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31.7.09

Exclusivo: Desde hoy, Vía Libre tiene blog

tapas
5v Desde hoy, y como parte de los festejos de los 5 Años de VisualMente, estará online el nuevo blog de El Norbi con una selección de las portadas que él realizó para el desaparecido suplemento joven del diario La Nación, Vía Libre.
La mayoría de estas portadas forman parte de una muestra itinerante que ha sabido pasar por varias universidades argentinas, chilenas, peruanas, colombianas, venezolanas, brasileñas, uruguayas y catalanas.
El blog Vía Libre estará ordenado por la fecha de aparición real de las portadas, con los bocetos de algunas, y, es destacado el aspecto de que varias están fotografiadas de una forma especial que permite notar ciertos detalles en ellas. Otro aspecto interesante es que se irán publicando los comentarios que varios gurúes visuales del mundo han hecho sobre estas portadas argentinas.
En su momento, desde John Adams, del South Florida Sun-Sentinel, diciendo “lo tuyo es suculento”, pasando por Jeff Goertzen, con su afirmación “los artistas deberían pensar…como vos”, sin olvidarnos de Tim Rick, del News Page Designer, y su afectivo “disfruto la intensidad de tus ilustraciones”, varios han escrito en el mundo sobre Vía Libre. Por eso, ha pedido del público joven, hoy empieza Vía Libre, el blog.
Por ejemplo, el que aumenta la apuesta es el multipremiado español Rodrigo Sánchez, del diario El Mundo, que ve en esas tapas verdaderos afiches para coleccionar. “Las portadas se tiran al día siguiente o sirven para envolver pescado. Los afiches se quedan pegados en las paredes”.
A estas opiniones se sumaban, por aquel entonces, las de Elio Leturia, quien era director de arte del Detroit Free Press, Sandra Hernández Rivera, del Récord de México, Pía Manzur, de El Mercurio de Chile, Jacob Benison, del Sarasota Herald-Tribune, Alexander Probst, de El Mañana de México, y el gran Jaime Serra, entre otros.

¿Puede el color de los Simpson ser erótico?


Hoy, en exclusiva, en el blog de desnudos Santa Carne podés encontrar la respuesta a esa pregunta. Son fotografías que hizo El Norbi y que después las intervino furiosamente en el Photoshop llevando los colores de la piel de una señorita a la paleta típica de los personajes de Springfield. (Advertencia: Al blog Santa Carne pueden entrar mayores de 18 años)

Exclusivo: Andrew Losowsky (Colophon) y Vladdo Florez (Aleida) en Visualmente

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La semana que viene el periodista inglés Andrew Losowsky y el ilustrador colombiano Vladdo Florez estarán charlando con VisualMente, en dos poderosos reportajes. Mientras que el primero nos hablará del futuro de las revistas en el mercado mundial y el crecimiento de las publicaciones independientes, el segundo nos presentará a su personaje femenino recientemente premiado como Mejor novela gráfica en español, en los Latino Book Awards en Nueva York, en el marco de la Feria del Libro de los Estados Unidos.
Tanto Losowsky como Florez, cada uno en lo suyo, se ha convertido en un verdadero gurú de lo nuevo. Uno como consultor y organizador de la mega muestra de las revistas independientes Colophon, que tanto te hemos mostrado en VisualMente, en exclusiva, donde se ha discutido lo que pasará con estas publicaciones de papel. El otro redefiniendo lo que puede llegar a ser un personaje de historieta femenino que nada tiene de infantil, y mucho tiene de corrosivo, que alguna vez supo estar en VisualMente, en nuestro poderoso Especial Mujer. Así, con todo, empezamos Agosto.

Suicidio de diarios (6)

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(De "Las 10 fórmulas seguras para el suicidio de los periódicos" del gurú español Mario Tascón, creador de Prisa, 233 grados y La Información)
Acá tenés las anteriores: (1), (2), (3), (4) y (5)

29.7.09

Exclusivo: El color en los periódicos españoles (9) Las revistas ilustradas: ‘Blanco y Negro’


(Portadas con papel de colores del National Geographic Magazine de 1888 y 1896)
exclusivo para
CUADRADO (Por Pedro Pérez Cuadrado) La competencia real de La Ilustración española y americana, y la que en definitiva acabaría reemplazándola, nace en 1891 con un concepto diferente, más dinámico, más periodístico, pero de muy inferior calidad técnica. Es la revista Blanco y Negro, que supo ver el pedazo de pastel en el negocio de las revistas ilustradas y apostó también por la actualidad gráfica (dibujo y fotografía) para completar la información a la que no podían alcanzar los diarios –por tiempo o por economía–. Y también Blanco y Negro hizo sus experimentos con el color, a fin de ganarse el favor del público lector.

En 1892, todavía en talleres ajenos (estudio tipo-litográfico de Sucesores de Rivadeneyra), empieza a publicar fotografías con cierta frecuencia, reproducidas por medio del fotograbado, junto a grabados habituales. Todo en blanco y negro, valga la redundancia. Si bien se permitía a veces, a fin de dar mayor vistosidad, que la cubierta de la revista fuera de papel coloreado, en tanto que los medios técnicos impedían aún el uso de las tintas a color. Era un recurso que empleaban, a finales de siglo, otras publicaciones como, por ejemplo, el National Geographic en Estados Unidos, que había nacido en 1888.


(‘Flores en mi barrio’, de Huertas, una portada a tres tintas de Blanco y Negro el 19 de junio de 1897)
Pero en 1895, ya con talleres propios, en el número 206, de 13 de abril, Blanco y Negro publica un especial dedicado a la Semana Santa donde algunos títulos y elementos artísticos de las ilustraciones (orlas y recuadros fundamentalmente) aparecían en rojo. Esto no supuso continuidad, ya que los números siguientes continuaron imprimiéndose a una sola tinta, pero abrieron el camino para más adelante.

Mayor relevancia, sin embargo, alcanzaría en el número 296, de 2 de enero de 1897, un Almanaque donde no sólo aparecían los titulares y elementos decorativos en otra tinta con una segunda pasada de máquina, sino que el color (otra vez rojo) aparecía en los mismos grabados. El más famoso de ellos, una ilustración de Méndez Bringa: Las fiestas del año. Baile de carnaval, donde el color aparece en los lazos de una figura de mujer dibujada en negro y en algunas flores caídas por el suelo. No es el único. En este ejemplar hay, al menos, una docena más de ejemplos con estas características tonales.


(Portadas de Blanco y Negro de 1905 y 1915)
Esta referencia, que se conserva en diversas hemerotecas, está, además, muy documentada por diversos autores. Pedro Gómez Aparicio dice que “fue precisamente Blanco y Negro quien, contradiciendo su título, utilizó el color en unos lazos rojos en unas trenzas de mujer dentro de un dibujo en negro” (Gómez Aparicio, 1974: 613).

Pero Blanco y Negro no se quedó aquí y en el número 317, de 29 de mayo del mismo año 1897, realiza un nuevo experimento con dos pasadas de máquina sobre un original de Huertas titulado ‘En Recoletos’. En la portada de la revista, en la primera pasada, la mitad de entrada de la página se había entintado en azul oscuro; y, en la segunda pasada, la mitad de salida, con magenta. El efecto quedó curioso y original.

Tres semanas después, el 19 de junio, la portada de Blanco y Negro volvía a ser un dibujo de Huertas, ‘Flores en mi barrio’, pero en esta ocasión el procedimiento técnico había requerido tres pasadas de máquina: una para el negro, otra para el amarillo (que quedó fuera de registro), y una tercera para el magenta. “En este último caso –escribe Francisco Iglesias (1980: 19)– el clisé era mixto, con partes entramadas y partes sin entramar. Esta composición, que en rigor no puede ser considerada todavía como tricromía, dado que aun no estaba presente la selección de color, venía a significar un paso importante hacia esa técnica”, ya que, en otras pruebas, se había conseguido el efecto de color verdoso por la superposición de dos tintas: negro y amarillo. A la tricromía llegaría Blanco y Negro dos años después, y, luego, a la cuatricromía.


(La revista alemana Fliegende Blätter, en la que se inspiró Luca de Tena para su Blanco y Negro, publicaba en 1848 dibujos a color como éste)
La revista continuaría su particular empeño en mejorar la calidad a lo largo de su vida y Torcuato Luca de Tena, su propietario y promotor, siempre estaría al cabo de los avances tecnológicos, incluido el color. Se había fijado en una revista alemana nacida en 1845, Fliegende Blätter, de Munich, donde inicialmente habían utilizado la litografía para sus ilustraciones pero que desde años antes a la aparición de Blanco y Negro utilizaban ya el fotograbado y el color.

Por ello, don Torcuato y su colaborador, Luís Romea, actuaron desde una doble perspectiva: por un lado, contrataron en Alemania a especialistas en la impresión de cuatricromías y compraron, también en Alemania, todo lo necesario para la fabricación de papel couché, papel que consideraban imprescindible para imprimir bien el color; por otro lado, y desde un punto de vista menos técnico y más periodístico, se acudió al Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde pusieron su idea en la mente de numerosos artistas (pintores, dibujantes, ilustradores…) y los captaron para la revista.

(Uno de los primeros números de Fliegende Blätter)
Sería precisamente en los talleres de fotograbado de Blanco y Negro donde se realizarían algunas de las primeras experiencias de España de impresión a tres tintas bajo la dirección de Stemer, a quien Luca de Tena había contratado también en Alemania. Además, algunos obreros de la publicación estudiaron en Italia y en Alemania el sistema de estereotipia y de impresión de fotograbados.

Con el tiempo, y en su innovación tecnológica, sería también el taller de fotograbado de Blanco y Negro el que empleó, por primera vez en España, el reticulado de Max Levy y el procedimiento eléctrico para la reproducción de fotografías, constituyéndose en escuela teórico-práctica para el desarrollo y perfección de esta industria artística de nuestro país.

Blanco y Negro tendría una larga andadura en el siglo XX y, después de unos años sin salir, tendría un corto papel como suplemento del diario ABC a finales de la centuria.

Bibliografía:

-Gómez Aparicio, Pedro (1974): Historia del Periodismo Español. De las guerras coloniales a la dictadura. Madrid: Editora Nacional.

-IGLESIAS, Francisco (1980): Historia de una empresa periodística. Prensa Española, editora de ABC y Blanco y Negro (1891-1978). Madrid: Editorial Prensa Española, S. A.

25.7.09

Exclusivo: Se viene Tipográficamente 2.0

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Casi la mayoría odia a éstas tipografías gestuales, hijas de la Comic Sans, cosa que no los diferencia tanto de la opiniones de los profesionales que escribieron para Tipográficamente en la versión anterior. Lo importante que ahora además de tener más opiniones, tendremos más secciones, más reportajes, más tipografías nuevas, en un mismo lugar, el blog Tipográficamente.
Los que se vienen con sus preferencias, sus usos tipográficos por obligación y sus odios, son profesionales de gran nivel como Fabián Carreras, Áneu Martínez, Laura Durango Q., Agustina Capellini, Paula Iannuzzi, Esther Vargas, Eduardo Barrantes D., Javier Cuello, Darío Bergero, Ricardo Cervera, Fernando Suárez, Rafael Díaz, Federico Fuertes Guzmán, Dan Peisajovich, Tomás Ondarra, Juan Antonio Giner, Javier Rivero, Chiqui Esteban, César Carrión O., Javier Huamaní, Carlos Gámez Kindelán, Patricia Ramírez, Rocío Villacorta, Jeff Knowles, Rodolfo Fernández Álvarez, Dada Fiallos Calderón, Manuel Lariño, Antonio Alonso, Fernanda Aleixo, Jas Bhachu, Jennys Montero, Aníbal Maíz, Marcelo Mataloni, Diego Giaccone, María Gil Araujo, Roberto Cortéz Z., Nelson Fernández, Rafael Puyana y Ariel Di Lisio, entre otros.
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Lo que empezó siendo una sección de VisualMente hoy será el primer catálogo crítico de tipografías. Y como te adelantamos hace poco, lo que le faltaba a la sección lo tendrá el blog, ya que a través de las etiquetas al final de cada post, el lector tendrá una forma fácil de acceder a las opiniones tipográficas dividas por tipografías. La diseñadora argentina Daf Nudelman,, la profesora peruana de tipografía Jenny Canales Peña y la diseñadora venezolana Jennys Montero Vargas, serán tres de las primeras coautoras de este poderoso blog.

22.7.09

Steven Meisel le pide perdón a Man Ray

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Esa especie de movimiento punk temprano que en los años veinte se llamo dadaismo trajo a una serie de artistas de vanguardia que todavía hoy imprimen su dinámica. Muy reconocido visualmente es ese efecto que se consigue cuando el negativo analógico es sobre expuesto a la luz blanca, durante el revelado. El fotógrafo Man Ray, si bien no lo descubrió, fue el encargado de pasar a la historia como el tipo que le encontró a esa imagen obtenida una poderosa aplicación creativa.
Ese efecto de solarización sobre la película era una especie de grito artístico sobre el hiperrealismo reinante que tenía mucho sentido en aquellos años.
Hoy, una campaña publicitaria nos trae ese recuerdo, pero el homenaje a Man Ray quedará para otro momento. Marc Jacobs como director artístico de la nueva campaña de Louis Vuitton encuentra en Madonna su mejor modelo para recordar la época dorada de Hollywood.
Si bien las fotos de Steven Meisel están ayudadas por el estilismo de Marie-Amélie Sauve, el resultado final no supera el portfolio de un estudiante que empieza a practicar con el Photoshop. Ese trabajo en layers, con un dudoso recorte de las pestañas de Madonna (en la primera foto y que se olvidan en la segunda) con el filtro del software Solarize, nada tienen que ver con el amigo de Marcel Duchamp, quien en 1937 dijo "la Photographie n’est pas l’art". Tal vez, el peruano Mario Testino logra acercarse a ese homenaje en la V Magazine, Summer Issue.
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The good, the bad and the ugly of web design


(De izquierda a derecha: Héctor Vega, Giovanni Collazo, Kenny Irby y de pie Sara Quinn)
Nuevamente, el track leader del área de periodismo visual de la National Association of Hispanic Journalists escribe para VisualMente. El peruano Elio Leturia acaba de organizar y moderar dos paneles que mucho tienen que ver con los periódicos ( "Editorial cartooning: han perdido los medios el sentido del humor", que ye te presentamos, y "The good the bad and the ugly of web design", que te presentamos ahora).
La convención se llevó a cabo en el centro de Convenciones de San Juan de Puerto Rico. "Realmente, fue un éxito. Asistieron más de 850 personas (generalmente van 1.400, pero con la situación actual de las empresas periodísticas la asistencia disminuyó). Sin embargo los paneles, la mayoría de ellos orientados a la multimedia, estuvieron muy atendidos", nos cuenta Leturia.
elio (Por Elio Leturia) El periodismo en general se ha ido online. Sitios web (websites) abundan pues cada medio, sea cual sea su plataforma, ha creado un website respondiendo a las demandas del lector. ¿Qué tan efectivos son esos websites de navegar, entender y encontrar lo que uno busca saber o lo que el medio quiere que sepamos?
Los panelistas discutieron en el marco de la 27ma. convención de Periodistas Hispanos, (www.nahj.org ) qué es lo que hace que un website sea fácil de navegar y cómo hallar con facilidad el contenido que a la audiencia le interesa, ya sean informaciones escritas, videos, fotografías, gráficos para que la experiencia de la audiencia sea fácil, clara y agradable. Ellos también discuten maneras de incrementar el tráfico de lectores online.
Sara Quinn del Poynter Institute for Media Studies se enfocó en el diseño apropiado de un sitio web, el uso de una tipografía adecuada y legible y destacó que “el diseño es comunicación y no decoración”. También nos habló del uso de los gráficos y culminó discutiendo asuntos de ética en cuanto al uso de textos y fotos. Kenny Irby, también del Poynter Institute se refirió mayormente al uso de la fotografía y en los productos multimedia y cómo ella va a definir la calidad de un sitio web. “La fotografía en una fuente de atracción” nos dijo. De ella depende si el lector permanence o no en un website. El también presentó tres videos idénticos pero con una pista sonora diferente para observar cómo la audiencia respondía a cada versión. Así demostró el papel decisivo del sonido.
La presentación de Héctor Vega, director de multimedia de El Nuevo Día de Puerto Rico centró su presentación en el adecuado manejo del programa Flash en los sitios web y cómo su codificación no siempre permite a los “search engines” encontrar palabras claves en los textos.
Por su lado, el puertorriqueño Giovanni Collazos, director de multimedia de 24veces.com se enfocó en la experiencia del usuario y su satisfacción cuando visita una página online. El preguntó a la audiencia cuales eran las razones para que un lector disfrute de su experiencia y que regrese al sitio web. Para ello, mostró diversos sitios web señalando su recorrido y cómo pasos intuitivos y cortos hacen que el usuario encuentre lo que está buscando o a dónde se le quiere llevar.
La presentación fue muy completa pues abarcó tanto asuntos de forma como de contenido, provocando muchas preguntas de un público que no se conforma con colocar su información online como si se tratara de una historia impresa.

20.7.09

Brad Pitt y Wired nos enseñan las New Rules For Digital Gentleman

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Siempre nos gustó la revista norteamericana Wired. Pero nuestro placer en leer esta revista se parecía mucho a cierto sentimiento masoquista. Esta especie de Sympathy For The Devil tenía que ver con como nosotros percibíamos a esta revista. Wired siempre se destacó por estar varios pasos adelante dentro del mercado editorial. Por eso, lo que aparece hoy en sus páginas pronto se replicará en todas. Hace tres años, le hicimos un reportaje muy extenso a uno de los responsables de la publicación. Allí le planteábamos (al norteamericano Jeremy LaCroix) nuestra procupación por la falta de límites entre los contenidos periodísticos y los publicitarios que nosotros veíamos en su revista. Por ejemplo, era burdo ver frente a la página con las cartas de lectores a una página de publicidad del United States Postal Service, con el mismo diseño de la revista.
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Hoy vemos como la Wired ha mejorado su criterio editorial. No es que ahora haya dejado de tener publicidad incrustada de forma non sancta en sus contenidos, sino todo lo contrario. En la próxima edición, el actor Brad Pitt se sube a la portada del número para mostrar que él es tan, pero tan tecno, que puede ser el referente de las New Rules For Digital Gentleman. Es interesante como en este reportaje, Pitt se transforma en algo que él no es, ya que no son pocas las veces que ha admitido no saber usar una PC. ("Brad did once say he wasn’t able to operate a computer, but it seems like he now knows a thing or two about going online")
Es llamativo esta historia inventada para sostener el protagonismo de este personaje dentro de una revista bastante crítica en cuanto a los monstruos hollywoodenses. Pero la explicación se puede encontrar en la coincidencia del estreno de su última película (Inglourious Basterds) con la salida de la revista tecno.
Y esto era lo que pedía Jeremy LaCroix en aquel reportaje que le hicimos. "Me encantaría ver una publicidad más inteligente en las revistas...Creo que más que hacer dinero, las publicidades deberían comunicar tendencias". Gracias Pitt por mostrarnos las nuevas reglas del hombre digital. Pero antes aprende una vieja regla: Se puede lograr un mejor scaneado si bajas la tapa del scanner.
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17.7.09

Cuál Cameron Diaz le presentarías a tu mamá?

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La fotografía es un elemento clave en las revistas para mujeres. Y el ejemplo del próximo número de Marie Claire y V nos ayudarán a comprender aún más lo que se puede hacer con la fotografía atada a un concepto. El inglés Mark Abrahams (que no es el dueño de la fabrica de inodoros de Essex) se encargó nuevamente de la portada de la nueva Marie Claire, convirtiendo a Cameron Diaz es una bella ama de casa, que acaba de arreglar el jardín.
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Mientras que el dúo Mert and Marcus (uno, Mert Alas, de origen turco, mientras que el otro, Marcus Piggott, oriundo de Gales) trabajaron, por primera vez, en la portada de la transgresora inglesa V Magazine. Esta publicación no deja de sorprendernos con sus propuestas rompedoras y creativas que vendrían muy bien al mercado mediocre de publicación femeninas de Argentina. Nada más con recordar al número especial de Otoño del año pasado. V hizo 14 portadas para su número de septiembre con las 14 modelos del momento, en blanco y negro, fotografiadas por otro dúo, los holandeses Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin. En VisualMente titulamos V V V V V V V V V V V V V V veces V. Cuál Cameron Diaz le presentarías a tu mamá?
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Suicidio de diarios (5)

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(De "Las 10 fórmulas seguras para el suicidio de los periódicos" del gurú español Mario Tascón, creador de Prisa, 233 grados y La Información)
Acá tenés las anteriores: (1), (2), (3) y (4)

16.7.09

Exclusivo: El color en los periódicos españoles (8) Las revistas ilustradas: ‘La Ilustración Española y Americana’


(Un retrato del cardenal Lavigerie, reproducido de un cuadro de León Bonnat)
exclusivo para
CUADRADO (Por Pedro Pérez Cuadrado) En los archivos de la British Library aparece relacionado el que los ingleses consideran el primer periódico en color (first coloured newspaper) –no sabemos si del mundo o sólo del Reino Unido–, honor que atribuyen a The Coloured News, un semanario ilustrado y de poca continuidad que apareció en Londres en nueve ocasiones, entre el cuatro de agosto y el 29 de septiembre de 1855.
Independientemente de lo puntual de la acotación anterior, si parece cierto, como apunta María Cruz Seoane, que las revistas ilustradas experimentan una extraordinaria transformación en los últimos años del siglo XIX, “con la incorporación del grabado en color y el reportaje fotográfico” (Seoane, 1983: 308).

(Una composición alegórica ‘El invierno’, a doble página. En ambos aparece el pie Chromotypogravure Boussod, Valadon et Cia, París. Publicados el 22 de diciembre de 1888)
El color en las publicaciones decimonónicas no se lograría únicamente en base a técnicas xilográficas, calcográficas o litográficas. Las dos últimas décadas del siglo fueron claves para el desarrollo del fotograbado, un método de reproducción de imágenes en base a la fragmentación de éstas en minúsculos puntos que, observados a la distancia normal de lectura, dan sensación de tono continuo, como en las fotografías.
Esta fragmentación en puntos se lograba por la interposición de una retícula (William Fox Talbot, alrededor de 1870 y Georg Meissenbach en 1881) entre el negativo fotográfico y la plancha metálica a emulsionar. Plancha que, una vez tratada con ácidos convenientemente, presentaba un relieve suficiente para que pudiera ser estampada al mismo tiempo que el texto tipográfico.
Si bien es cierto que, al principio, la poca definición de la trama no permitía reproducciones demasiado precisas, el consiguiente perfeccionamiento permitió incluso pensar en reproducciones a color.
Este procedimiento ponía en peligro, sobre todo, a los grabadores xilográficos ya que la reproducción fotomecánica no precisaba de traductores manuales. “En 1876 –dice Francesc Fontbona– La Ilustración Española y Americana publicaba algún ‘guillotage’, técnica de fotograbado ‘pluma’ ideada por el francés Firmin Guillot partiendo de la zincografía” (Fontbona, 1996: 23).
Pero, aunque la Sociedad Heliográfica Española fue pionera en el fotograbado en España en 1875 y ya existiera en Madrid el primer grabador, Francisco Laporta Valor, en 1880, no será hasta el nacimiento del fotograbado ‘directo’ cuando se consiga dar ilusión no sólo de líneas (como el grabado a pluma) sino también de sombra. Este fotograbado directo, como hemos dicho, proporcionaba un clisé o cliché obtenido a través de una finísima retícula que descomponía las imágenes reales en miles de puntos de distinto grosor, y permitía imprimir una imagen ‘en grises’ que engañaba al ojo del lector.


(Detalles de cabeceras usadas en 1888 y 1889)
Los buenos resultados obtenidos animaron a probar también con el color. “La introducción del color en el fotograbado –dice Fontbona– estuvo a cargo de la casa C. Augerer y Guschl –ya presente en el fotograbado en blanco y negro desde 1883 en La ilustración ibérica–, cuyas tricromías aparecieron en 1888 en La ilustración española y americana y fueron publicadas más adelante por otras revistas (La ilustración artística, 1891).
Efectivamente, hemos podido constatar en los archivos de la Biblioteca Nacional en Alcalá de Henares que el número 47, de 22 de diciembre de 1888, de La ilustración española y americana comienza la publicación de suplementos en colores que no son otra cosa que láminas sueltas incluídas en el número ordinario de 24 páginas. Concretamente, son dos. La primera, un retrato del cardenal Lavigerie, un cuadro de León Bonnat que colgó en el Salón de París del mismo año 1888. La segunda, una composición alegórica titulada ‘El invierno’, a doble página. En ambas aparece al pie: Chromotypograuvere Boussod, Valadon et Cia, París, lo que no coincide exactamente con la anotación posterior de Fontbona respecto a la autoría.
De cualquier forma, en la segunda página del ejemplar referido (la 362 según numeración) se explica lo de ‘Nuestros suplementos en colores’ y se dice textualmente: “Deseosa la empresa de La ilustración española y americana de corresponder el creciente favor con que el público acoge sus tareas, distribuye con el presente número, que consta de ocho páginas más de las diez y seis habituales, dos láminas en cromotipografía, primeras de una serie que tenemos dispuesta, en obsequio de nuestros consecuentes abonados”. Acto seguido pasaba a explicar el contenidos de estas.

(Número 2 de La Ilustración Española y Americana del 10 de enero de 1870)
La ilustración española y americana había nacido en 1869 y con una combinación de noticias de actualidad, divulgación artística, literaria, histórica y científica alcanzó hasta 1921. Publicaba habitualmente grabados por línea en blanco y negro –la mayoría xilografías– que en algunas ocasiones apuntaba como sacados “de fotografía”.
Efectivamente, Eliseo Trenc apunta, cuando habla de la tipología de las ilustraciones del XIX, que la reproducción de la imagen xilográfica de madera a la testa “se hace, en una primera etapa, a partir de dibujos originales, y en una segunda etapa, a partir de fotografías que se logran reproducir directamente sobre la madera” (Trenc, 1996: 63).
Conviene destacar en esta publicación la participación del dibujante Josep Lluis Pellicer, autor de multitud de dibujos, croquis y apuntes y que pasó por ser un señalado reportero gráfico, aunque cultivó también el género joco-serio.


(Reproducción de acuarelas del pintor italiano Marchetti, del 8 de septiembre de 1889)
Cuando inicia la reproducción de grabados a color, La ilustración española y americana es una publicación semanal con formato de 285 x 400 milímetros y una caja o mancha de 236 x 350 milímetros dividida en tres columnas de 76 milímetros y dos corondeles vistos de 4 milímetros mucho más finos que los habituales en prensa diaria. Tiene una confección eminentemente vertical que, no obstante, introduce grabados entre el texto de algunas páginas. Otras son solamente tipográfica y muchas se arman con una imagen de arriba a abajo y un pie que la identifica.
A veces, se permite el lujo de introducir pósters a doble página en las centrales. Concretamente el número 35, de septiembre de 1888, incluye un desplegable del puerto de Barcelona que ocupa más de cuatro páginas del periódico en xilografía. Habitualmente, los grabados tenían una relación directa con las informaciones.
Volviendo al tema del color en La ilustración española y americana, es el mismo Fontbona quien apunta que “los sucesores de Goupie-Boussod, Valadon y Cia, potente firma dedicada al comercio del arte y que difundía reproducciones de obras de los artistas contratados por ella, también colocó fotograbados en color en revistas españolas” (Fontbona, 1996: 71) y hace referencia de nuevo a La Ilustración española y americana de 1890.


(Portada y página interior de Album Salón, del 16 de abril de 1898)
Asimismo, Fontbona cita a Josep Thomas, que “introdujo también en fotograbado el color autóctono que explotó en La ilustración catalana (1890) y en La ilustración artística (1891), “tendencia que llevaría algunos años después –dice Fontbona– a la primera publicación que se anunció como ‘la primera revista española ilustrada en colores’, es decir, la revista barcelonesa Album salón que aparecería entre 1897 y 1907”.
A finales del siglo XIX, las revistas ilustradas sufren una transformación importante, ya que incorporan el grabado en color junto con el reportaje fotográfico. En Album salón se puede apreciar este maridaje entre el dibujo y la fotografía. Probablemente, esta revista barcelonesa fue la publicación ilustrada con mejor calidad de color de su época. Sin embargo, la quincenal Album salón –como asegura Pilar Vélez– “estaba reproducida en cromolitografía, la misma técnica que usaban los carteles publicitarios” (Vélez, 1996: 81). y cita como grabador a Josep Roca. Por último, insiste en “que fue una de las publicaciones mejor ilustradas, en cuanto al color se refiere, de su época”.

(The Coloured News)
Valeriano Bozal escribe que “las publicaciones del tipo de La Ilustración Española y Americana pronto vieron aparecer un competidor en revistas que se movían a medio camino entre el magazine y el periódico ilustrado literario con algunas notas de humorismo. Tal fue el caso de Pluma y Lápiz (Barcelona, 1893), primero con ilustraciones en «tipolitografía» y después con fotograbados, que contó con las firmas de Pellicer, Cilla, Labarta, etc., y reprodujo obras de Aguasot, Muñoz Degrain y diversos autores extranjeros. También entran dentro de esta tendencia los célebres Madrid Cómico (...) y Blanco y Negro (...)” (Bozal, 1979: 183).


Bibliografía
-BOZAL, Valeriano (1979): La ilustración gráfica del siglo XIX en España. Madrid: Ed. Comunicación.
-FONTBONA, F. (1996): ‘Las Ilustraciones en España’, en La prensa ilustrada en España. Las ilustraciones 1850-1920. Montpellier: Université Paul Valery.
-SEOANE, María Cruz (1983): Historia del periodismo en España 2. El Siglo XIX. Madrid: Alianza Universidad Textos.
-TRENC BALLESTER, E. (1976): Las artes gráficas de la época modernista en Cataluña. Madrid: Ediciones Forja S. A.
-VÉLEZ, P.: (1996): ‘Las ilustraciones y la nueva encuadernación industrial: el grabado sobre metal, base de la nueva encuadernación’, en La prensa ilustrada en España. Las ilustraciones 1850-1920. Montpellier: Université Paul Valery.

Si una imagen vale más que mil palabras; la infografia, ¿cuánto vale?

jaime serra
Le propusimos escribir sobre creatividad e infografía. No siempre éstas dos variantes se han asociado en alguna pieza visual, en algún periódico. Él es infógrafo de Agence France Presse (AFP)
MAIZ (Por Anibal Maiz Caceres) El fin primero de la infografia es la de informar. Pero informar a través de un gráfico cualquiera puede dar a conocer una información. Basta con hacer una tablita con Excel (e incluso con Word o Powerpoint se le puede agregar ilustraciones) y listo: tenemos un gráfico de barras, unas curvas o un gráfico circular que nos ilustran sobre una información. Eso sí, estos gráficos están carentes de vida, de alma y de gracia. Son barras frías, rígidas.
El infografista va más allá: sin dejar de tener en la idea fija de informar, que es su misión primera, también tiene que hacer un grafico atractivo, con vida, con un alma que lleve al lector hacia ese lugar, que le dé ganas de informarse. De ahí la necesidad que una infografia sea también creativa.
Ya desde el vamos, cuando la infografia no es más que un boceto, muchos de nosotros infógrafos desparramamos creatividad en la hoja. Fluyen mil ideas y mil maneras de representar esa información de la mejor manera. (Aunque muchas veces, esas ideas se ven frenadas por obtusos editores, a los cuales sólo ven la noticia o lamentablemente, la posibilidad de rellenar un espacio en blanco en una página con una infografia).
La creatividad se da en dos sentidos: En la forma de expresar la información en el gráfico, de manera clara, original y atractiva, jerarquizando la información, usando colores, formas y todos los recursos gráficos que se necesiten. Esto sería el “cómo”
En la técnica usada para hacer la infografia: collages, fotos, técnicas de pintura, lápiz, uso de maquetas, modelos, etc. Esto sería el “con qué”
La limitación de los espacios que se disponen para realizar la infografia también es un factor más al que se enfrenta con creatividad. Hacer una buena infografia en un espacio reducido es todo un desafío al que me enfrentaba a diario en la AFP.
La creatividad en la forma de hacer infografías es algo indispensable, teniendo en cuenta que se tratan infinidad de temas que van desde los más complejos como puede ser explicar un tema científico, hasta los más sencillos como pueden ser los gráficos de barras. En todos los casos el infógrafo debe usar todo su talento y creatividad para poder informar, dar a entender algo a la todo el mundo, tanto a la persona más culta como a la menos. Por eso, tampoco hay que abusar de los recursos que disponemos. Nunca la ilustración debe de ser más importante que la información que se intenta dar. Hay que darle prioridad a la comprensión antes que a la interpretación. Cuanto más compleja sea la información que se quiere transmitir, más clara debe de ser la infografia.
Como en toda receta, para hacer una buena infografia hay que poner la buena cantidad de ingredientes.

A modo de ejemplo; recuerdo haber visto en un libro de infografia un gráfico de National Geographic sobre el valle del Nilo y cómo se había hecho. Lo que más llama la atención fue que más allá de que fue hecho combinando técnicas de pintura, dibujo a lápiz y fotos; el autor (Greg Harlin) utilizó fotos de modelos reales para recrear personajes del antiguo Egipto, que luego integró en el gráfico. Resultado: una infografía altamente atractiva, equilibrada y por demás clara.
Otro: el gráfico sobre el reparto de las riquezas de Jaime Serra, hecho usando un pan real para mostrar los porcentajes es otro gran ejemplo de la creatividad al servicio de la información, que además involucra al lector directamente con el tema.
Estos son sólo unos ejemplos, hay muchísimos más y todos muestran una gran creatividad y talento por parte de su autor o autores.
La creatividad, así como el talento, profesionalismo y rigor del infógrafo son los ingredientes que la van a dar vida y atractivo a una infografia, lo que van a hacer que cumpla con su objetivo: Informar.
“Si una imagen vale más que mil palabras; la infografia que conjuga ambas cosas, ¿cuánto vale?”

14.7.09

Último momento: Nace Tipográficamente, el blog de tipografía de Visualmente

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Era el pedido de muchos. Un lugar para la tipografía, ordenado por preferencias tipográficas de los mejores diseñadores del mundo. Lo que empezó siendo una sección de VisualMente hoy se convierte en otro blog, con vida propia. Porque Tipográficamente tendrá secciones relacionadas con las tipografías y nuevas opiniones de diseñadores.
Además, lo que le faltaba a la sección lo tendrá el blog. A través de las etiquetas al final de cada post, el lector tendrá una forma fácil de acceder a las opiniones tipográficas dividas por tipografías.
Antes de comenzar con las nuevas opiniones te dejamos este repaso por lo que se dijo sobre las tipografías, con pasión, con bronca, con vehemencia. Las primeras 100 frases de los primeros 100 profesionales de todas partes del mundo.
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Y creo que he bebido más de 40 cervezas hoy

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Los españoles de Los Toreros Muertos se hicieron famosos por una composición musical que hablaba maravillas de la cerveza en cantidad. Como te lo habíamos adelantado en nuestro post de comienzos de julio, una sorpresa para compartir con los amigos se estaba acercando. Hoy Heineken (la cerveza que toma El Norbi) ha querido apostar a un nuevo canal para desarrollar una acción publicitaria, aprovechando la cercanía del día del amigo. La estrategía elegida por la gente de Ogilvy Interactive ha logrado unir semejante fecha con el lanzamiento del poderoso KEG, con cinco litros de cerveza.
Esta acción, sostienen, se llevará a cabo desde Facebook, donde los usuarios tendrán que hacer lo que hacen en Facebook: armar un grupo. Esto tan simple y tan común en las redes sociales tendrá su reconocimiento. Se premiará cada 3 días con un KEG al administrador del grupo con mayor cantidad de usuarios (si el grupo ganador supera las 100 personas, se le darán 2 KEGs al administrador).
Pero la cosa no termina ahí. Como la idea es que los grupos ganadores sigan participando, serán invitados al VIP de Crobar (donde El Norbi expuso su obras de arte digital) para disfrutar de una noche con toda la cerveza gratis que el administrador del grupo ganador y sus 15 amigos más queridos puedan tomar.

11.7.09

Exclusivo: Hablamos con Malika Favre y Anne Brassier, de la inglesa Airside

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(Anne Brassier es la primera empezando de la izquierda, mientras que Malika Favre es la quinta, enfundada en su remera negra)
Mientras que muchos blogs replican una y otra vez el alfabeto creado por Airside para la revista inglesa Wallpaper de este mes, nosotros le hacemos un reportaje a su creadora, la francesa Malika Favre, en exclusiva. Con ella, y con la inglesa Anne Brassier, hablamos de todo lo que significa trabajar un tema que para varios latinos todavía es un tabú. Todo lo que tenga que ver con lo sexual, con el desnudo femenino, todavía es rechazado por ciertas comunidades del continente, mientras que en Europa es parte de la cultura popular, como sostiene Favre. "In England, or even France where I come from, sex isn’t really taboo anymore; or at least I would like to believe so..."
entrevista"Movies can be very explicit over here and openly explore our relationship to sex in the current society, we see a lot of pornography in popular culture. I would say that London is a place where designers can express themselves very openly and without any taboos. When I came up with this font, no one perceived it as crossing a line, it was just a sexy, almost abstract, experiment that somehow fell into what Airside is about. However, there is a thin line between creating something overtly pornographic and something erotic & sensual, where what you guess is more important than what you actually see. I feel strongly that our font belongs to the latter", agrega la diseñadora francesa.
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(Parte de la tipografía de Favre, basada en su anterior Alphabunnies )
How was the creative process to make this font? (Who is the font?)
It all started with the Hybrids print – a pair of cat-lady lesbians influenced by Egyptian mythology that I designed for the Airside Shop.
When I showed them to my fellow Airsiders everyone seemed excited about it (especially the boys of course…). The consensus was that there was something worth exploring here. So I did.
Next I was drawing some naughty bunny-ladies when Guy (one of the designers ) noticed that some of them really looked like letters. So I started working them into letter-shaped sexual positions and a couple of weeks later the Alphabunny alphabet was complete. Wallpaper saw the print and decided to commission us to do something for their Sex and Art issue along these lines. I wanted to push the first alphabet further and explore new ways to create the letters so I worked from the “G” (that I loved) and designed a whole new set for them.
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(Lo que faltaba de la tipografía de Favre)
Why do you think the sexual has not been taken into account by typographers to create fonts?
Shaping sexual position into letters has been done a lot actually. But if I’m honest. sex and letters are rarely a tasteful combination. It often ends up being something that feels too forced, and often clichéd and vulgar. The wallpaper Pin-Ups font and the Alphabunnies are more of an illustration experiment than a functional font. The negative space of the body is what makes it interesting and new.
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(Poderosos bocetos de la tipografía para Wallpaper)
Should there be more sexy fonts out there? If it is done in an interesting way, sure, but there needs to be a reason for it. Why there have been only fonts with sexual situations between women?
That’s a good one… hum… how can I reply to that without sounding like a feminist… I like drawing hips and curves more than 6-packs! But I definitely intend to explore a male alphabet at some point. Don’t get me wrong, men are gorgeous, but women are softer and more pleasing for the eye and mind in that particular context. On the practical side, the use of tights and gloves as what shapes the letters would not work with boys : )

How have your clients reacted to such an interesting building?

Our clients tend to be very open-minded. They come to Airside because they want us to bring our quirkiness and humour into their brief. Probably not all of them have seen the Wallpaper piece, but the ones who have appreciate the fact that we are not scared of expressing ourselves on self-initiated projects.
I guess as long as we don’t try to answer every brief with naked Amazonians, they will respect the fact that we like to push the boundaries of what we do.
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(Más bocetos de la tipografía)
You had already worked on a similar theme?
A couple of years ago we had this Tea Party screenprint, designed by Richard Hogg, that Airside also gave away as a downloadable screensaver. That was a very sexy animated piece. Also we contributed to Grafuck in the early years of the magazine. Airside always had a soft spot for kinky illustrations.

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