news:: J. L. Borges y los Wolverines que se bifurcan

(Por Norbi Baruch B.) El título de la película está mal. En la cinta que se estrenó hoy asistiremos a una verdadera obra coral con más de un Wolverine. Desde que Marvel descubrió que el recurso borgeano de los multiversos en el arte es un éxito seguro no ha dejado de explotarlo. Así que los que extrañaban a Hugh Jackman saldrán empachados con todas sus variantes.

A partir de ahora, todo lo que aparece en la infografía puede ser considerado spoilers. Hecha la advertencia, en lo que sigue encontrarán buena data sobre las ocho versiones del señor de las garras de Adamantium que aparecerá en la película, cuyo título debería llevar una “s” final. O sea "Deadpool & Wolverines".

En 1944, un escritor argentino llamado Jorge Luis Borges escribió, en el prólogo de uno de su libro "Ficciones", sobre lo que después, mucho después, sería algo muy de moda en las películas de superhéroes, los multiversos. Él se refería a las creencias de uno de sus personajes, o mejor dicho el bisabuelo del protagonista, quién podría haber aparecido tranquilamente en "D & W". El astrólogo chino Ts'ui Pên, el bisabuelo de Yu Tsun, el protagonista, "creía en infinitas series de tiempos, en una red creciente y vertiginosa de tiempos divergentes, convergentes y paralelos. Esa trama de tiempos que se aproximan, se bifurcan, se cortan o que secularmente se ignoran, abarca todas las posibilidades". Borges escribió el cuento "El jardín de senderos que se bifurcan", cuyo protagonista, el espía Yu Tsun, parece un personaje de la última película de Marvel. Esta obra fue la primera de sus obras en ser traducida al inglés, publicada en la revista "Ellery Queen's Mystery", en 1948.

Ahora, después de este breve interludio literario, conoceremos a los ocho Wolverines que aparecerán como parte de los senderos que se bifurcan: (no en ese orden)

1. Un mini W: El actual Presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, era ayudante de producción de la primer película de los "X-Men" cuando Jackman fue rechazado en el casting para ser Wolverine, por ser más alto que el del cómic (1,66 m. contra 1,99 de jackman). Por eso tendremos un Wolverine más enano, como parte de un chiste interno.

2. Logan (o lo que queda de él): La última versión del personaje fue la de la película de 2017, dirigida por James Mangold, basada con suma librtad y alevosía, en el cómic “Old Man Logan”(2008). Deadpool visitará su tumba.

3. Con bigotes: No podía faltar la versión clásica del personaje que apareció por primera vez en “The Incredible Hulk” #180 (1974), escrito por Len Wein y dibujado por Herb Trimpe, con unos pequeños bigotes de gato, muy ridículos por cierto.

4. Muy cool: Esta versión tiene el sello del mejor discípulo de Stan Lee, Grant Morrison, quien no sólo "rejuveneció" a los "X-Men", sino que creó a Cassandra Nova, la villana de la película.

5. Crucificado: En el cómic “Uncanny X-Men” vol 1 251 (1989), de Chris Claremont, padre moderno de los mutantes, y Marc Silvestri, Logan está crucificado en una gran equis de madera, durante todo el relato.

6. El viejo Logan: Poco tenía que ver la versión de Mangold con el cómic original. La idea que tenía su autor, Mark Millar, era que su héroe se pareciera a un cowboy llamado Clint Eastwood.

7. Patch (Parche): Esta versión terriblemente noir, ya apareció en el primer trailer del film, y se basa en el cómic creado por Claremont y John Buscema, en 1989. Vuelve en 2022, de la mano de Larry Hama y Andrea Di Vito, al mejor estilo James Bond, con el pañuelito rojo.

8. El nuevo: Esta será la variante que logrará conseguir Deadpool, en los senderos que se bifurcan. Será una totalmente nueva a todas las interpretadas hasta ahora por Hugh Jackman, donde él se sentirá culpable de la destrucción de su mundo. Nueva, pero su uniforme tiene mucha historia.

aniversario:: A 22 Años de Attaquen

(Por Norbi Baruch B.) Hace 22 años se publicaba ésta portada tipográfica, muy grunge, que había esquivado la censura interna, ya que trataba un tema que justificaba su utilización. En aquel momento trabajábamos en el diario "La Nación" de Buenos Aires, en el departamento de infografía. Pero como eramos periodistas teníamos la licencia de poder escribir, sin paga, por supuesto. Y también hacíamos las portadas del suplemento joven del diario, "Vía Libre", que se publicaba todos los viernes.

En 1998 empecé a hacerlas y hoy parte de dicha coleción se encuentra en nuestro blog. Ellas, en su momento, habían logrado el reconocimiento mundial de profesionales de los medios como Jeff Goertzen, Emilio Deheza López, Rodrigo Sánchez, Rick Nease, Roberta Bosco, Javier Errea, Eduardo Danilo Ruiz, Sergio Pecahna, Juan José Gamez, y Tim Frank, entre otros. Una alegría especial nos provocó el descubrir, en 2002, que también eran estudiadas en la Universitat Pompeu Fabra, en la Cátedra "Diseño Periodístico" del profesor Carlos Pérez de Rozas, Director Adjunto de Arte del diario "La Vanguardia" de Barcelona.

Esta portada no sólo fue una de las primeras portadas tipográficas que hicimos para el suplemento, sino que fue una de las primeras que hacíamos con este recurso. Antes nunca el diario había recurrido a semejante invocación visual. A nadie se le ocurría desafiar en su terreno natural, las portadas, al lobby fotográfico de la institución centenaria.

Pero un suplemento que conceptualmente apuntaba a la experimentación, a lo nuevo, a lo joven, no podía dejar de transitar este camino novedoso. Un pretexto temático nos ayudó a apurar la cuestión. Es que para los meses posteriores de la gran crisis argentina del 2001, las giras de rock por Europa se habían convertido en la tabla de salvación económica para muchos músicos y bandas nacionales.

Así, una de las primeras portadas tipográficas que hacíamos para el suplemento, que saldría hace 22 años, el primer viernes de agosto de 2002, buscaba contar visualmente, y en forma muy rústica, las giras de tres bandas argentinas (Attaque 77, Pequeña Orquesta Reincidentes y Karamelo Santo) por Berlín, post-devaluación nacional.

Siempre la primera opción para resolver una portada en un diario tiene que ver, inequívocamente, con recurrir a una foto de la banda en cuestión en alguna de las siguientes versiones: 1) Típica foto de archivo; o 2) Instantánea del recital. En este caso teníamos seis posibilidades para armar una portada correcta, pero optamos por una tipográfica. Para completar semejante apuesta a la locura (ya teníamos el no por lo tipográfico) buscamos ser mucho más conceptuales y escribimos toda la portada en alemán. Desde el título grande del afiche (Eurapäische Tour, Südamerikanische Musikfest), hasta las descripciones de cada una de las tres bandas, para que el público germano supiera que hacían las mismas, tuvo el aporte idiomático de Ricardo Bruckner, del departamento de corrección del diario.

Gracias a nuestro imaginario afiche, los habitantes berlineses se enterarían que Attaque 77 es una banda de Argentinische Punk, o que la Pequeña Orquesta Reincidentes hacía un espléndido Neu Tango, sin olvidarnos de los mendocinos de Karamelo Santo, un verdadero Lateinische Gruppe.

news:: Batman hecho en QR Code

(Por Norbi Baruch B.) El 12 de enero de 2012 publicamos el producto final de un experimento visual muy rupturista. Nos pusimos a estudiar las posibilidades estéticas, cuasi pictóricas, que podría tener un QR Code. Hoy, post pandemia, todos saben lo que es un QR, pero en aquel momento nadie lo conocía y menos lo usaba, ya que pertenecía al críptico universo de los códigos industriales, como su primo el Código de Barras.

Es que el QR Code (abreviatura de Quick Response Code) es tan visualmente cool que para algunos parece casi una especie de Kanji (汉 字) extendido. Bueno, de hecho su nacimiento tiene mucho que ver con los sinogramas utilizados en la escritura del idioma japonés. El Kanji es el que tiene los caracteres tradicionales, mientras que los Kana, son los dos silabarios del idioma japonés (para los términos o nombres de origen extranjero que no poseen representaciones en kanji). Y es que en un idioma que se lee en vertical y posee tres escrituras (kanji, kana y romaji, es decir, el abecedario latino), el código de barras clásico se quedaba muy corto.

En otras palabras un código QR es básicamente un código de barras más sofisticado. Un clásico código de barras puede almacenar hasta 20 caracteres alfanuméricos de forma horizontal. El problema es que no sirve para los caracteres kanji o kana que se usan en Japón. La información es vertical y además no entra, o necesitaríamos, como mínimo diez Códigos de Barras.

El código QR fue creado por el ingeniero japonés Masahiko Hara en Denso Wave Inc., un fabricante de equipos industriales del Grupo Toyota, en 1994, para que el seguimiento de los vehículos durante el proceso de fabricación fuera operativa. Teniendo en cuenta la velocidad de producción de la automotriz, el código diseñado debía ser rápidamente decodificado, sin error y con mucha información.

En ese verano porteño del 2012 empezamos a publicar varios autorretratos nuestros, con barba y sin ella, y después dibujamos a Homero Simpson, a surcoreana Pucca, a Mario Bros, a Mickey Mouse y a los integrantes de la banda mexicana de rock Molotov. También hemos creado dos tipografías, la QR Gothic y la Mobype, en honor al músico norteamericano Moby. Ahora hicimos a Batman y lo sumamos a nuestra galería de Domestika.

news:: Feliz cumpleaños Mario Bros

(Por Norbi Baruch B.) Hace 43 años se producía un hecho histórico sin precedentes en la industria de los videojuegos. Es que un 9 de julio de 1981 se lanzaba en Japón un juego con un malvado gorila y con un coprotagonista que sería más famoso que él. Este personaje que hoy conocemos como Mario aparece en el primer juego de "Donkey Kong" de la japonesa Nintendo, creación del programador japonés Shigeru Miyamoto, y se llamaba simplemente Jump Man.

Miyamoto se basó en la historieta de "Popeye The Sailor", creada por el norteamericano Elzie Crisler Segar, para el "The New York Evening Journal", cuya primera aparición fue el 17 de enero de 1929. Por ejemplo, la Princesa Peach fue inspirada en Olivia Olivo, el personaje femenino de la tira, quien es raptada por el gorila Donkey Kong, que sería Brutus, y debía ser salvada por Jump Man, el héroe, o sea Popeye.

En el juego, este personaje recibe ese nombre, al principio, después será Mario, porque tenía que saltar barriles, y otros obstáculos para llegar a la cima de una estructura en donde esperaba la damisela en peligro.Es interesante, y también simple, la razón por la que Jump Man se convirtió en Mario. Lo bautizaron con ese nombre porque el personaje de grandes bigotes se parecía al dueño de las oficinas que Nintendo alquilaba en EE. UU. Él se llamaba Mario Toti Segali y era veneciano. Otro dato interesante tiene que ver con el nombre del hermano menor de Mario, Luigi. Su nombre está inspirado en una pizzería que estaba cerca de la sede de Nintendo en Redmond Washington. La pizzería se llamaba "Mario & Luigi".

Por todo esto, hoy es el cumpleaños de Mario, y no otras dos fechas que lo ubican en los calendarios gamer como su nacimiento. Ese 9 de julio fue su primera aparición, pero algunos lo corren hasta el 13 de septiembre de 1985, cuando el fontanero se convierte en el protagonista de unaa saga de videojuegos de Nintendo, siendo el más popular de ellos el “Super Mario Bros”.

Pero para mayor confusión, los medios suelen hablar del italiano todos los 10 de marzo, como el Día de Mario. La historia es muy rudimentaria pero quedó así, y muy pocos se tomaron el trabajo de saber lo anterior. Porque para elegir el día se decidió dividir el nombre de Mario en MAR por marzo y el IO como si fuera un número 10.

news:: Astroboy vuelve a volar

(Por Norbi Baruch B.) Del 9 al 15 de junio pasados se llevó a cabo en Annecy, Francia, el Festival du Film d’Animation, y, durante este prestigioso evento, se anunció que Astroboy, la obra cumbre del artista japonés Osamu Tezuka, tendría una nueva versión animada, sin fecha todavía. Astro Boy fue una serie de manga escrita e ilustrada por Tezuka, entre 1952 y 1968, y cuenta la historia de un niño-androide llamado Tetsuwan Atomu, algo así como Átomo, el brazo poderoso que es creado para reemplazar la muerte del niño de un alto funcionario político. El jefe del Ministerio de Ciencia, el Doctor Tenma crea a Astro para que éste robot sea su hijo Tobio, fallecido en un accidente automovilístico. Este manga se convirtió en una serie de televisión en 1963, dirigida por el mismo creador, convirtiéndose en la primera serie de televisión japonesa en introducir al mundo en la estética del anime, con ojos bien redondos.

Pero la idea de crear un artefacto, en este caso cibernético, para reemplazar un afecto humano perdido no es nuevo en la literatura. Pinocchio es una marioneta de madera, escrito por el italiano Carlo Collodi, seudónimo de Carlo Lorenzini (Florencia, 1826-1890), bajo el título "Storia di un Burattino" ("Historia de un títere"), entre 1881 y 1883. Por eso, cuando pensé en una ilustración central para la infografía busqué una imagen de la marioneta, para que pareciera que el pequeño robot se le habían cortado los hilos que le daban vida.

Pocos saben que su creador se negó a ser el director de arte de la película de ciencia ficción "2001: A Space Odyssey", a pesar de los ruegos de su director, el gran Stanley Kubrick. Tezuka creó más de 150.000 páginas de historietas y más de 800 personajes, siendo Astroboy su obra más conocida. Su máxima influencia en el dibujo japonés ha sido la creación de los ojos redondos.

En los años 30, el senador republicano William H. Hays fue el encargado de imponer la censura a través del Motion Picture Production Code (Código de Producción de Cine y Televisión), también conocido como Código Hays, que tenía como misión prohibir todo tipo de atisbo erótico en los medios. Entonces el dibujo animado Betty Boop fue prohibido en Estados Unidos, acusado de exaltar el erotismo. La censura llevó a Betty Boop a otros mercados, entre ellos Japón. Osamu Tezuka ha reconocido que su diseño de ojos redondos (y las pestañas de Astroboy) están inspiradas en ella.

Este pequeño personaje es considerado como uno de los verdaderos antecedentes del animé y del manga. Nació como historieta impresa y fue el primer dibujo animado de la televisión japonesa.

Pero su influencia ha superado las fronteras niponas y grandes creadores occidentales han tomado prestados muchos elementos que hoy parecen hechos en otras tierras. El norteamericano Matt Groening creó al robot Bender, de la serie animada "Futurama", partiendo de la premisa filosófica de qué pasaría si Astroboy, como organismo cibernético, fuera políticamente incorrecto (o directamente malo). Entre los personajes más recordados de Tezuka se encuentra "Jungle Taitei", conocido en América Latina como "Kimba, el León Blanco", creado por él en noviembre de 1950 y reversionado, por él mismo, en octubre de 1965 para TV Tokyo, hasta 1978. Pero este personaje volvió a aparecer en las noticias en 1994 cuando Disney estrenó "El rey león". Era evidente que el personaje central, además de varios de los secundarios, creados por los estudios del ratón Mickey se habían basado en los creados en Japón.

La sospecha de plagio por supuesto quedó en la nada cuando se conocieron las declaraciones oficiales de la Compañía Disney. Los medios occidentales se hicieron eco de que "nadie en la compañía había oído hablar de Kimba hasta después de que "El Rey León" fuera estrenada. Otros medios, no tan complacientes, recordaron también que en aquel momento algunas personas relacionadas con la producción norteamericana se referían al personaje principal como “Kimba”.

news:: El viejo disfraz del nuevo Wolverine

(Por Norbi Baruch B.) Mucho se ha hablado de la película de "Deadpool & Wolverine" como el renacimiento de las películas de superhéroes, tan criticadas por los grandes directores de Hollywood como nunca antes había ocurrido. En realidad, casi todas, por no decir todas las cintas de personajes disfrazados y viriles, son un verdadero asco narrativo, que pegan en el palo de lo visual, y ni que hablar de lo ideológico. Pero hoy no venimos a hacer un tratado antropo-socio-político de los cómics, sino vamos a hablar de lo poco que saben los que escriben sobre superhéroes en los medios grandes y en las redes. Todo comienza con la avalancha de fotografías que la producción está ofreciendo de sus personajes principales y los cameos, estos últimos las nuevas estrellas de la warholiana Tik Tok. Pero algo ha superado al protagonista, Deadpool, y a los extras que aparecen sin mucho sentido argumental. Ese algo tampoco es el coestrella de Ryan Reynolds, Hugh Jackman, sino su disfraz de color amarillo. Este fetiche estético, que muy pocos periodistas de espectáculos conocían, tiene un origen muy lejano, que nada tiene que ver con la modernidad de los superhéroes. De hecho, la vestimenta amarilla de Wolverine está cumpliendo cincuenta años.

Hace 50 años Wolverine apareció con este traje amarillo y azul durante su primera aparición en la revista "The Incredible Hulk" #180, de octubre de 1974. Aunque se sostiene que en realidad su debut editorial ocurrió en el número posterior, en el 180 su breve aparición cambia el arco dramático de la historia, ya que su irrupción, en la última viñeta de la página, genera tal expectativa que Hulk y Wendigo, su antagonista circunstancial, dejan de darse golpes. Y es muy importante éste momento editorial para entender el color amarillo, más que su aparición expandida en el número posterior.

"Si realmente quieren enredarse con alguien, porque no lo intentan conmigo...con Wolverine", esto les dice este personaje con un disfraz amarillo y un detalle que no durará demasiado, unos pequeños bigotes de gato, tres de cada lado.

Pero la pregunta del millón que nadie se atreve a hacer es por qué Wolverine tiene un uniforme amarillo y no de otro color, como el verde que tanto le gustaba al padriarca de Marvel, Stan Lee. La respuesta sobre el origen de ese color lo encontramos en su creador, el artista John "Johnny" Romita Sr., verdadero soldado de Lee. Romita había vuelto a Marvel, tras su paso por DC Comics, en 1965, para encargarse del entintado de la serie "Avengers" de Jack Kirby y Don Heck, donde empezó a sentirle el gustito al color amarillo, gracias a la versión dorada de Iron Man. Luego lo intentaría sobre los bocetos de Kirby para Daredevil. Pero todo su "amor amarillo" terminaría cuando Lee le exigiría que reemplace al "díscolo" Steve Ditko, padre de Spider-Man.

Basta de rojo La revancha de Romita se daría en 1973 cuando llega el momento de hacerse cargo de dirección artística de la compañía. En ese momento, junto con los escritores Len Wein y Herb Trimpe, deciden crear un personaje que se caracterizaría por tener unas poderosas garras retráctiles de Adamantium y ser de origen...canadiense. En la presentación editorial de Wolverine, en ese famoso número 180 de la revista "The Incredible Hulk", Romita logra imponer el uniforme amarillo por una razón simple. Él aprovecharía el contraste cromático que se daba en el final de la historieta para presentar a su personaje. Esa pelea que interrumpiría se daba entre un personaje de color verde, Hulk, y otro de color azul, Wendigo. Por eso, a partir de ese momento, nadie en Marvel discutiría el color amarillo del Wolverine de John Romita Sr., y menos, se atrevería a cambiarlo como veremos.

Ni Chris Claremont y John Byrne, verdaderos padres modernos de personaje, se animaron cambiar el color en su monumental relanzamiento "Giant-Size X-Men"#108, de 1975. En los ochenta, Wolverine era el personaje más vendedor de la editorial, y el escritor Jim Shooter junto con el artista Mike Zeck deciden aggiornarlo cambiando el azul por el marrón, sin tocar el amarillo, en su serie "Secret Wars".

Los X-Men En los noventa llegaría "X-Men: The Animated Series", creada por Stan Lee, con la vuelta a la versión más tradicional del superhéroe. En "The X-Men III", de 1999, Claremont y el artista coreano Jim Lee vuelven a los colores tradicionales de Romita, amarillo y azul. Esto lo continuarán, en 2007, el escritor Brian Michael Bendis y el artista coreano Frank Cho, en "The New Avengers", y el escritor Cullen Bunn y el artista Greg Land, en 2016, en la clásica serie "Uncanny X-Men".

Detrás de ésta cuestión cromático se han inventado muchos mitos y explicaciones extrañas e infantiles. Por ejemplo, cuando Wolverine fue traído a la vida en la serie "Return Of Wolverine", en 2018, el escritor Charles Soule y el artista Steve McNiven sostuvieron en la Comic Con que el personaje usaba el amarillo para atraer la atención de los villanos hacia él.

Hasta la nueva serie de 2020, "Wolverine", con notable éxito, del escritor Benjamin Percy y el artista Adam Kubert, no ha podido cambiar el viejo color amarillo que alguna vez pensó un artista, en 1974, para que se diferenciara mejor del verde y el azul.