con papas fritas o milanesa
con puré. Lo mismo me sucede con las tipografías. Será un lugar común pero me gustan los dúos o, mejor, parejas haciendo el amor tipográfico: redonda con itálica, bold con ligth, serifas con palo seco, etcétera. Hay parejas clásicas: Franklin Gothic bold con Stempel Garamond light itálica, que vendría a ser mi milanesa con papas fritas o mi postre queso y dulce.
Ese será mi vulgar paladar, aunque cuando pongo tipografías no dejo de pensar en
el comitente, el medio y el lector.
Me gustan las tipografías con familias amplias, con distintos pesos, sus
itálicas y sus condensadas. Pero no me caso con ninguna. Parafraseando el
renacentista "Nada de de lo que es humano me es ajeno" yo diría "Nada de lo
que es tipografía me es ajeno".
No le creo a los diseñadores que dicen "yo solo tengo cinco tipografías en
mi computadora". Si revisamos su obra veremos que constantemente le son infieles a esas cinco que nombran.
Hay casos raros. La Nimrod no me parece una letra muy bella, pero reconozco que
cerca del cuerpo 8 tiene una legibilidad y rendimiento imbatibles.
Otras rarezas: la Swift de Gerard Unger o su Gulliver. Son letras
bellísimas; a mi parecer de lo mejor que se diseñó con serifas en los años recientes y no muchos diseñadores las usan. Sin embargo se delira por la Scala
que es una fuente que parece estar en barbecho y haber sido lanzada al
mercado casi sin terminar y sin haberla provisto de suficientes pesos.
Más curiosidades: ¿Por qué tantos lugares de comidas rápidas utilizan la Lithos?
Buenos Aires es la ciudad de la Frutiger me dijo un diseñador chileno al abordar un subte.
Si tengo que hacer una pieza para un festival de rock u otra comunicación
para jóvenes, no me siento obligado a usar una tipografía grunge. Quiero pensar que usar grunges no sea un prejuicio de los diseñadores: los jóvenes rockeros son unos sucios rotos. Algo que parece ocurrir con las publicaciones para niños que usan la Comic Sans: los niños son unos bobos que les debe gustar la boba Comic Sans.
Sin ruborizarme, si cabe, no vacilaría en utilizar una elegante script para un recital de Spinetta.
No me rehuso a usar la Helvética ni la Times porque sean un lugar común.
Muchos diseñadores creen superar ese complejo de popularidad usando la
Akzidenz Grotesk que fue la antecesora de la Helvética. Lo que en general
no saben es que la Akzidenz que usan fue digitalizada con un ojo puesto en
la Helvética.
Una letra que odio, no por popular si no por fea es la Brush Script. Y su prima la Mistral (¡Dios mío!, vieran lo que son las ligaduras en Open Type, lograron hacerlas más feas
todavía). Pero atenti, si el verdulero de la esquina me pide que le haga el cartel de su verdulería con la Brush Script, trataré de convencerlo de que
usemos otra letra. Si no lo convenzo, se lo haré en la Brush Script. Estoy seguro que aumentará sus ventas porque estará feliz con su cartel. Su alegría reflejará en su sonrisa y atraerá más clientes. ¿O no es que diseñamos para la gente?
Otras letras que me producen una cierta tirria son las pixeladas sobre todo cuando son usadas para indicar lo digital y las “espaciales” tipo logotipo de la Nasa para significar modernidad.
Nunca me prendi a la polémica Helvética versus Univers. Cada fuente tiene lo
suyo y me suena mejor una u otra según los casos.
No entiendo a los que se desgañitan hablando de legibilidad y hacen piezas
de tipografía cuerpo 7 impresas en un naranja 30 por ciento.
No entiendo a los que se queman la cabeza durante meses y meses en el
FontLab haciendo una variación de una fuente clásica para que haya un lugar
en Internet con la Font Pérez.
Después de la Helvética y la Meta, creo que la Fontana ND es uno de los
grandes aportes al mundo de las fuentes sin serifas. Debería tener mejor
suerte y trascendencia internacional.
Por debajo del cuerpo 8 todas las letras son pardas y no vale la pena
pelarse por una Garamond contra una Goudy, si no hay una cuestión de
rendimiento de espacio.
Aunque no lo parezca hay fuentes gratis en Internet bastante buenas.
Resumo las parrafadas anteriores. No tengo predilección ni animadversión por ninguna fuente en particular. Solo tengo preferencias por las maneras de usarlas.
Bueno, termino aquí. Como se sabe, en general, los diseñadores somos personas semianalfabetas, que hemos hecho de la imagen un fetiche y ya son demasiadas
líneas para leer.
(Tipografía experimental de Yanina Arabena)
Desde mañana, VisualMente se convierte en Tipográficamente. Este especial se extenderá por varios días. Serán 100 tipografías que tendrán vida en la palabra de 100 profesionales. Paola Damonte Vegas, Miguel Angel Vivanco, Sabina Bautista, Ramiro Alonso, Nuno Vargas, Rosa Castellanos, Sergio Pecanha, Pablo Krymkiewicz, Marc Prades, Chica Ska, José Enrique Contreras Perla, Kristin Lenz, Gustavo Lovalvo, Herminio J. Fernández, Alex Belman, Fernando Gutiérrez, Rodrigo Fino, Carlos Scolari, Mark Mackay, Ezequiel Rormoser, Enric Jardi, Rodrigo Sánchez, Patricio López, Carlos Pérez de Rozas, Luiz Adolfo, Felipe Pimentel, Alejandro Ros, Rodrigo Ramírez, Alvaro Cármenes, Gil Dicelli, Soledad Marelli, Rodrigo Visscher, Yaoltzin Botello, Daniel Marsula, Tony de Marco, Pedro Pérez Cuadrado, Ramiro Espinoza, Lizzeth Huerta Priego, Vince Chiaramonte, Alejandro Tumas, Gustavo Nori, Mariela Smith, Ale Paul, Gonzalo Rodríguez, Adriana López, Nicolás Ramallo, Carmen Riera, Dany Berczeller, Octavio Diaz, Elio Leturia, Shiki Kohji, Juan Pablo Cambariere, Pablo Cosgaya, Fernando Rubio, Leo Tavejnhansky, Roger Hiyane, Raúl Madkur, Juan Colombato, José Ignacio Quintana, José Juan Gámez Kinderlan, Daniela Peñaranda, Juan Durán, Adrián Candelmi, Lucie Lacava, Claudio Pérez, Fernanda Martins, Raúl Braulio Martínez, María Gil Araujo, Noeli Seveso, Ivonne Robledo M., Gerardo Patiño, Roberto Cortez Zárate, Verónica Miguez, y siguen las firmas.
Creado por El Norbi Baruch y Dolores Pujol, VisualMente es el blog de periodismo visual de latinoamérica. Si bien su origen es argentino, desde el principio, en febrero de 2005, el blog ha sabido sumergirse en la realidad visual del continente.
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