News::El día que El Norbi presagió que Pixar sería el nuevo Disney

(Ilustración original de El Norbi)
(Por Norbi Baruch B.) Se acaba de confirmar la realización de la película animada "Toy Story 5", con la vuelta de los juguetes Woody y Buzz Lightyear. Sobre el origen de su masterpiece, la famosa Toy Story original, escribí en el diario La Nación, donde, además, hice la ilustración de la tapa del suplemento Espectáculos. Lo interesante de ésta nota, bastante extensa por cierto, es que en ella ensayo una hipótesis que luego se confirmaría con los años venideros. En aquel momento, Pixar era una pequeña factoría de animación, muy limitada, que pertenecía a Lucasfilm, de la productora de cine de George Lucas. Pero el título de la nota hablaba de otra cosa, de algo más grande, impensado en aquellos tiempos. "Pixar, el nuevo Disney" sostenía una gran tipografía Bodoni sobre la ilustración. Porque lo que yo escribí el 17 de septiembre de 1999 ocurrió siete años después, el 24 de enero de 2006. Disney adquiere Pixar Animation Studios por 7.400 millones de dólares y cede el control de su estudio de animación a los directores creativos de Pixar. Entonces Steve Jobs se convertía en uno de los mayores accionistas de Disney.

A continuación, la nota completa.

Detrás de films para chicos como "Bichos"-que acaba de salir en video en el país- y "Toy Story" -cuya secuela se estrenará en diciembre-, hay una empresa que puede disputarle el trono al reino del viejo Walt.

En 1991, el director Stanley Kubrick había regresado a su viejo amor: la ciencia ficción. El proyecto se llamaba "Inteligencia artificial", y superaría, en efectos especiales, a su mimada "2001, odisea del espacio". Pero la misión fue abortada, y los guiones fueron archivados: no se podían conseguir los efectos especiales que aparecían en la mente de Kubrick.

Dos años bastaron para cambiar todo. Sólo seis minutos sirvieron. Dinosaurios generados por computadora en una secuencia de seis minutos dibujaron una mueca de alegría en la cara de Kubrick. Esto era real, o era muy parecido a la realidad. A partir de ahora todo era posible, con la ayuda de algún guión descabellado y la complicidad ejecutora de un nuevo software: el RenderMan. Este programa había sido creado por la división de computación de Lucasfilm, la productora de cine de George Lucas. Este departamento estaba dirigido por Ed Catmull y se llamaba Pixar.

Hoy, Pixar Animation Studios es una ascendente empresa que tiene más de 400 empleados y una ambiciosa lista de proyectos cinematográficos en desarrollo. No sólo crea los programas de computación que se van a usar en las películas con efectos especiales, sino que realiza sus propias películas, totalmente animadas en forma digital, sin locaciones reales, ni actores reales, ni vehículos reales.

Su materia está formada, pura y exclusivamente, por luz, y su mundo es el monitor de una computadora. Pero su presidente, Steve Jobs, no padece de mareos cibernéticos como otros fanáticos de las máquinas. "Las computadoras no animan, las personas sí", es su principio fundacional.
La madre de Flik y Woody

En el corazón de Point Richmond, California, se levanta la empresa que creó a Flik y a la princesa Atta, de "Bichos, una aventura en miniatura", que en la Argentina acaba de salir a la venta directa en video, y le dio vida al vaquero Woody y al astronauta Buzz, en "Toy Story", en sociedad con los estudios Disney. "Nosotros tenemos a algunas de las mejores personas del mundo trabajando aquí, por lo que queríamos crear un ambiente en donde fueran capaces de hacer el mejor trabajo de sus vidas", suele sostener Jobs. Y la industria cinematográfica, por lo general, le da pretextos. La criatura de agua de "El abismo" o el cyborg irrompible de "Terminator 2" fueron sendas aplicaciones de sus avances en tecnología digital.

La Academia de Hollywood le ha concedido más de una docena de premios, incluyendo premios Oscar por mejor cortometraje animado a "Tin Toy", en 1989 y a "El juego de Geri", en 1998.

Para decir algo coherente de Pixar es necesario conocer el pensamiento y la obra de este religioso laico de Silicon Valley, lugar desértico donde lo único que crece es la tecnología. El señor Jobs consiguió en 1977 1300 dólares, luego de vender su combi Volkswagen, e inventó una computadora. La llamó Macintosh. En el garaje de su casa creó una empresa (Apple) que a los tres años ya estaba cotizando en la Bolsa. Dos años después, Apple poseía la instalación más grande del mundo para una empresa de computación, y sus ganancias ascendían a 61,3 millones de dólares. Pero, más allá de la cibernética, Steve Jobs no se cansaba de citar una frase del presidente John F. Kennedy que sintetizaba su visión trascendental: "El hombre es todavía la más extraordinaria computadora".

Hoy, Pixar, el nuevo templo de su iglesia, tiene el mismo basamento que Apple. Sus ingenieros no son ingenieros, sino artistas. Sus directivos son carismáticos, y sus empleados, discípulos cuasi adolescentes, que los escuchan sentados en el piso, con las piernas cruzadas. "No nos preocupamos por muchísimas cosas de las que se preocupan otras compañías. Nos concentramos en el trabajo. Pixar ha entrado a una verdadera era de oro. Todos aquí saben eso y se sienten muy afortunados de ser parte de él", concluye.

La historia cinematográfica de los estudios Pixar se parece bastante a la de los estudios de Walt Disney, ya que los dos empezaron con la realización de cortos experimentales. Estas cintas sirvieron para ir dando forma al primer equipo de animación de la industria, comandado por el director John Lasseter.

Su primer corto, "Luxo Jr.", realizado en 1986, ganó más de veinte premios en festivales de cine internacionales. Todo esto, además de varios premios Clío de oro de la industria publicitaria, empujaron a los estudios Pixar a aceptar un nuevo desafío: un largometraje animado con imágenes generadas íntegramente por computadora.

"Fue como recibir el Cáliz Sagrado", recuerda el productor principal de Pixar, Raph Guggenheim. Era el otoño de 1990 y Disney estaba buscando la forma de diversificar su oferta fílmica. La primera alternativa elegida no fue, tal vez, la más recomendada. El director Tim Burton tenía una idea muy particular de la Navidad, que le interesó, extrañamente, al presidente de la compañía del ratón Mickey, Michael Eisner. Así nació "El extraño mundo de Jack".

(Así salió publicada la nota, con una ilustración que también hizo El Norbi)

"Para nosotros fue un fracaso", aseguró Thomas Schumacher, responsable máximo de la sección Animación de Disney. Este accidente se convirtió en catástrofe cuando su jefe de producción, Jeffrey Katzenberg, luego de ser despedido, fundó Pacific Data Images (PDI), que, junto con DreamWorks, se perfilaba como el primer gran estudio que trataría de robarle el negocio de la animación. Se tenía que tomar una decisión con suma rapidez y audacia. Pixar ya estaba haciendo ruido. Además, su principal referente, el director John Lasseter, era conocido para Disney: había trabajado en la película "El zorro y el sabueso" (igual que Tim Burton).
Alianza de apuro

La unión entre Disney y Pixar se celebró casi de apuro. Pixar cargó con todo el peso de "Toy Story" sin tener equipamiento ni personal. La productora asociada, Bonnie Arnold, recuerda que lo más difícil fue aumentar el número de su personal de animación, montaje y posproducción, de 24 a mucho más de 100.

"En términos de logística, lo más complicado fue el personal. Nadie antes había hecho una película de este tipo. A veces creo que ni siquiera comprendimos la profundidad de este hecho".

El primer equipo que formó el director de supervisión técnica Bill Reeves se asemejaba bastante a una comparsa. Desde pintores de escenarios para la Opera de San Francisco, pasando por algún arquitecto, tres titiriteros, arcillistas, hasta una científica que trabajaba en la computadora generando plantas para realizar paisajes en los barrios. Casi todo servía. "En esta película han participado más personas con grado de doctorado que en ninguna otra en la historia del cine. Pero por separado no podrían hacer un film como éste", recuerda el productor Guggenheim.

La desorganización del principio se convirtió perfección obsesiva. Hoy, Pixar dedica mucho tiempo al reclutamiento de personal. Han elaborado una lista de universidades que ellos reconocen como las mejores y sólo de ellas aceptan a sus egresados, tras una evaluación que puede superar las seis semanas.

¿Podrá la empresa de animación de Steve Jobs independizarse del imperio Disney y, aún más, competir en este millonario rubro con los padres de Mickey y Donald?

Por ahora se trata de una próspera alianza, pero la verdadera respuesta a este interrogante, seguramente, también debe desvelar a los herederos del viejo Walt.
Así salió publicada en el diario La Nación, en septiembre de 1999.

Exclusivo: Esto es Sonorama

(Mañana, el gran diseñador argentino mexicano Jorge Alderete presenta su nuevo libro "Sonorama", y como es amigo de la casa le hemos pedido que lo presente aquí. Por eso, en exclusiva para Visualmente, el Dr. Alderete nos cuenta todo sobre este libro, en primera persona. "Es un texto bastante personal, y no lo he publicado (salvo en el libro por supuesto", sostiene.) Es solo ro ck´n´roll ... Dr. Alderete Los setenta La música siempre estuvo a mi lado, quizás igual que el dibujo. Nunca estudié música, pero tampoco dibujo; bueno, no más de algunas clases que siempre abandonaba. Cuando pienso en la música, mis primeros recuerdos son en la Patagonia, escuchando de prestado aquélla que era de mis viejos. Me acuerdo en especial de los Wawanco, en formato magazine (así se conoce al 8 track en Argentina) y, si la memoria no me engaña, en el estéreo del auto. Cuando pienso en rock, mi primer recuerdo es en casa de mi tío Chiche, escuchando Creedence Clearwater Revival –aunque en ese momento no sabía ni siquiera el nombre de la banda. Bastante más tarde logré atar cabos entre el aspecto de mi tío y su música: me acuerdo de su chaleco de jean, el bolsillo izquierdo desgastado con la forma de la cajetilla de cigarrillos, bigotes a la Frank Zappa y manejando un Torino turquesa en el que no podíamos subir ni yo, ni mí hermano, ni mis primos, sin pasar por un estricto control de limpieza. Los ochenta Más adelante pude decidir qué música quería escuchar. Empecé la secundaria y regresaba de la escuela todos los días en autobús; y justo en la parada del “bondi” había una tienda de discos –que por supuesto no existe mas. Si regresaba a casa caminando y ahorraba el dinero del autobús, en una semana más o menos podía comprar un cassette. Mis primeros cassettes. En ese momento lo mío era el “rock nacional”, algo así como el “rock en tu idioma” de México, pero casi exclusivamente limitado a bandas de Argentina. Y así fue como escuche por primera vez a Clap, Sumo, Virus, Los Violadores, Los Encargados, La Sobrecarga, Todos Tus Muertos, Don Cornelio, Los Fabulosos Cadillacs, Los Estómagos, Casanovas y un largo etcétera. Siempre en cassette, salvo un disco de vinil, el Invasión 88, un mítico acoplado que reunía a las primeras bandas de punk de Argentina, con portada del historietista Mosquil. Una joya. Al mismo tiempo empecé a ir a mis primeros recitales, que en Neuquén y en esa época no eran muchos. Recuerdo a bandas neuquinas como La Sedición, Corona de Espinas, Los Monjes del Lamento, Samuel Koch y sus Bacilos… entre el punk y el dark. Y nació Le Freak, la banda que formamos con algunos amigos de la escuela y con la que “tocamos” escasas dos o tres veces…La interpretación musical no era lo mío. Los noventa En 1990 me fui a estudiar Diseño en Comunicación Visual a la ciudad de La Plata, en Buenos Aires. Si bien cualquiera de mis ilustraciones tienen fondo musical nunca había hecho nada directamente relacionado a la música hasta este momento. El trabajo: hacer un mini cómic con adaptaciones de las letras de una banda local. La banda: los Peligrosos Gorriones, que se volverían un grupo importante dentro del nuevo movimiento en el underground argentino: el rock sónico. Y pasarían a ser la banda de sonido durante todos mis años de universidad. Al segundo año de estar en la carrera me invitaron a dar clases en la Cátedra de Dibujo. El titular de la misma era Rocambole, autor de todas las portadas de Los Redonditos de Ricota, una leyenda; y si bien la parte gráfica de su trabajo nunca me inspiró mucho, sí la forma en que lo encaraba, como un miembro más de la banda. Estudié la carrera con el sueño de poder hacer alguna vez el arte de un disco, y eso no sucedió hasta que llegué a México, en 1998. Recién llegado conocí a Lost Acapulco y al Alicia. Nacho, Güili, el Reverendo y el Warpig ensayaban muy cerca de donde vivía en esa época, y estaban grabando su primer disco cuando nos conocimos; desde entonces no deje de trabajar con ellos, ni de ir al Alicia. En 1998 salió el primer álbum de Lost Acapulco, el primer CD que yo diseñara, y también hice mi primer cartel de rock. Recuerdo que en la disquera no quisieron hacer mas carteles para el lanzamiento de los discos: no servían de nada, decían… ni bien los pegaban en las calles la gente los arrancaba para llevárselos… El resto de la historia, casi 20 años de trabajo, lo tienes en tus manos… (si querés conocer lo primero que hizo el Dr. Alderete, dentro del mundo musical, ese primer comic de los Peligrosos Gorriones, entrá ya en Chillart.
Más participaciones del Dr. Alderete en VisualMente, a continuación:
1. Su libro, acá.
2. Su visión del Mundial, acá.
3. La charla en el Living, acá.

Último momento: Maradona cumple

(Ilustración digital de El Norbi)
Argentina es un país futbolero. Este deporte es parte de nuestra vida, es parte de nuestro ser, y quiso el destino que hoy una ilustración nuestra, de hace varios años, vuelve con fuerza a tener plena vigencia. En muchas redes se vuelve a reivindicar su figura hoy, con su cumpleaños 52.
Esa ilustración que se centra en la cabeza de Diego Armando Maradora fue realizada en el 2004 para una columna de opinión dominical del periodista Pablo Sirvén, en el diario La Nación de Buenos Aires.
La idea que habíamos trabajado con él trataba de encontrar en una única imagen lo que significa el fenómeno Maradona para los argentinos.
Para quienes no conocen la imagen original, la base de la ilustración digital es el escudo nacional de Argentina, donde un par de manos se estrechan en un saludo auténtico y sincero. Por eso, en la ilustración con Maradona, esas manos se convierten en botines de fútbol, el sol se transforma en una pelota y la cabeza del jugador reemplaza al gorro frigio del original. Si querés ver el escudo original y los bocetos,entrá acá. Porque, como dice Manu Chao, "Santa Maradona, priez pour Moi!".

Exclusivo: Te presentamos a Nina Boesch

La alemana Nina Boesch se graduó en el prestigioso RISD (Rhode Island School of Design) en 2006, con honores. Su trabajo ha sido honrado por el Art Directors Club, el Type Directors Club, Adobe y AIGA. Pero se ha hecho famosa casi por casualidad. Hace 11 años, Boesch llega a Estados Unidos por un programa de intercambio. Tenía poco dinero y quería hacerle un regalo a la familia que pensaba hospedarla en New Jersey. Lo único que tenía en sus bolsillos eran los MetroCards utilizados. Así que les hizo un mapa de los Estados Unidos con los recortes de esas tarjetas de cartón. Si querés ver esa técnica en detalle, entrá ahora a Chillartpara ver la cara freak del cómico norteamericano Conan O'Brien. A continuación, en exclusiva para Visualmente, Nina Boesch nos cuenta qué hizo con las 35.000 tarjetas de subte que ha cortado hasta ahora.
1. How did the idea of making collages with NY Metro cards?
When I first came to the U.S. from Germany I kept my MetroCards after every ride. After about a year, I had collected so many cards that I felt like I needed to find a purpose for them. I also needed a gift for my host-family and was on a very limited budget. So I simply cut up my MetroCards, sorted the little pieces by colors and create a collage of a U.S. map, which I framed and gave to my host-family as a present. They loved the idea and motivated me to create more collages like that.

2. How is the process of working for one of the works, for example, Woody Allen?
First, I create a pencil drawing of the motif I would like to turn into a collage. A very rough outline drawing... nothing too detailed. As a base I use all kinds of surfaces: canvas, canvas board, paper, wood, acetate, etc. And then I start glueing the small pieces of cut-up MetroCards onto the pencil drawing. The process feels like a combination of painting and doing a jigsaw puzzle, because I fill in the pencil outline with colors I think may look good. Oh, and I pre-cut all my MetroCards before I even start a collage. I keep the small pieces in buckets separated by color.

3. What is the image that you liked best and why?
I create a larger-than-life pigeon at 40x30 inches. I don't like pigeons in real-life but as a collage made from MetroCards they are very iconic... very New York, you know?

4. What is the image that you did not like and was completed and why?
I created a collage of a friend's mother once. I felt a tremendous amount of pressure getting the portrait right. My friend's mother had passed away a year before, so it was very important to me to depict her the way she really was – kind, lovely, beautiful. In the end, I liked the portrait a lot and my friend loved it, too, but the process of creating the collage was too much pressure.


5. How comes the cover of The New York Times and how long it took to make it?
Unless I am creating custom artworks for people, my collages all relate to the city. All my motives have a hint of "New York" in them: Woody Allen, Audrey Hepburn, the Brooklyn Bridge, the Pigeon, the Guggenheim Museum, etc. Even an eye-chart collage I created a while ago spells out the five boroughs or New York. Sometimes you need to look twice to see New York in the collages, but you will. Obviously the New York Times is a very iconic part of the city. It is a globally recognized paper, so why not make it out of MetroCards? It is only 11.5 x 15.5. inches in size but it took me about 20 hours to create it. Cutting out the black font from the magnetic strip of the MetroCards was very time-consuming.


6. Some of his works are typographical, something not very common in artists. Why you are encouraged to work on fonts?
I studied graphic design at RISD (Rhode Island School of Design) and my favorite courses were always the typography classes. It is difficult to get the fonts just right and to make them work in the overall design. To cut out custom letters from magnetic strips of MetroCards is of course a tedious kind of work, but I enjoy it. The collage-technique is much more forgiving than a printed typographic design. In my collages, letters can have uneven edges – it makes the design more interesting instead of less appealing.

Último momento: Slash vuelve (otra vez)

(Por Bender Baruch) El viernes 26 de marzo de 2004, El Norbi hizo una portada para el suplemento joven del diario La Nación, Vía Libre. En aquel momento, el ex guitarrista de la banda norteamericana Guns N' Roses había vuelto al ruedo con otra formación. Entonces él pensó en una imagen donde Slash estuviera dibujado con el típico estilo de fines de los ochentas, en un poster de la época. La idea era mostrar al mismo músico, en un afiche bastante roto, por el paso de los años. Hoy, aquel afiche vuelve a estar presente, mucho más maltratado. Es que Saul Hudson, más conocido como Slash, vendrá otra vez a la Argentina en noviembre, ésta vez para presentar “Slash & Friends”, primer material solista.



Para ver la versión final, entrá acá.

Exclusivo: Todo lo que querías saber de The Haunted Legs y nadie te quiso contar

Dice que viene de una familia de artistas de circo, que nació en 1984 y que perdió una pierna. Su historia es tan misteriosa como su última creación. En las redes sociales no se ha parado de mostrar las viñetas diarias de un par de piernas bastante misteriosas. Lo cierto es que el norteamericano Brian Jubtankarious Cook viene dibujando sin pausa una historia que las tiene como protagonistas absolutas hasta el 31 de julio. Hoy, Visualmente te ofrece en exclusiva el reportaje que le hicimos ayer a Cook, con detalles únicos de la tira, que nadie sabía hasta ahora. Once preguntas y sus correspondientes respuestas en castellano, y los primeros bocetos de The Haunted Legs. Si querés conocer los primeros bocetos entrá ya en Chillart.. Alucinante.

1. Cómo nace la idea de The Haunted Legs?
La idea de "Las Piernas Embrujadas" se me ocurrió de la nada. Como no tenía ningún papel en ese momento, lo garabateé más o menos en una pizarra de borrado en seco y luego le tomé una foto con mi iPhone. Yo había visto un montón de historias de fantasmas sin cabezas que flotaban alrededor de las personas, pero nunca había oído hablar de una historia que se haya centrado en las piernas, que habían sido cortadas.

2. Quién se supone que está detrás (o, mejor dicho, por encima) de esas piernas?
No tengo intenciones de revelar a quién pertenecen esas piernas. Bueno, por lo menos en el corto plazo. Hasta ahora nunca he dibujado ese cuerpo mutilado.

3. Cómo es el proceso creativo para crear cada caricatura diaria?
Por lo general dedico algo de tiempo en la mañana para hacer un par de garabatos. Puedo llegar a hacer media docena de bocetos que pueden o no terminar en viñetas reales. Suelo seleccionar las más prometedoras y redibujar hasta lograr un poco más de detalle. Guardo un lápiz conmigo en todo momento, porque he aprendido que no puedo saber, a ciencia cierta, cuando una buena idea va a estallar en mi cabeza. Mi estudio está tapado con los dibujos de las piernas cortadas que he hecho hasta en la parte posterior de los recibos y varias servilletas.

4. Qué nunca le van a pasar a esas piernas? ¿Por qué?
Usted sólo tendrá que esperar para averiguarlo!


5. Cuál ha sido la historia (o día) que más te ha gustado? ¿Por qué?
Uno de mis favoritos ha sido el día 15 (el museo de arte). Pero he descubierto que todo el mundo parece tener un favorito diferente. Eso es bueno!


6. Y cuál ha sido la historia (o día) que menos te ha gustado? ¿Por qué?
Yo diría que uno de los que menos me ha gustado ha sido el día 21, cuando las piernas embrujadas parecen demasiado cortas en el parque de diversiones. Lo siento por ellas.

7. A quiénes reconocés como tus maestros o simplemente influencias artísticas?
Mis influencias artísticas? Yo soy un gran fan de los dibujos animados y cómics. Algunos de mis artistas favoritos absolutos que incluyen: Chuck Jones, Carl Barks, Don Rosa, Edward Gorey, Tim Burton, NC Wyeth y Chris Sanders. También amo cualquier dibujo animado clásico de los años 50 y 60.

8. Cómo solés trabajar técnicamente hablando? Dibujás primero a lápiz y después vectorizás en Illustrator?
Las ilustraciones de las piernas son, básicamente, hechas en forma tradicional. Boceto a mano. Yo a menudo publico algunos de esos bocetos en mi Instagram (@ chengui). Luego escanéo cada dibujo y si definitivamente ajusto los niveles en el Photoshop, así como añado el texto. Para la cubierta de color he seguido el mismo proceso y luego lo he llevado al Photoshop para pintarlo.

9. Cuánto tardás en hacer las historias de The Haunted Legs?
La casi mayoría de ellas han sido hechas de una sóla vez. Después de resolver todos los problemas en el boceto, el dibujo final es bastante fácil de hacer. Sólo hay un par que mucho no me gustaban y que me obligaron a replantearlas.


10. Tendrá un final feliz la historia de las piernas embrujada?
Estoy trabajando en este preciso momento en el final. En el momento en que vos leas esto ya será un hecho! Mi objetivo con este proyecto fue el reto que me creaba algo todos los días, por lo que nunca entró en mi cabeza armar un plan general. Ahora que el proyecto está empezando a concluir estoy pensando en llevarlo a una conclusión satisfactoria. Vas a tener que leer por ti mismo para responder a esta pregunta!


11. Qué sucede después de que el proyecto llegue a su fin, el 31 de julio?
Las piernas ya han recibido comentarios tan positivos que voy a estar un poco triste cuando el proyecto termine. No estoy seguro de lo que sucederá. Mi objetivo original era dar color a todas las páginas y armar un libro. I've also thought about doing a small "encore" story. I'd think it's safe to say that you haven't seen the end of The Haunted Legs yet! Stay tuned to www.briancook.net/hauntedlegs for updates!

Último momento: Ya llegan las Haunted Legs a Visualmente

Son el fenómeno de las redes sociales. Estas piernas embrujadas corren por todos lados y nadie sabe a quién pertenecen. Todos los días, en su sitio diario, una nueva aventura las tiene como protegonista. Su creador, el ilustrador norteamericano Brian Cook nos contará todo, en exclusiva para Visualmente, el primer medio latino que lo entrevista.

Último momento: Cómo 4 ilustraciones editoriales se transformaron en stickers

(Ilustración digital de El Norbi)
1. Hace dos años, El Norbi hacía una portada para el suplemento Metrópoli del diario El Mundo de Madrid. Era la primera que se publicaba después de que el suplemento cumpliera 20 años.
La idea que tenía Rodrigo Sánchez era lograr un mix poderoso entre Albert Einstein y Gene Simmons. Después de pensarlo, y buscar otros caminos, su idea me pareció más que interesante, pues implicaba el desafío de tomar un gran ícono víntage y transformarlo en otro, muy distinto. Eso que venimos sosteniendo en nuestras ponencias universitarias sobre "la importancia de poder cambiar el significado a ciertos íconos para lograr una comunicación más rápida y efectiva" volvía a quedar demostrado en la realidad, ésta vez en España.
La lengua icónica del físico alemán era la clave, ya que se había convertido en algo tan conocido como su Teoría de la Relatividad. Entonces su alargamiento extremo llamaría mucho más la atención que el maquillaje del bajista Gene Simmons.
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(Ilustración digital de El Norbi)
2. La Twentieth Century Fox reestrenó este año una versión en 3D de "Star Wars: Episode I The Phantom Menace". De eso se venía hablando desde hacía ya un tiempo. Esta primera experiencia se extenderá a toda la saga de George Lucas.
Cuando se empezó a hablar de esta conversión techno, El Norbi trabajaba en el diario La Nación de Buenos Aires. En ese momento, el editor del suplemento de Espectáculos, el periodista Pablo Sirvén, le pidió que ilustrara la nota de tapa que hablaba de la adaptación al nuevo formato de las películas de Darth Vader. Este fue el resultado que se publicó en el suplemento sábana, el 17 de abril de 2005. En aquel momento, como El Norbi tenía problemas interpretativos con la dirección de arte del matutino, fue realmente una buena ayuda la de Sirvén para que pudiera salir de la penitencia impuesta. Aunque el diario no se animaba demasiado con las portadas conceptuales, el ilustrador insistió. Y la tapa se publicó así:

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(Ilustración digital de El Norbi)
3. Argentina es un país futbolero. Este deporte es parte de nuestra vida, es parte de nuestro ser, y quiso el destino que hoy una ilustración nuestra, de hace varios años, vuelve con fuerza a tener plena vigencia.
Esa ilustración que se centra en la cabeza de Diego Armando Maradora fue realizada en el 2004 para una columna de opinión dominical del periodista Pablo Sirvén, en el diario La Nación de Buenos Aires.
La idea que habíamos trabajado con él trataba de encontrar en una única imagen lo que significa el fenómeno Maradona para los argentinos.
Para quienes no conocen la imagen original, la base de la ilustración digital es el escudo nacional de Argentina, donde un par de manos se estrechan en un saludo auténtico y sincero. Por eso, en la ilustración con Maradona, esas manos se convierten en botines de fútbol, el sol se transforma en una pelota y la cabeza del jugador reemplaza al gorro frigio del original.
Si querés ver el escudo original y los bocetos, entrá acá. Porque, como dice Manu Chao, "Santa Maradona, priez pour Moi!".
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(Ilustración digital de El Norbi)
4. En 1993, El Norbi hizo ésta ilustración para el diario Clarín. En aquel momento, el español Iñaki Palacios era el responsable de su dirección de arte del matutino y el tema tenía que con cómo el rock and roll se había convertido en un fenómeno serio de la cultura moderna. Algo así como que se había transformado en parte de la música clásica. Enseguida él pensó en el inglés John Winston Lennon.
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Hoy, esas ilustraciones que hicimos para los diarios Clarín, La Nación (de Buenos Aires) y El Mundo de Madrid, se transforman en 4 poderosos stickers, de edición limitada. Nuevamente, un material típico que pertenece al mundo de los diarios cambia de soporte para estar más cerca del lector. Primero fueron las postales coleccionables con infografías publicadas en los diarios Crítica y Tiempo Argentino, de fuerte perfil creativo. Hoy, ilustraciones que aparecieron en portadas se transforman en el nuevo soporte urbano de las nuevas generaciones.
(Si querés conseguir algunos de los stickers en pvc, con la mejor calidad de Nirat Print, mandonas un mail a nobaruch@gmail.com, diciendo en el Asunto: Quiero mi calco)

Último momento: Un "Bicho-papão" llamado Boca Juniors

Ayer Boca Juniors dejó en el camino de la Copa Libertadores al equipo brasileño Fluminense. Más allá del dato puntual, el equipo argentino se ha caracterizado por eliminar en varias instancias a equipos del país hermano. Tanto es así que ya se conoce al equipo de la Ribera como un verdadero "Bicho-papão", algo así como el cuco. Hoy el diario Zero Hora de Brasil reproduce una ilustración conceptual que se refiere a todo esto. En exclusiva para Visualmente, el artista argentino Gonzalo Rodríguez, creador del ícono, nos cuenta cómo trabajó.
1. Cómo nace ésta traducción icónica de la Copa Libertadores?
La gente de Deportes, con la que generalmente trabajo, me comentó la idea de hacer un Guía de la Libertadores y me pidió que creara una estética para el suple y ilustrara ciertas curiosidades. Como tengo bastante libertad, pense en hacerlos en forma de escudos.
2. Qué técnicas usás? Primero hacés un boceto a lápiz?
Hice unos bocetos en papel y después dibujé todo en vectores
3. Cuándo tardás para hacer un escudo?
No mucho, ya que crie todos en unas 4 o 5 horas
4. Cómo nace Boca Maldita?
La idea del nombre fue de ellos, y me pareció copada. Acá a Boca lo llaman "Bicho-papão", lo que para nosotros sería "El Cuco", por obvias razones.

Cuando Bob Marley se transformó en Roberto Marley

(Ilustración digital de El Norbi)
A pedido del público, volvemos a colgar una ilustración que casi es tapa del suplemento Vía Libre y que El Norbi hizo para mostrar que poderoso era el movimiento reggae en castellano. Por eso, las rastas de Robert Nesta Marley estaban hechas con textos en castellano.
Era el primer boceto, donde la I-D-E-A, como dice Rodrigo Sánchez, fue construir las rastas de su emblemática cabellera con textos en castellano. Lo que se analizaba en la publicación era el boom del movimiento reggae en Argentina. Pero nunca dejó de ser un boceto, ya que el personaje en cuestión no era recomendable para los jóvenes.
Una lástima, ya que era la tapa de un suplemento joven. Otra vez, los suplementos jóvenes que no tienen nada de jóvenes.
Como hoy se cumplen 31 años de su paso a la inmortalidad, recordamos a un tipo que creía en la paz profundamente. Un día como hoy desaparecía el jamaiquino Bob Marley.

Exclusivo: "Luke, yo soy un concepto", dice Darth Vader

La Twentieth Century Fox acaba de reestrenar en Buenos Aires una versión en 3D de "Star Wars: Episode I The Phantom Menace". De eso se venía hablando desde hacía ya un tiempo. Esta primera experiencia se extenderá a toda la saga de George Lucas.
Cuando se empezó a hablar de esta conversión techno, El Norbi trabajaba en el diario La Nación de Buenos Aires. En ese momento, el editor del suplemento de Espectáculos, el periodista Pablo Sirvén, le pidió que ilustrara la nota de tapa que hablaba de la adaptación al nuevo formato de las películas de Darth Vader. Este fue el resultado que se publicó en el suplemento sábana, el 17 de abril de 2005. En aquel momento, como El Norbi tenía problemas interpretativos con la dirección de arte del matutino, fue realmente una buena ayuda la de Sirvén para que pudiera salir de la penitencia impuesta. Aunque el diario no se animaba demasiado con las portadas conceptuales, el ilustrador insistió, como buen cabrón que es. Por eso, en el post original de 2005, titulamos sin filtro. Y la tapa se publicó así:

Exclusivo: Te presentamos a Pahito

Pahito es un diseñador rosarino cuyo verdadero nombre es Pablo Cialoni. Alguna vez este canalla se hizo llamar Molde para Queso, pero esa es otra historia. Hoy sus dibujos irrumpen en las redes de la mano de una larga legión de superhéroes pixelados. Como nadie le preguntó sobre todo esto, en Visualmente decidimos cambiar la historia. Con ustedes, el Señor Pahito.
1. Vos trabajás con un programa de dibujo vectorial o hacés bocetos previos en lápiz?
El 90% de mis dibujos los hago a lápiz, birome o lo que tenga a mano. Después scaneo y los trabajo en illustrator, flash o photoshop.
Muchas veces tengo que hacer dibujos rápidos que no requieren mucho detalle; y esos los hago directamente con el mouse o con una tableta Genius que tengo hace ya unos años.

2. Cómo nacen los superhéroes pixelados?
Los superhéroes pixelados, o Pixel Heroes, como los llamo yo; nacen de un día en el que estaba aburrido, dibujando con pixeles. Primero dibujé un jugador de fútbol con una camiseta de Rosario Central; después un jugador de basket, y tercero a Batman. Eso me gustó, entonces seguí con Wolverine, Superman, Spiderman hasta que me di cuenta que tenía muchos personajes hechos y quería hacer algo con ellos.

3. Cuánto tiempo te llevó hacer, por ejemplo, a Flash? Cómo trabajaste?
Flash fue uno de los que menos tiempo me llevó. Y fue un caso particular, porque fue el primero en el que se me presentó una pequeña dificultad, que era la del logo en el pecho. Al llegar a una resolución con solo tres pixeles para representar el logo, me alegré por el resultado, y eso ayudó a resolver otros problemas que presentaban otros personajes.


4. Cuál fue el más complicado de lograr? Por qué?
Creo que el más complicado fue Darth Vader, ya que la mayoría de sus tonos son oscuros, y yo trabajé con una paleta acotada de colores. Solo cuatro semitonos de negro a blanco.
Otros complicados fueron Ant Man, Harley Quinn y Nightcrawler.

5. Dónde encontrás la inspiración para hacer estas obras?
Basicamente en los comics. Los amo. Amo no solo a los personajes de comics que leo, sino tambien que disfruto de ver cualquier viñeta sin saber a que comic pertenece.
Obviamente que las películas y series de televisión influyen en la creación de personajes o para tomar algo de ellas.



6. Cuál creés vos que está mejor logrado de los superhéroes? Por qué?
No puedo elegir uno, pero si tres. Superman, Robin y Batman. Creo que estos tres, aparte de ser iconos reconocibles para casi cualquier persona. Muestran con los pocos recursos que presenta la cantidad de pixeles usados, la personalidad de cada personaje. O al menos la manera en que me gusta representarlos.


7. Cuáles son tus influencias? Cuáles fueron tus maestros?
Creo que salvando los miles y millones de kilómetros de distancia en cuestión a estilo, Joe Madureira es un dibujante que siempre traté de imitar. Otro es Roberto Fontanarrosa, de quien aparte de disfrutar de su humor, siempre me pareció muy interesante la manera en que resolvía algunos dibujos. Un maestro con todas las letras.
Otros nombre que puedo nombrar son Tomer Hanuka, Denis Zilber y DXTR.