31.8.12

Último momento: Infografreak en la Universidad de Buenos Aires

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Después de la poderosa charla que dimos en la Universidad Nacional de Lanús, el martes pasado, seguimos con nuestra gira infográfica en la Universidad de Buenos Aires. Es que este lunes 3 de septiembre, bien temprano para El Norbi, vamos a estar en la Cátedra de Diseño I, II y III, en la Carrera de Diseño Gráfico de la FADU-UBA.
La profesora Valeria Melon ha integrado a su equipo a docentes formados duante más de 10 años en la histórica Cátedra Saavedra (una de las cátedras fundadoras de la Carrera de Diseño Gráfico en la FADU). Allí estaremos este lunes, desde las 9.

Ouch: Entrevista Digital (2010) de El País y El Living (2005) de Visualmente

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Fue una sección de Visualmente que en algún momento retomaremos. Era un espacio, al costado de la página donde, una vez por semana, nos encontrábamos con un profesional reconocido de algún diario, para hacerle preguntas en tiempo real. Una especie de chat coral, donde las preguntas de los anfitriones de la casa (Dolores Pujol y El Norbi) eran superadas por las que hacían los lectores de Visualmente.
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Nació casi con el blog, hace 7 años, y fue muy bueno. Primero fue Alejandro Tumas, editor de infografía del diario Clarín. Siguió Sergio Fernández, director de arte del diario La Gaceta de Tucumán. Y cerró el 2005, Gustavo Lo Valvo, director de arte del diario Clarín. El nuevo año lo empezamos con Jordi Catalá, en aquel momento editor de infografía de El Periódico de Catalunya.
Hoy nos damos cuenta que el diario español El País tiene una sección que se llama Entrevista Digital que se parece mucho a nuestro Living. Ellos empezaron cinco años después que nosotros, el lunes 1ero. de marzo de 2010, con Víctor García de la Concha, Director de la Real Academia Española. Nos pone muy contentos semejante coincidencia, cinco años después.
En Infografreak te mostramos la transcripción de nuestro primer Living, no sólo con la presencia de Alejandro Tumas, editor de infografía de Clarín, sino con Tomás Ondarra, redactor jefe de infografía del diario El País de Madrid y Fernando Rubio, redactor en jefe de infografía del diario ABC de Madrid. Por eso lo llamamos el Living infográfico.

30.8.12

Exclusivo: Te presentamos la Ren & Stimpy Type

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Él no es un tipógrafo consagrado. Pero el norteamericano Nathan Walker ha saltado a la popularidad por inventar una tipografía basada en la estética bizarra de las series animadas Ren & Stimpy y Aaahh! Real Monsters.
Desde su estudio All The Pretty Colors, con base en Austin, Texas, Walker nos cuenta cómo se le ocurrió crear la Alphabetcha y armar una letra N con una pierna que deja ver la punta del femur.
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1. How did you come to a font where the letter N is transformed into a broken leg bone showing?
The alphabet came about while sitting in a medical school library with my girlfriend while she studied. I had always wanted to create the alphabet in what I consider my style, and I needed to do something to pass the time, so I just started sketching. The sort of drippy mouths, tongues and body parts tend to come naturally when I'm sketching, so it was just a matter of shaping that into letters.
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2. How long did it take to complete the alphabet and the letter which was more complex to achieve?
I worked on the alphabet whenever I had free time in between my full time job and freelance projects. Overall, it spanned over 4 months of slowly chipping away at each letter. There wasn't necessarily one letter more complex to work on than others, but for some reason I kept putting off working on the letter F. It just didn't feel like a fun letter to think about, so I just skipped over it until I was ready.
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3. How did the process work? First did pencil drawings and then you went to Illustrator?
All my vector illustrations start off as rather loose sketches with a pencil and paper. I sketched A through M first, minus F, then scanned it to my computer. I took that into illustrator and started to outline the shapes and give it some color. Whenever I would get tired of working on the computer, I would get the sketchbook out and start illustrating the second half of the alphabet. It definitely helped to break the project up so I wasn't staring at the computer all the time.

4. What inspired you most of the animated series Ren & Stimpy?
I was really inspired by the shapes and roundness of the characters. It all seemed rather soft and mushy. I think that helped to enhance the gross feeling the show exuded.
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5. What is the letter did you like drawing? Why?
Letters B and G are probably my favorite. I like the level of creativity in them and they easily came together when I put the pencil to the paper. Plus, it's always fun to draw mouths and tongues. The ampersand is another good one. I'm working on creating a series of different ampersands in my free time. It's just a matter of finding the time!
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29.8.12

Alucinante: Infografreak en la Universidad Nacional de Lanús

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A un poco más de 14 kilómetros de la Capital Federal se encuentra la Universidad Nacional de Lanús. Lo que antes eran unos talleres ferroviarios y playa de maniobras hoy da paso a unas construcciones poderosamente funcionales divididas en varios pabellones con nombres populares. Un poco más alejado de los pabellones principales, casi en el límite del campus, funciona un cine universitario cuyo nombre ya nos provoca respeto. El cine Tita Merello ofrece funciones de con lo más artístico y refinado del séptimo arte. Pero ayer, pasadas las 19, sus entrañas albergaron otro tipo de imágenes, tal vez, más paganas. Es que en el marco del Ciclo Anual de Conferencias de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual se presentaba Infografreak.
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Con la presencia del Director de la Carrera de Comunicación Visual de la Universidad, el diseñador Gustavo Pedroza, en primera fila, y del responsable de la organización del ciclo anual, el arquitecto Gustavo López, y más de 70 estudiantes de los distintos niveles, comenzamos a desgranar esto que hacemos en los diarios y revistas. Antes, fue la presentación emotiva de nuestra colega, la profesora Fernanda Aleixo.
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Ayer nos preguntábamos cómo hacer para conmover a un auditorio poco acostumbrado a informarse por los diarios. Es que no dejaba de ser complicado sostener una postura visual que tuviera que ver con las noticias, cada vez más aburridas y lejanas a su mundo de interés. Es que el periodismo visual ha perdido la capacidad de llegar a los nuevos lectores por soberbia o simplemente por miedo ante el olor a espíritu adolescente.
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Pero si uno se basa en la cantidad de preguntas que se hicieron durante el tramo correspondiente o el tiempo que se quedaron casi todos cerca del escenario hablando con nosotros, cuando todo había terminado, la cosa no ha sido en vano.
Por eso, este lunes 3 de septiembre, vamos a la Universidad de Buenos Aires, invitados por la Cátedra Melon, para seguir hablando de esto nuevo en infografía.

25.8.12

Último momento: Infografreak en la Universidad Nacional de Lanús

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Hablar de infografía para estudiantes universitarios es una aventura que no siempre termina bien. Por lo general, los artistas gráficos son pésimos charlistas y el público es muy perceptivo. Seamos sinceros: una charla sobre infografía sólo puede resultar interesante para otros infógrafos. Por más que uno sea un Serra, un Ondarra, un Catalá o un Sicilia, es casi imposible que los jóvenes estudiantes de diseño se muestren interesados en las infos periodísticas.
Si uno tiene en cuenta el lugar que ocupa la infografía en ciertos diarios y el respeto que los que escriben tienen por ellas, mal se puede convencer a los estudiantes para que lo piensen como una salida laboral, y no de emergencia.
La Universidad Nacional de Lanús se abre así a ésta nueva forma de informar, invitados por el arquitecto Gustavo López y el Director de la Carrera de Comunicación Visual de la Universidad, Gustavo Pedroza. Ellos están organizando un ciclo de conferencias especializadas con profesionales de la talla de Carlos Venancio, Pablo Siquier y Hernán Kourian, destinadas a alumnos y docentes de la Carrera de Diseño y Comunicación Visual.
La Infografía de autor, que llamamos "Infografreak", lo más creativo del periodismo y lo más conceptual del diseño, también estará presente. Será en la inauguración de este ciclo de cuatro martes, el 28 de agosto, desde las 19.30.
Anteriores presentaciones de Infografreak en universidades argentinas y latinoamericanas:
1. En la Universidad Científica del Sur, de Lima, Perú.
2. En la Universidad del Pacífico, de Acapulco, México.
3. En la Universidad Católica de Asunción, de Asunción, Paraguay.
4. En la Universidad Católica de Chile, de Santiago, Chile.
5. En la Universidad Ort, de Montevideo, Uruguay.
6. En la Universidad Nacional de Quilmes, de Quilmes, Argentina.

Exclusivo: Así nació la M de Marca

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Con un escueto texto que decía simplemente "hace 10 años que diseñé la tipografía 'Chean' para MARCA", el director de arte del diario deportivo español irrumpió en la red, sin mayores datos. Como nos gusta mucho el serif egipcio, en general, pero nos parece necesario en publicaciones deportivas, y como nos parece un hallazgo la M de Marca, no pudimos con nuestro genio. Le pedimos a Gámez Kindelan que recordara ese momento de 2002, pero en voz alta. Por eso, hoy te presentamos, en exclusiva para Visualmente y Tipográficamente, la historia poco conocida de la M de Marca, contada (e ilustrada) por su creador.
gamez(Por José Juan Gámez Kindelan)Desde que aprendí a escribir, mi interés por la caligrafía no era el de un niño normal. Recuerdo que jugaba con las letras para hacer los titulares de los trabajos de clase y las deformaba, sobre todo, 'encogiéndolas' hasta que costaba trabajo leerlas, pero consiguiendo un tamaño que llamaba la atención sobre los demás..
Fue un día cualquiera de 2002, cuando el entonces director de Marca, Elías Israel, me pedía que le 'diera una vuelta' a la cabecera del periódico. Los argumentos: estaba anticuada, teníamos que modernizarnos y había presión para un cambio. Yo ya había intentado varios cambios en el pasado sin ningún resultado. Cambiar un logotipo con más de 60 años no era tarea fácil.
Mi mejor razonamiento para cambiarla fue el uso tipográfico: la actual cabecera usaba un tipo de letra parecido al de un 'western'. Propuse al equipo directivo crear una tipografía que tuviera la misma mancha que la actual, pero que respondiera a lo que Marca era, un diario de deportes. Me puse manos a la obra y tras analizar varias tipografías (de memoria: Princetown, Machine, All Star,...) comencé a dibujar. Primero los vectores con Freehand, y a continuación construí la tipografía en Fontographer, a partir de los parámetros de la fuente 'Machine' (sufriendo largas peleas con el espacio entre letras y palabras).
Una semana después, ya completados todos los caracteres (los números eran especialmente importantes debido al uso deportivo), tuve que buscar un nombre. Allá por 1965, cuando me enseñaron a decir mi nombre, lo primero que conseguí vocalizar fue la palabra 'chean' que supongo era lo más cerca de José Juan que podía pronunciar. Durante algunos años me llamaron así en familia.
Con mi apodo 'Chean' y las letras XB (de extrabold) obtuve el nombre.
Llegó la hora de rotular la palabra MARCA. En este momento, se me ocurrió hacer una prueba de portada sólo con la letra 'M' como cabecera, un uso mucho más moderno como me estaban pidiendo.
Presenté la propuesta a la dirección y fue un éxito total.
Hoy, aunque de vuelta a la palabra, el icono del mundo MARCA es la 'M' de la fuente 'Chean XB'.

Gracias a los 622 seguidores de Visualmente

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Hoy me levanté y tomé conciencia de que 622 siguen Visualmente y me gustó. Un blog que tenga tantos seguidores seguro que no es tan malo. Todos los días trato de buscar cosas interesantes para los lectores del blog. Cuando aparece algo en alguna red o sitio, en lugar de hacer copy y paste, busco tomar contacto con los creadores para conocer a la persona y no vaciar de contenido humano su obra. Gracias totales.
(Si querés ser seguidor de Visualmente, entrá acá.)

24.8.12

Exclusivo: Te presentamos a Nina Boesch

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La alemana Nina Boesch se graduó en el prestigioso RISD (Rhode Island School of Design) en 2006, con honores. Su trabajo ha sido honrado por el Art Directors Club, el Type Directors Club, Adobe y AIGA. Pero se ha hecho famosa casi por casualidad. Hace 11 años, Boesch llega a Estados Unidos por un programa de intercambio. Tenía poco dinero y quería hacerle un regalo a la familia que pensaba hospedarla en New Jersey. Lo único que tenía en sus bolsillos eran los MetroCards utilizados. Así que les hizo un mapa de los Estados Unidos con los recortes de esas tarjetas de cartón. Si querés ver esa técnica en detalle, entrá ahora a Chillartpara ver la cara freak del cómico norteamericano Conan O'Brien. A continuación, en exclusiva para Visualmente, Nina Boesch nos cuenta qué hizo con las 35.000 tarjetas de subte que ha cortado hasta ahora.
1. How did the idea of making collages with NY Metro cards?
When I first came to the U.S. from Germany I kept my MetroCards after every ride. After about a year, I had collected so many cards that I felt like I needed to find a purpose for them. I also needed a gift for my host-family and was on a very limited budget. So I simply cut up my MetroCards, sorted the little pieces by colors and create a collage of a U.S. map, which I framed and gave to my host-family as a present. They loved the idea and motivated me to create more collages like that.
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2. How is the process of working for one of the works, for example, Woody Allen?
First, I create a pencil drawing of the motif I would like to turn into a collage. A very rough outline drawing... nothing too detailed. As a base I use all kinds of surfaces: canvas, canvas board, paper, wood, acetate, etc. And then I start glueing the small pieces of cut-up MetroCards onto the pencil drawing. The process feels like a combination of painting and doing a jigsaw puzzle, because I fill in the pencil outline with colors I think may look good. Oh, and I pre-cut all my MetroCards before I even start a collage. I keep the small pieces in buckets separated by color.
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3. What is the image that you liked best and why?
I create a larger-than-life pigeon at 40x30 inches. I don't like pigeons in real-life but as a collage made from MetroCards they are very iconic... very New York, you know?
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4. What is the image that you did not like and was completed and why?
I created a collage of a friend's mother once. I felt a tremendous amount of pressure getting the portrait right. My friend's mother had passed away a year before, so it was very important to me to depict her the way she really was – kind, lovely, beautiful. In the end, I liked the portrait a lot and my friend loved it, too, but the process of creating the collage was too much pressure.
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5. How comes the cover of The New York Times and how long it took to make it?
Unless I am creating custom artworks for people, my collages all relate to the city. All my motives have a hint of "New York" in them: Woody Allen, Audrey Hepburn, the Brooklyn Bridge, the Pigeon, the Guggenheim Museum, etc. Even an eye-chart collage I created a while ago spells out the five boroughs or New York. Sometimes you need to look twice to see New York in the collages, but you will. Obviously the New York Times is a very iconic part of the city. It is a globally recognized paper, so why not make it out of MetroCards? It is only 11.5 x 15.5. inches in size but it took me about 20 hours to create it. Cutting out the black font from the magnetic strip of the MetroCards was very time-consuming.
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6. Some of his works are typographical, something not very common in artists. Why you are encouraged to work on fonts?
I studied graphic design at RISD (Rhode Island School of Design) and my favorite courses were always the typography classes. It is difficult to get the fonts just right and to make them work in the overall design. To cut out custom letters from magnetic strips of MetroCards is of course a tedious kind of work, but I enjoy it. The collage-technique is much more forgiving than a printed typographic design. In my collages, letters can have uneven edges – it makes the design more interesting instead of less appealing.
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23.8.12

Último momento: Vil Gates se convierte en una postal de las Infocoleccionables

clickear para agrandar
(Hacer click arriba del cuerno, para agrandar)
En nuestras charlas sobre infografía es una de las que más llama la atención de la gente joven. Tanto es así que en algunos lugares ha sido usada como parte del arte urbano. Es que la figura de Bill Gates ha sido muy discutida y criticada en los ámbitos del software libre. De hecho la infografía que se publicó originariamente en la revista del domingo del diario Crítica tomaba distancia de la nota periodística que la acompañaba, demasiado cariñosa con su figura. Ya desde el título que elegimos para la doble página infográfica ya te cuenta lo que pensamos de Bill Gates.
En el caso de Guillermo Puertas tomamos como elemento central su imagen, construida en forma vectorial, con cuadratines rojos y azules. Los unos y los otros ayudan a desconstruirlo para encontrar los aspectos reales de su vida.
Entonces, como ocurrió con Googleopoly, Steve Jobs y Charlie Sheen, entre otras Infografreaks , Vil Gates se transforma en una nueva postal, gracias a Nirat Print. La estaremos repartiendo este martes 28 de agosto, en la Universidad Nacional de Lanús, donde daremos una charla, a las 19.

22.8.12

Último momento: Te presentamos el Metro Card Collages de New York

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Las redes y los portales han explotado con esta especie de arte povera (del italiano "arte pobre"). Esa especie de vanguardia que se dió a conocer a finales de los sesenta, y cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención, hoy vuelve con el arte de la alemana Nina Boesch. Ella no tuvo mejor idea que usar los cartones de los viajes en el subte de Nueva York para hacer ilustraciones terriblemente realistas. Su exposición se podrá ver hasta el 31 en The Bean in the East Village, NYC. Y Visualmente habló con Boesch, en un reportaje exclusivo, que te vamos a mostrar este viernes.

Último momento: Workshop de Gestión de Impresión para Diseñadores

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Un amigo de la casa, responsable de las infocoleccionables, empieza un taller poderoso.
(Por Guillermo Canale) Antes que conocimientos "de enciclopedia" me interesa transmitir conocimientos "de la calle", que surgen de recorrer de norte a sur infinidad de proveedores y conocer de primera mano no sólo lo que puede hacerse sino lo que sale bien y conviene, y los riesgos y precauciones que deben tomarse al preparar los trabajos.

Para alguien con pocos conocimientos le va a dar una base sólida que le permita preparar y hacer el seguimiento de una producción gráfica entendiendo los límites y posibilidades de cada proceso (lo que se dice mal y pronto "que no lo boludeen"). Además de liberar su creatividad al descubrir y entender las variables involucradas.

Para alguien con conocimientos le va a ampliar la "paleta de colores" al mostrarle nuevas tecnologías y procesos, y tambien variantes impensadas de usar tecnología existente pero que producen resultados diferentes (cambiar el orden de tintas, de procesos, etc). Gran parte de los mitos y vicios de la producción gráfica estan construidos sobre la base de tecnología antigua, y de los límites que tenía hace 15 años o mas. Por eso se pondrá el acento en el cambio de paradigma que implican las posibilidades de la tecnología mas reciente.

Pueden ver los detalles en la página de DGCV, en Facebook, o escriban de mi parte a capacitacion@dgcv.com.ar

20.8.12

Exclusivo: Hablamos con el creador de la botella 140 Aniversario de Heineken

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Para festejar su 140 Aniversario, la cerveza preferida de El Norbi no ha tenido mejor idea que organizar un concurso internacional para diseñar la botella del festejo. Es que Heineken se ha cansado de su color fetiche y ha buscado cambiar como el nuevo mundo donde se mueve, demasiado verde. Eso si, lo que la marca no ha dejado de lado ha sido su emblema rojo.
El diseño ganador, los que aparecen arriba, aparecerá en diciembre, en el frente y dorso, en una edición global de 1 millón de botellas.
Evan Orensten, Cofundador de Cool Hunting; Mark Dytham, Cofundador de la red creativa mundial PechaKucha y Mark van Iterson, Director Global de Diseño de Heineken®, fueron los miembros del jurado que calificó los trabajos y seleccionó a la pareja triunfadora. Porque el concurso tuvo esta dinámica novedosa. En diciembre de 2011 Heineken había lanzado, a través de su página oficial en Facebook, la convocatoria para que diseñadores de todo el mundo se reunieran en parejas para crear su botella conmemorativa. Así diseñadores desconocidos entre sí, alrededor del mundo, se conectaron digitalmente y enviaron sus propuestas. Entre ellas, se seleccionaron a tres finalistas que presentaron sus diseños, mediante una conferencia virtual.
El mexicano Rodolfo Kusulas, de Zacatecas, México, se unió al australiano Lee Dunford, y sus propuestas fueron parte de las 30.000 presentadas de 100 países en los cinco continentes.
La de Kusulas, que aparecerá en la parte frontal de la botella que se utilizará en la edición conmemorativa de los 140 Años, tiene a la tradicional estrella roja, ícono de la marca, integrada por los cinco continentes (Para ver el boceto sin color, entrá acáY como nos gustó, y nos pareció bastante conceptual, acabamos de entrevistarlo, en exclusiva para Visualmente.
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1. Cómo se te ocurrió la imagen de la estrella a partir de los continentes?
La tarea era diseñar la mitad de una botella que representa la manera en que estaremos conectados en 140 años ... Así que lo hice, impulsado por la idea de que en ese tiempo, ya sea a través de la comunicación, los medios, el transporte o la tecnología, vamos a estar constantemente conectados y por lazos que simplemente serán intangibles; las distancias se reducirán y cada vez estaremos más unidos, aunque no sea de manera física. Pensando de esta manera, estoy convencido de que una vez más, nos convertiremos en un mundo sólido y unido, como lo fuimos hace ya millones de años con Pangea. Además, viendo las tendencias y siendo que cada día tenemos más ejemplos que nos dejan claro que ya no es suficiente pensar local, sino mundialmente; ya no somos sólo un país o un continente sino un mundo entero.

Así que ..... una vez que estaba contento con mi diseño, lo subí a través de la plataforma que hizo Heineken por Facebook y procedí a conectar mi diseño con otra mitad hecha por otro diseñador en algún lugar del mundo. Yo conecté mi diseño con algunos, y algunos se conectaron con la mía, pero hubo uno en particular con el cual sentí realmente que mi diseño se complementaba el mío, mejor aún, se complementaban el uno al otro. Este fue el diseño de Lee Dunford de Sidney. Con esa unión la conexión estaba completa, mi parte cubriendo el mundo y cómo nos conectaremos entre nosotros, mientras que la suya cubría el espacio y el universo. No podía ser más perfecto. Además lo hizo con 140 estrellas (representando los 140 años) y la estrella central era de color rojo, lo que a mí me hizo pensar que era la mía vista a la distancia (algo así como un zoom desde el espacio a la tierra).

2. Cuánto tardaste en pensar la idea?
Pues es difícil definir cuanto tiempo exactamente me tomo desarrollar la idea del concepto final, ya que por una semana aproximadamente, estuve pensando en ideas desde que leí el brief del concurso; iba pensando en ideas sobre como reflejar la conectividad y diferentes relaciones entre personas. En el transcurso de la semana anoté diferentes ideas, posteriormente realice algunos bocetos de las mejores ideas y finalmente dibujé de manera digital tres ideas finales que mandé como propuestas al concurso (dos de éstas quedaron como 100 mejores, y una de éstas dos es fue el diseño ganador)

3. Se te ocurrieron otros caminos creativos?
No se exactamente a lo que te refieres con otros caminos creativos, imagino que te refieres a otras soluciones o propuestas creativas, y si, como te menciono en la respuesta anterior, tenía varias ideas en mente. Una de ellas era el poder hacer a la botella un poco más dinámica e interactiva, al hacerla quizá una pieza central para un juego entre personas, ya fuera como tablero o un iniciador de conversaciones. Pensé en como reflejar conexiones básicas y personales entre las personas, pensando como alternativa, que en el futuro con tantos avances y tecnología quizá un contacto directo y natural entre personas tendrá mucho más valor y significado emocional, como el pensar que un beso puede ser el símbolo más auténtico de un a conexión. Estas fueron algunas de las ideas que cruzaron mi mente mientras imaginaba las propuestas de botella, sin embargo la idea de un mundo más unido y compacto tuvo quizá una traducción gráfica más exitosa alineada con la identidad de la marca, lo cual significó que fuera seleccionada.
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4. Siempre, cuando habla de creatividad, la pregunta es obligada. Cómo se puede hacer para ser creativo?
Bueno primero que nada, creo que la mejor manera de alejar la creatividad es el pensar que es algo que simplemente se tiene o no. Todos podemos ser creativos, pero desde mi punto de vista es una cuestión de actitud e interpretación. Todo depende de como veamos las cosas y como percibamos las problemáticas. Es necesario tener una actitud positiva y abierta hacia lo que venga; todo puede ser una oportunidad si así lo quieres ver. De igual manera la confianza en uno mismo es vital, pues muchas veces al dudar inhibimos en nosotros mismos nuestro potencial creativo.
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De ahí en más, para mi es muy importante estar al pendiente de todo lo que rodea al proyecto y tratar de ser muy observador. Hacer hasta cierto punto una investigación según el proyecto nos puede ayudar y el hacer análisis de las variables de tu problemática es fundamental. El pensar en satisfacer los puntos del brief, para quien estas haciendo el proyecto, para que consumidor final se destinará, y todo aquello que podamos pensar alrededor del proyecto, nos ayuda a enriquecer fuertemente la lluvia de ideas de manera más efectiva.

Yo sigo diferentes metodologías según el proyecto, pero la verdad creo que algo muy bueno el conservar la flexibilidad en las mismas, lo más importante es que te mantengas cómodo durante el proceso.

17.8.12

Último momento: Slash vuelve (otra vez)

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bender(Por Bender Baruch) El viernes 26 de marzo de 2004, El Norbi hizo una portada para el suplemento joven del diario La Nación, Vía Libre. En aquel momento, el ex guitarrista de la banda norteamericana Guns N' Roses había vuelto al ruedo con otra formación. Entonces él pensó en una imagen donde Slash estuviera dibujado con el típico estilo de fines de los ochentas, en un poster de la época. La idea era mostrar al mismo músico, en un afiche bastante roto, por el paso de los años. Hoy, aquel afiche vuelve a estar presente, mucho más maltratado. Es que Saul Hudson, más conocido como Slash, vendrá otra vez a la Argentina en noviembre, ésta vez para presentar “Slash & Friends”, primer material solista.
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Para ver la versión final, entrá acá.

16.8.12

Exclusivo: A 20 años del disco El Amor Después del Amor

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Se cumplen 20 años de un disco emblemático del rock argentino. Es que la placa del músico Fito Paéz, El Amor Después del Amor, se ha convertido en un clásico moderno no sólo por su factura musical, sino por su estética en la presentación del mismo.
Hace 20 años, El Norbi tenía una sección especializada en tipografía, creatividad publicitaria y demás cuestiones visuales, en el diario Página 12 de Buenos Aires. Ese fue el antecedente en papel de este blog.
La primera nota que él escribió en esa sección (que se llamaba Diseño) fue al responsable del arte de tapa del disco de Paéz, el diseñador argentino Sergio Pérez Fernández, y se publicó el martes 6 de octubre de 1992.
Hoy, cuando Paéz inicia una gira latina para volver a presentar el disco, queremos recordar esa nota que le hicimos a Pérez Fernández, cuando El Norbi no era El Norbi sino Norberto Baruch Bertocchi.
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Religión electrónica
La Santa Inquisición del Diseño quiere condenar a la hoguera a los seguidores de las computadoras. Un experto opina que las tipografías en la máquina no son brujería.
A veces resulta difícil definir qué es el diseño gráfico como cuál es el status profesional de sus cultores. Pero que nadie imagine que los diseñadores se han sentado en su tablero a esperar la definición correcta. Existen tantas como la mismísima variedad de lápices que se puede conseguir en el mercado. Tal vez la más abarcadora sea la ofrecida por la Presidente de la Asociación de Diseñadores Gráficos. "Un diseñador es una persona que tiene una especie de religión, que es el Diseño. Y el Diseño es dónde vivís y cómo vivís", sostiene Angela Vasallo. Esta es una megadefinición acerca de un punto de conflicto que, hoy por hoy, todavía no ha sido resuelto.
Si el Diseño está ahí, tan adentro, y tan propio como un acto de profunda espiritualidad, es comprensible que ciertos artilugios telemáticos sean, en principio, resistidos. El diseño no se salva de los embates de la ideología de la posmodernidad: el computacionismo. Los "ordenadores" se han clavado con su aguijón, en forma de mouse en los tableros, y la discusión es un hecho. Mientras que la revista especializada Tipográfica editorializaba sobre el avance del "lápiz electrónico", uno de los profesionales del diseño se convierte en el primer pastor de la iglesia electrónica. "Cuando uno tiene detrás veinte años de tablero, los prejuicios del diseñador aumentan en progresión geométrica ante la computadora", se confiesa Sergio Pérez Fernández, autor de las dos últimas tapas del rosarino Fito Paéz.
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Dejando de lado el lugar común de ser hijo de un famoso plástico rioplatense, Pérez Fernández es conocido como un ferviente defensor de las máquinas aplicadas al arte, que no tiene ningún empacho en comunicar la buena nueva de la fe electrónica. "Me costó mucho incorporar la computación a mi vida. Lo hice hace poco y para mi fue un shock; tuve un período de tres meses, que todos pasamos, donde uno se cuestiona, se dice quién me mandó, se desespera porque no conoce los programas, y, para colmo de males, no tiene tiempo para los cursos". La inserción de la maquinaria ha creado una nueva profesión dentro del diseño: el operador. Pero para Sergio Pérez Fernández no es lo mismo, y sin querer mete el mouse en la llaga. Es común dentro del debate sobre la inclusión de la computadora que los que están en contra traten de relativizar semejante tecnología, ya que sostienen, es sólo una herramienta, y nada tiene que ver con la creatividad. Y Pérez Fernández, como representante de la nueva religión electrónica, levanta el guante y arremete contra esta argumentación. "Desde que empecé a usar la máquina cambió mi vida, y cambió mi diseño. O sea que una de las cosas más importantes que ha ocurrido en el mundo del diseño desde la aparición de estas computadoras, y que no todos se dan cuenta, es que no solamente cambió la parte estructural dentro del sistema del diseño, sino que cambió la estética". Ni el monje franciscano Guglielmo da Baskerville se hubiese imaginado semejante discusión en el seno de la iglesia posmoderna. Pero el paralelismo con lo sucedido en la abadía domninica hace presumir la presencia del diablo que ha metido la cola (o un cable). Y para que no queden dudas de semejante burla, aquí también existe un libro maldito que nadie quiere leer.
El formato es distinto al de la Poética de Aristóteles, ya que no tiene tapas, y sus hojas son luces en una pantalla. Porque la tipografía no deja de ser un destello en el monitor de un diseñador, y eso no está del todo bien, afirman algunos. Sergio Pérez Fernández respeta esa manera de pensar, pero no cree que la expansión y la condensación de las tipografías dentrode la máquina sean artilugios del demonio. "Para mí, en la tipografía, como en cualquier otro elemento gráfico, lo importante es cómo se lo utiliza. Si el resultado es un todo armónico, no importa qué hiciste para lograrlo".
Por eso, cuando tuvo que decidir, junto a Fito Paéz, la tipografía para su última obra (El Amor Después del Amor) no tuvo empacho en utilizar la creada por Giambattista Bodoni, en 1763.

Exclusivo: Hablamos con la artista malaya Hong Yi

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Volvemos con una sección poderosa. Por La Ilustración es Mujer pasaron Cecilia Andrade, Isabel Samaras, Karen Caldicott, Coco Dávez, Ana Lense Larrauri, Ann Lee, Yukari Terakado, Annie Wu, Andrea Ebert y Fernanda Cohen.
Ahora te contamos que acabamos de entrevistar a la joven artista malaya Hong Yi. Ella, más conocida como Red, irrumpió en las redes sociales por su extraña forma de pintar. Con la parte posterior de un pocillo y un poco de café, Red ha realizado el retrato del músico, cantante, actor y director taiwanés Jay Chou. Acá nos cuenta, en exclusiva para Visualmente, cómo hizo.
1. What techniques and what materials do you use?
I love to creating art but not with the usual paintbrush and watercolour and pencils though - I like to grab whatever I can get hold of - rocks, ketchup, milk, salt, shirts - and turn them into art. It's more fun that way, and it creates new and interesting textures that I would not have discovered had I stuck to using a paintbrush.

2. How was it working for Jay Chou’s portrait?
The project took about 12 hours to finish. Coffee is quite a challenging medium to use - too little water and the rings wouldn't form easily, too much water and the rings would blend into each other, resulting in just a deformed pool of coffee. I had to also wait for the lighter parts too dry up before stamping on the darker rings, or else the rings would not be visible.
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3. How does a profession not known for having many women in it? 4. What is the feminine traits that you put to work?
I'm assuming that by this, you mean architecture (I'm a full-time architect). I think there are much more men in this industry, and much more famous male architects than women, because this is a highly demanding career. It is very time-consuming, and one needs to be very firm and tough in this industry, as you deal with many different people - clients, contractors, builders, and engineers. Many capable women take time off from this profession when they start a family. Right now, I truly enjoy working as an architectural designer despite the challenges that I face. I believe when you have passion in what you are doing, people around you will see it and treat you differently, and will respect you even more. I believe there is still a gender disparity in this industry (especially in a place like China...I'm working in Shanghai now), and my belief is that as a woman, I should work twice as hard to show people around me that I have substance in what I am doing.

5. How do you choose the characters that will work?
When I moved to Shanghai, I wanted to create a series of portraits on Chinese personalities to learn more about people here. I wanted to do portraits of artists, athletes, singers, actors, architects – and I spent some time researching and learning about them.My first artwork in Shanghai is a portrait of artist Ai Weiwei using 100,000 sunflower seeds, as a tribute to his Sunflower Seeds installation in the Tate Museum of London.

I did a portrait of an athlete next, and the most famous Chinese athlete here is undoubtedly Yao Ming. I wanted there to be a connection between the tools I was using to paint, and the person whose portrait I was painting, so challenged myself to use a basketball to paint his portrait.

After that, I decided to do one of a singer. Jay Chou may be Taiwanese, but everyone in the mainland still listen to his songs all the time, so I did a portrait of him. I was inspired by the opening line of his song ‘Secret’, about a coffee cup being lifted of a coaster. Therefore, I used coffee and a coffee cup to paint his portrait.

My latest project is that of Chinese film director Zhang Yimou, which I made out of 750 pairs of socks hung up on two bamboo poles. I was very inspired by the little old Shanghainese alleyways 弄堂 (you can see pics here http://www.ohiseered.com/2011/10/day-in-life-of-hong-yiin-shanghai.html ). The locals like to hang up their laundry on bamboo sticks and stick them outside of their windows. On a sunny day, you'll see a lot of clothes hung out on bamboo sticks. To me, it's very traditional and unique, so chinese! I did Zhang yimou's portrait because in his movies, he shows how beautiful and traditional the Chinese culture is. Also, he uses a lot of bamboos in his movies (like House of Flying Daggers).
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6. What are your artistic influences?
Growing up, I loved Disney and in my teenage days, I had wished I was born in the 70s so I could have worked with Disney during its golden period. I also grew up loving Picasso's cubist work, I love how he was so unconventional for his time, and how although his paintings looked child-like and imperfect, he was able to display so much feelings in his artworks, of anger, sadness and grief. One quote by Picasso has always inspired me. He once said, “Every child is an artist. The problem is how to remain an artist once we grow up.” When we were children, the world seemed to be filled with limitless possibilities.I think we should sometimes learn to relax a little and learn to not be afraid of silly ideas, and try to think a little more like a child and allow our imaginations to run free. I see many people get more cynical and grumpy as they get older…and don’t think life should be like that. We should learn to be more optimistic about life.

Another artist who has inspired me is Brazilian artist Vik Muniz. He creates amazing artworks using garbage...from far it looks just like a painting, but when you look at it closely, you realise it's made of up little objects!

7. How long does it take you to do one of these works as, for example, Yao Ming portrait?
The Yao Ming and Ai Weiwei portraits took about 2-3 hours; the Jay Chou one took 12 hours, while the Zhang Yimou portrait took 3 weeks!

8. How would you describe your style?
I am an artist, who loves to paint, but not with a paintbrush!

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Exclusivo: Esta es la Typogami

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Te lo habíamos prometido y hoy cumplimos. En las redes explotó una tipografía basada en el viejo arte japonés de doblar papeles. Se llama Typogami y es una font animada que creó el diseñador o holandés Jeroen Krielaars, del estudio Calango. Está realizada en After Effects. A continuación, una breve charla con su creador, exclusivo para Visualmente.

1. How did you decide to make a typeface based on origami?
I always draw a lot of inspiration from Japanese culture. I did some tactile typography with origami once. After the success of Moshun I decided to combine the idea of origami and kirigami with animated typography.

2. How was the creative process? He worked with pencil and paper?
I used some pen and paper for the first sketches, but I quickly moved to illustrator and after effects to create the typeface. It was all very clear in my head from the start, so I could move straight into production.
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3. Long did it take to finish?
It took about a week from the first sketches to the end result. I already figured out how to ste everthing up during the production of moshun.
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4. What you think would be best to use?
It could work really wel for titles and stuff like that. But in the end, it all depends on the users creativity.
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5. What is the best letter finished?
Not sure. I like the letter B myself.
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6. How did you decide that you can customize?
The typeface is meant for motion designers to use. As a motion designer myself, I know I like to have some freedom to make things my own. It would not be any fun if every project with Typogami looks the same.

works::astroboy

works::en vía libre

works::en metrópoli

type::stypenova

works::helvetica gothic

type::yeah, yeah, yeahs

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