Lo Mejor 2012: Cómo hacer arte con 35.000 subtepass de New York

Las redes y los portales explotaron con esta especie de arte povera (del italiano "arte pobre"). Esa especie de vanguardia que se había dado a conocer a finales de los sesenta, y cuyos creadores utilizan materiales considerados 'pobres', de muy fácil obtención, volvía a tener plena actualidad con el arte de la alemana Nina Boesch. Ella no había tenido mejor idea que usar los cartones de los viajes en el subte de Nueva York para hacer ilustraciones terriblemente realistas. Y Visualmente habló con Boesch, en un reportaje exclusivo, que te ofrecimos el viernes 24 de agosto pasado.
La alemana Nina Boesch se graduó en el prestigioso RISD (Rhode Island School of Design) en 2006, con honores. Su trabajo ha sido honrado por el Art Directors Club, el Type Directors Club, Adobe y AIGA. Pero se ha hecho famosa casi por casualidad. Hace 11 años, Boesch llega a Estados Unidos por un programa de intercambio. Tenía poco dinero y quería hacerle un regalo a la familia que pensaba hospedarla en New Jersey. Lo único que tenía en sus bolsillos eran los MetroCards utilizados. Así que les hizo un mapa de los Estados Unidos con los recortes de esas tarjetas de cartón. Si querés ver esa técnica en detalle, entrá ahora a Chillartpara ver la cara freak del cómico norteamericano Conan O'Brien. A continuación, en exclusiva para Visualmente, Nina Boesch nos cuenta qué hizo con las 35.000 tarjetas de subte que ha cortado hasta ahora.
1. How did the idea of making collages with NY Metro cards?
When I first came to the U.S. from Germany I kept my MetroCards after every ride. After about a year, I had collected so many cards that I felt like I needed to find a purpose for them. I also needed a gift for my host-family and was on a very limited budget. So I simply cut up my MetroCards, sorted the little pieces by colors and create a collage of a U.S. map, which I framed and gave to my host-family as a present. They loved the idea and motivated me to create more collages like that.

2. How is the process of working for one of the works, for example, Woody Allen?
First, I create a pencil drawing of the motif I would like to turn into a collage. A very rough outline drawing... nothing too detailed. As a base I use all kinds of surfaces: canvas, canvas board, paper, wood, acetate, etc. And then I start glueing the small pieces of cut-up MetroCards onto the pencil drawing. The process feels like a combination of painting and doing a jigsaw puzzle, because I fill in the pencil outline with colors I think may look good. Oh, and I pre-cut all my MetroCards before I even start a collage. I keep the small pieces in buckets separated by color.

3. What is the image that you liked best and why?
I create a larger-than-life pigeon at 40x30 inches. I don't like pigeons in real-life but as a collage made from MetroCards they are very iconic... very New York, you know?

4. What is the image that you did not like and was completed and why?
I created a collage of a friend's mother once. I felt a tremendous amount of pressure getting the portrait right. My friend's mother had passed away a year before, so it was very important to me to depict her the way she really was – kind, lovely, beautiful. In the end, I liked the portrait a lot and my friend loved it, too, but the process of creating the collage was too much pressure.


5. How comes the cover of The New York Times and how long it took to make it?
Unless I am creating custom artworks for people, my collages all relate to the city. All my motives have a hint of "New York" in them: Woody Allen, Audrey Hepburn, the Brooklyn Bridge, the Pigeon, the Guggenheim Museum, etc. Even an eye-chart collage I created a while ago spells out the five boroughs or New York. Sometimes you need to look twice to see New York in the collages, but you will. Obviously the New York Times is a very iconic part of the city. It is a globally recognized paper, so why not make it out of MetroCards? It is only 11.5 x 15.5. inches in size but it took me about 20 hours to create it. Cutting out the black font from the magnetic strip of the MetroCards was very time-consuming.


6. Some of his works are typographical, something not very common in artists. Why you are encouraged to work on fonts?
I studied graphic design at RISD (Rhode Island School of Design) and my favorite courses were always the typography classes. It is difficult to get the fonts just right and to make them work in the overall design. To cut out custom letters from magnetic strips of MetroCards is of course a tedious kind of work, but I enjoy it. The collage-technique is much more forgiving than a printed typographic design. In my collages, letters can have uneven edges – it makes the design more interesting instead of less appealing.

Lo Mejor 2012: Te presentamos la Ren & Stimpy Type

En agosto, All The Pretty Colors, estudio de diseño con base en Austin, Texas, se sacó el gusto e hizo una fuente basada en la estética bizarra de las series animadas Ren & Stimpy y Aaahh! Real Monsters, pensamos en una entrevista. A continuación, en exclusiva, Nathan Walker nos cuenta todo.
Él no es un tipógrafo consagrado. Pero el norteamericano Nathan Walker ha saltado a la popularidad por inventar una tipografía basada en la estética bizarra de las series animadas Ren & Stimpy y Aaahh! Real Monsters.
Desde su estudio All The Pretty Colors, con base en Austin, Texas, Walker nos cuenta cómo se le ocurrió crear la Alphabetcha y armar una letra N con una pierna que deja ver la punta del femur.

1. How did you come to a font where the letter N is transformed into a broken leg bone showing?
The alphabet came about while sitting in a medical school library with my girlfriend while she studied. I had always wanted to create the alphabet in what I consider my style, and I needed to do something to pass the time, so I just started sketching. The sort of drippy mouths, tongues and body parts tend to come naturally when I'm sketching, so it was just a matter of shaping that into letters.

2. How long did it take to complete the alphabet and the letter which was more complex to achieve?
I worked on the alphabet whenever I had free time in between my full time job and freelance projects. Overall, it spanned over 4 months of slowly chipping away at each letter. There wasn't necessarily one letter more complex to work on than others, but for some reason I kept putting off working on the letter F. It just didn't feel like a fun letter to think about, so I just skipped over it until I was ready.

3. How did the process work? First did pencil drawings and then you went to Illustrator?
All my vector illustrations start off as rather loose sketches with a pencil and paper. I sketched A through M first, minus F, then scanned it to my computer. I took that into illustrator and started to outline the shapes and give it some color. Whenever I would get tired of working on the computer, I would get the sketchbook out and start illustrating the second half of the alphabet. It definitely helped to break the project up so I wasn't staring at the computer all the time.

4. What inspired you most of the animated series Ren & Stimpy?
I was really inspired by the shapes and roundness of the characters. It all seemed rather soft and mushy. I think that helped to enhance the gross feeling the show exuded.


5. What is the letter did you like drawing? Why?
Letters B and G are probably my favorite. I like the level of creativity in them and they easily came together when I put the pencil to the paper. Plus, it's always fun to draw mouths and tongues. The ampersand is another good one. I'm working on creating a series of different ampersands in my free time. It's just a matter of finding the time!

Lo Mejor 2012: Te animás a conocer al dueño de The Haunted Legs?

Fueron el fenómeno de las redes sociales en julio. Unas piernas embrujadas que corrían por todos lados y nadie sabía a quién pertenecían. Su creador, el ilustrador norteamericano Brian Cook nos contó todo, en exclusiva para Visualmente, el primer medio latino que lo entrevistó.
Dice que viene de una familia de artistas de circo, que nació en 1984 y que perdió una pierna. Su historia es tan misteriosa como su última creación. En las redes sociales no se ha parado de mostrar las viñetas diarias de un par de piernas bastante misteriosas. Lo cierto es que el norteamericano Brian Jubtankarious Cook viene dibujando sin pausa una historia que las tiene como protagonistas absolutas hasta el 31 de julio. Hoy, Visualmente te ofrece en exclusiva el reportaje que le hicimos ayer a Cook, con detalles únicos de la tira, que nadie sabía hasta ahora. Once preguntas y sus correspondientes respuestas en castellano, y los primeros bocetos de The Haunted Legs. Si querés conocer los primeros bocetos entrá ya en Chillart.. Alucinante.

1. Cómo nace la idea de The Haunted Legs?
La idea de "Las Piernas Embrujadas" se me ocurrió de la nada. Como no tenía ningún papel en ese momento, lo garabateé más o menos en una pizarra de borrado en seco y luego le tomé una foto con mi iPhone. Yo había visto un montón de historias de fantasmas sin cabezas que flotaban alrededor de las personas, pero nunca había oído hablar de una historia que se haya centrado en las piernas, que habían sido cortadas.

2. Quién se supone que está detrás (o, mejor dicho, por encima) de esas piernas?
No tengo intenciones de revelar a quién pertenecen esas piernas. Bueno, por lo menos en el corto plazo. Hasta ahora nunca he dibujado ese cuerpo mutilado.

3. Cómo es el proceso creativo para crear cada caricatura diaria?
Por lo general dedico algo de tiempo en la mañana para hacer un par de garabatos. Puedo llegar a hacer media docena de bocetos que pueden o no terminar en viñetas reales. Suelo seleccionar las más prometedoras y redibujar hasta lograr un poco más de detalle. Guardo un lápiz conmigo en todo momento, porque he aprendido que no puedo saber, a ciencia cierta, cuando una buena idea va a estallar en mi cabeza. Mi estudio está tapado con los dibujos de las piernas cortadas que he hecho hasta en la parte posterior de los recibos y varias servilletas.

4. Qué nunca le van a pasar a esas piernas? ¿Por qué?
Usted sólo tendrá que esperar para averiguarlo!


5. Cuál ha sido la historia (o día) que más te ha gustado? ¿Por qué?
Uno de mis favoritos ha sido el día 15 (el museo de arte). Pero he descubierto que todo el mundo parece tener un favorito diferente. Eso es bueno!


6. Y cuál ha sido la historia (o día) que menos te ha gustado? ¿Por qué?
Yo diría que uno de los que menos me ha gustado ha sido el día 21, cuando las piernas embrujadas parecen demasiado cortas en el parque de diversiones. Lo siento por ellas.

7. A quiénes reconocés como tus maestros o simplemente influencias artísticas?
Mis influencias artísticas? Yo soy un gran fan de los dibujos animados y cómics. Algunos de mis artistas favoritos absolutos que incluyen: Chuck Jones, Carl Barks, Don Rosa, Edward Gorey, Tim Burton, NC Wyeth y Chris Sanders. También amo cualquier dibujo animado clásico de los años 50 y 60.

8. Cómo solés trabajar técnicamente hablando? Dibujás primero a lápiz y después vectorizás en Illustrator?
Las ilustraciones de las piernas son, básicamente, hechas en forma tradicional. Boceto a mano. Yo a menudo publico algunos de esos bocetos en mi Instagram (@ chengui). Luego escanéo cada dibujo y si definitivamente ajusto los niveles en el Photoshop, así como añado el texto. Para la cubierta de color he seguido el mismo proceso y luego lo he llevado al Photoshop para pintarlo.

9. Cuánto tardás en hacer las historias de The Haunted Legs?
La casi mayoría de ellas han sido hechas de una sóla vez. Después de resolver todos los problemas en el boceto, el dibujo final es bastante fácil de hacer. Sólo hay un par que mucho no me gustaban y que me obligaron a replantearlas.


10. Tendrá un final feliz la historia de las piernas embrujada?
Estoy trabajando en este preciso momento en el final. En el momento en que vos leas esto ya será un hecho! Mi objetivo con este proyecto fue el reto que me creaba algo todos los días, por lo que nunca entró en mi cabeza armar un plan general. Ahora que el proyecto está empezando a concluir estoy pensando en llevarlo a una conclusión satisfactoria. Vas a tener que leer por ti mismo para responder a esta pregunta!


11. Qué sucede después de que el proyecto llegue a su fin, el 31 de julio?
Las piernas ya han recibido comentarios tan positivos que voy a estar un poco triste cuando el proyecto termine. No estoy seguro de lo que sucederá. Mi objetivo original era dar color a todas las páginas y armar un libro. I've also thought about doing a small "encore" story. I'd think it's safe to say that you haven't seen the end of The Haunted Legs yet! Stay tuned to www.briancook.net/hauntedlegs for updates!

Lo Mejor 2012: El toro que enfrentó a The Economist

Cuando vi la portada de la publicación inglesa, en julio pasado, me dolió por su gente. Pero me gustó la rápida reacción de quien no está derrotado haciendo que la portada original cambiara totalmente de sentido. Y cuando ví que ese Rocky ibérico era el responsable visual del diario deportivo español Marca, José Juan Gámez Kindelan, no lo pensé dos veces y le pedí que me contara, desde las tripas, cómo llegó a semejante síntesis creativa en medio del dolor.

(Por José Juan Gámez Kindelan) Me disponía a irme a la cama cuando decidí echar un último vistazo al correo, facebook, etc... Mientras que deslizaba el dedo sobre el ratón, analizando lo más reciente de 'inicio' en Facebook, me llamó la atención una publicación de JuanRa Martín: la portada de agosto de The Economist. Mi primera sensación fue negativa. No me gusta ver ese juego facilón de palabras, donde se estaba jugando con el 'dolor' y el tópico del toro, y menos, en estos momentos... Y menos, viniendo de The Economist. Sin perder un segundo, copié la imagen y la pegué en ese programa de transmisión visual que se llama Photoshop (también 'creo' que sirve para retocar imágenes). El efecto de movimiento de la letra 'S', la parte dinámica de la ilustración, me ayudó a sintetizar el mensaje: antes de 5 minutos el toro corneaba la letra, situándola de nuevo en su sitio, de donde nunca debió escapar. Varita mágiica ( tolerancia 40), motion blur, warp y unos cuantos desplazamientos y 'copipastes' y ya está. Aquella portada tan negativa tenía una respuesta visual y optimista, colocaba las cosas en su sitio... De dónde nunca debieron escapar.

Lo Mejor 2012: Infógrafos unidos en Córdoba

Durante los días 1 y 2 de junio se realizó en la ciudad de Villa María, Córdoba, la Primera Jornada Regional de Diseño e Infografía, organizada por El Diario, medio cooperativo más importante de la región mediterránea. Serán dos días para compartir experiencias de trabajo, además de organizar talleres con los trabajadores y la comunidad. Las presentaciones estuvieron a cargo del Jefe de infografía del diario Clarín, el uruguayo Alejandro Tumas ( Primeras Jornadas Universitarias sobre Diseño de Información); el gran salteño Luis León Yong, del diario cooperativo Comercio y Justicia de Córdoba; del Jefe de Infografía del diario La Voz del Interior, el cordobés Juan Colombato ( Terceras Jornadas Universitarias sobre Diseño de Información); el Director Académico de la Carrera de Diseño de Multimedios en Colegio Universitario IES, el cordobés Arturo Moya, y El Norbi. La entrada al evento había sido un alimento no perecedero para institución de bien público. A continuación, parte de lo que fue el evento. Como parte de la Primera Jornada Regional de Diseño e Infografía, organizada por la Cooperativa de Trabajo Comunicar, editora de El Diario, y la Universidad Nacional de Villa María, El Norbi (junto los editores de infografía de Clarín, La Nación, Comercio y Justicia y La Voz del interior) realizó un taller de infografía para estudiantes de varias instituciones universitarias, entre ellas la Universidad Nacional de Villa María. Nuevamente, el desafío estaba en la integración del colectivo que, a diferencia de otras experiencias de capacitación, casi la mayoría eran estudiantes de diseño y artes con muy poca formación en periodismo visual. Si a esto se le suma que no existía entre los instructores de la actividad una única visión de lo que es la infografía, la cosa se complicaba un poco más. Ya la discusión se encontró planteada durante las intervenciones previas, donde cada profesional simplemente debía presentarse ante el público que superaba el centenar. Así, Alejandro Tumas de Clarín, Alejandro Bogado de La Nación, Luis Yong del Comercio y Justicia, Juan Colombato de La Voz del Interior, y El Norbi de Tiempo Argentino, delimitaron los bordes de la cancha donde se iba a jugar el partido. Pero más allá de las poderosas intervenciones de los editores de infografía de los diarios Clarín, Comercio y Justicia, La Nación, La Voz del Interior, y Tiempo Argentino, el sentido de las jornadas fue la devolución de la gente. Y la devolución de la gente es muy fácil de obtener en un taller. Porque lo que ellos hicieron con sus trabajos es una segunda forma de descifrar si se entendió o no. Se dice que la primera forma radica en las preguntas. Los estudiantes se reunieron desde temprano en las instalaciones del diario cooperativo esperando las consignas para trabajar y la primera sorpresa no se hizo esperar. La casi totalidad de los que habían asistido en la primera jornada del día viernes fueron de la partida en el segundo día. Luego de recibir los lineamientos para trabajar, todos se dirigieron como en una procesión laica hacia el altar sagrado del templo periodístico. Es que los organizadores no tuvieron mejor idea que armar el taller en las entrañas mismas de la bestia que escupe papel entintado, la imprenta. Por todo esto, los trabajos de los catorce equipos funcionaron como una especie de plegaria elevada a los cielos de la infografía, sin perdón.

Lo Mejor 2012: Casciari habla de todo (gracias a Chappa)

Clic sobre la frente de Hernán para ver la imagen completa en tamaño original.

(Por Julián Chappa)

Comenzamos con una breve introducción para quienes no conozcan Orsai ni a sus creadores. Para aquellos que ya estén al tanto… «ruedita» del mouse hacia abajo, directo a la entrevista.

  

¿Qué es Orsai?

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«Hernán Casciari y Chiri Basilis, dos pibes

de Mercedes que soñaban estar en Orsai»

Hace 30 años dos pibes de Mercedes soñaron despiertos durante muchas siestas de pueblo. En la sabiola les merodeaba una revista. Hoy, miles de siestas después, ese sueño a dúo de Hernán Casciari y Chiri Basilis se puede ver, tocar, leer y oler. Se llama Orsai y es una revista literaria sin publicidad que se vende en 20 países.

Un viejo sueño de dos pibes de la era analógica se hizo realidad gracias a Internet, que les permitió volver al futuro que soñaron, haciendo una revista en papel que se vende por Internet. El sueño del pibe. De los pibes. Esos dos pibes que ahora son inmigrantes digitales de cuarenta, que además fueron inmigrantes de carne y hueso en España.

Orsai ya es el buque insignia de un Proyecto. Así, con mayúsculas. El proyecto ya incluye revista, editorial, bar, pizzería y quién sabe qué más en el futuro. Ese futuro que siguen soñando como hace 30 veranos. Orsai es una utopía real que se retroalimenta día a día. Un sueño de la era analógica hecho realidad en la era digital a fuerza de talento y trabajo. Pero, sobre todo, de creer que se puede.

 

¿Qué es la Casciarización editorial?

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«Hernán Casciari y el cambio de paradigma

 en el mundo editorial en idioma castellano»

Hernán Casciari es el fundador de Orsai, que nació como blog en 2003, como revista en 2010 y como editorial y bar cultural en 2011. El proyecto sigue avanzando y consolidándose día a día gracias a que sus lectores lo ha tomado como propio, como modelo de «lo que debe ser una revista literaria del siglo XXI».

La revista Orsai no tiene publicidad y se vende prescindiendo de la distribución tradicional. Cualquier persona, de cualquier rincón del mundo, puede convertirse en distribuidor de esta revista bimensual que se paga por anticipado y vende 5.000 ejemplares en papel en 20 países.

 

Entrevista

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Orsai tiene una implicación de la gente que ni todos los millones del mayor grupo editorial podría lograr, porque nace de una espontaneidad genuina. ¿Despertaste en la gente un espíritu crítico y comunitario dormido que ya parecía muerto?

No creo que haya mérito alguno en eso. Siempre la gente va a estar más involucrada con un proyecto amateur sin fines de lucro que con un proyecto profesional que cotiza en Bolsa. Sobre todo si encuentra en ese contraste una raíz parecida a sus ideas. Empiezan a haber muchísimos proyectos así, y es gracias a las redes de Internet.

¿Estás demostrando que otro mundo (editorial) es posible? 

Desde hace algunos años es posible darle una vuelta de tuerca a casi todo, porque empiezan a no ser necesarias ciertas intermediaciones. Los proyectos como Orsai (de acá a algunos años) solo se recordarán como el inicio de una transición que tenía que llegar sí o sí. En el ámbito editorial y en casi todos. Nosotros no estamos demostrando nada: los lectores están tomando una posición activa. Y los autores, de a poco, comprenden ese corrimiento.

¿Cómo empezó el viaje de Orsai dentro de tu viaje vital?

Orsai nació como un blog hace diez años. Cuando los blogs eran muy poquitos. Después sus textos se convirtieron en libros, cuando los libros nacidos de blogs eran poquitos. Después se convirtió en una revista sin publicidad, cuando esas revistas eran poquitas. Etcétera. La idea es siempre aventurarse, ver qué hay más allá, encontrar grietas divertidas por donde seguir. En eso, Orsai y yo nos parecemos mucho. 


¿Haciendo todo al revés llegaste a «Puerto Deseado»?

Si mi vieja pudiera interrumpir esta charla, te diría que «hacer todo al revés» es mi forma de hacer cualquier cosa. Tampoco hay mérito alguno en eso: hago todo al revés siempre. Y en el 90 por ciento de los casos me va muy mal. Pero pasa que cuando el diez por ciento sale bien, tiene mucha prensa.

¿Cuántos ejemplares vende Orsai? ¿En cuántos países?

Este año imprimimos seis mil. No hace falta más que eso para cubrir los gastos. Si bien Argentina y España son los dos países donde más se distribuye, la revista llega a 18 países más. Entre ellos, Senegal, Aruba, Islas Vírgenes Británicas y Nueva Zelanda, por nombrar algunos bien pintorescos.

¿Qué se vislumbra en el horizonte 2013 del proyecto?

Haremos una larga sobremesa con Chiri en octubre o noviembre, para unificar criterios. Él quiere que Orsai se convierta en una Universidad. Yo quiero que se convierta en un equipo de hockey femenino. Va a haber conflicto.

Al embarcarte en el viaje de Orsai te convertiste en editor, ¿cómo te sentís en ese rol? ¿Es una extensión de tu profesión de periodista, cambió en algo al Casciari escritor? 

Mi amigo Chiri, el jefe de redacción de Orsai, es mucho más editor que yo. Es él quien habla con los autores, el que los cuida y conversa los borradores con ellos, el que lee colaboraciones para ver si encuentra gente que nos guste, etcétera. Yo también lo hago a veces, pero mi rol de director del proyecto me dispersa en otras tareas: logística, anfitrionazgo en la web, distribución... No me siento editor. Ojalá pudiera dedicarme solamente a editar. Pero en esta etapa del proyecto soy una especie de orquestita de barrio: toco muchos instrumentos sin afinar en ninguno.

Te propusiste llegar a una especie de «masa crítica» de 5.000 suscriptores para 2012. ¿Cómo está funcionando? 

Empezamos abril de 2012 con 4.300 suscriptores anuales, es decir que nos faltan setecientos cristianos y ya cumplimos con nuestra previsión. Los conseguiremos antes de cerrar el semestre, por lo que la nueva web se pondrá muy interactiva. Cambia todo el proyecto cuando nos acerquemos a los cinco mil. Va a estar lindo. 

Algunos de tus seguidores de la primera época discuten el hecho de que ya no puedan adquirirse ejemplares sueltos. ¿Contemplás alguna opción para esa masa de lectores que están quedando fuera del modelo Orsai 2012?

Sí, claro: el PDF gratuito.

Año 2020. Falta mucho pero al mismo tiempo es mañana a la mañana. ¿Cómo imaginás que evolucionará Orsai y vos mismo dentro del proyecto, ¿tu rol de editor acabará por desplazar al de autor, que en definitiva fue el motor de todo esto?
  

No, yo creo que 2013 será, para mí, un año de escritura. Lo necesito. La evolución de Orsai como proyecto editorial dejará de llevarme tanto tiempo y trabajo. Lo que estamos haciendo ahora es trabajo invernal, para disfrutar después del verano. 

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Entrevista, diseño y texto: Julián Chappa (www.julianchappaeditor.com).

En www.editorialorsai.com pueden descargarse (legal y gratuitamente) todos los números editados hasta hoy. También se pueden descargar versiones de pago para Kindle y demás aparatejos modernos.